Various Artists "Symphonic-Art-Rock From Hungary" (2003)

Тематическая компиляция от венгерского прогрессивного лейбла Periferic. Десять команд и, соответственно, столько же треков. Немного удивляет тот факт, что составители сборника обошлись без своих прославленных соотечественников - After Crying и Solaris, как раз таки работающих в манере симфонического арт-рока. Впрочем, им виднее. Ну, а мы пока обратимся к релизу.

Заявленные на диске исполнители находятся в различных весовых категориях. И это нормальный вариант для практически любого сборника. Интересно другое: отнюдь не все из них попадают под определение "симфо". Хитрые товарищи с Periferic, оценив ситуацию, догадались разместить на первых позициях наиболее сильные вещи. Это девятиминутная проклассическая "Neander-variations I-II" от инструментального ансамбля Fugato (по сути - самый настоящий рок-оркестр из 26 человек), а также идущая следом крайне приятная арт-фолковая композиция "Utopia From The City", сыгранная проектом Musical Witchcraft, которым заправляет великолепный флейтист Аттила Коллар (Solaris). Дальше все непросто. Инструменталка "Cheater" от Ivan Folk - замечательный прогрессивный этюд без особых претензий, отдаленно напоминающий шведов Ragnarok. "Lost Ways" группы Heju - мелодичная электроника в духе Tangerine Dream, целиком построенная на звучании синтезаторов. Поющие на ломаном английском Holy Lamb большого впечатления не произвели, эдакий припопсованный хард-н-арт с простецкой, чисто аккордовой манерой игры на гитаре. Правда, в середине вещи ребята ломают ритм и даже пытаются косить под Genesis, вводя артистическое разноголосие, но общей картины это в принципе не меняет. Janos Varga Project выносят на суд меломана неплохой прог-металлический фьюжн. Местами звучит увлекательно, но все же несколько "из другой оперы". Молодчики из Eclipse заморачиваться не стали, исполнив кавер кримзоновской "Pictures Of A City". Что ж, и такая версия имеет право на жизнь. У бойцов из Mindflowers также наблюдается некоторый перекос в сторону прог-металла, отчасти сотканного по рецептам Dream Theater. В целом съедобно, но не ново. Резвые хуки гитариста из Holnap Inkabb как-то сразу заставили вспомнить Эджа из U2. И кабы не вовремя вступивший клавишник, отвечающий за симфо-наполнение, было бы не ясно, что делают оные граждане в данной ротации. Замыкающие подборку D Sound со своим "Блюзом 2000" - своеобразный King Crimson по-мадьярски: немного атмосферный, балладный, не лишенный прогрессивности.
Такая вот субъективная картина маслом. Несмотря на отдельные недочеты компиляции, я все таки осмелюсь рекомендовать ее к прослушиванию поклонникам жанра. Выбор за вами, друзья.

Karda Estra "The Last of the Libertine" (2007)

По правде говоря, от этой работы Karda Estra я не ждал ничего нового. Те, кто слышал хотя бы пару релизов англичан, наверняка успели заметить, что лидер ансамбля, композитор и по совместительству мультиинструменталист Ричард Уилиман в основном старается не отступать от однажды найденной формулы. Но рамки ее столь пластичны, что допускают множество вариаций. Так вот, повторюсь, вставляя диск в проигрыватель, я особо не рассчитывал на нововведения. Как оказалось, зря. Маэстро Ричард при поддержке давно устоявшейся компании коллег-музыкантов академического толка сумел удивить и даже отчасти оправдать ярлык avant-garde, присвоенный "The Last of the Libertine" обозревателями одного сетевого медиа-портала.

Короткая реприза "Paper Cuts", открывающая альбом, кажется обманчиво-традиционным для Karda Estra камерным этюдом. Однако уже следующий номер "Life Drawing" демонстрирует совершенно иную ипостась группы. Многостаночник Уилиман сводит в единое целое электронные синтезаторные подкладки, партии классической гитары и мощный дисторшированный саунд. Прибавьте к этому бессловесный вокализ Айлиши Бэйли, едва заметные позывные скрипки, вплетающийся в минуты затишья солидный голосок гобоя... Довольно любопытная выходит полифония. Характер остальных композиций также варьируется от более размеренных симфонически ориентированных полотен ("Morning Wraiths", "Halcyon Years", "Black Sun") до синтеза филармонической манеры исполнения с тяжелым роком (заглавная "The Last of the Libertine") и элементами джаза ("Terra Nova"). Участники Karda Estra красноречиво намекают: никакого творческого застоя нет и в помине. Им по-прежнему подвластны новые горизонты. И хочется верить, что так оно будет и впредь.

Spring "Spring + 3 Bonus Tracks" (1971)

Британский квинтет из Лейстера – яркие представители направления, обозначенного тамошними журналистами словосочетанием «меллотрон-рок». И, в общем-то, оно справедливо, поскольку трое из пяти участников коллектива играли на этом замечательном клавишном агрегате.
Spring возникли в 1970-ом. Состав группы: Пэт Моран (вокал, меллотрон), Рэй Мартинез (гитара, меллотрон), Эдриан "Костяшка" Мэлоуни (бас-гитара), Киппс Браун (фортепиано, орган, меллотрон), Пит Уизерс (ударные). Все отнюдь не новички в своем деле, каждый из ребят успел засветиться в местечковых лейстерских ансамблях. Посему, определившись с жанром, бравые парни взяли быка за рога и довольно скоро заключили договор с компанией Rockfield Recordngs Studio на выпуск альбома. В 1971 году их первая пластинка увидела свет. Продюсировал дебютантов весьма известный человек - Гас Доджен (1942-2002), параллельно занимавшийся раскруткой Элтона Джона. Судя по всему, мэтр остался вполне удовлетворен результатом. Да и чего бы ему, спрашивается, не быть довольным, если молодая поросль с этим своим релизом плавно влилась в нарождающееся прогрессивное течение. Очень мелодичный материал с четко выраженной песенной структурой роднит творчество Spring с Moody Blues, Cressida и отчасти с Gracious. Музыка Весны, берущая истоки в традиционном ритм-н-блюзе и фолк-роке, по большому счету нетороплива и в основном тяготеет к балладной форме.
Настроившись на продолжение банкета, музыканты взялись за подготовку второй программы, но - увы! - не сложилось. В 1972 году Spring самораспускаются и в дальнейшем стараются не пересекаться. Вокалист Моран с головой погружается в продюсерскую деятельность. В числе его клиентов побывали Игги Поп, Роберт Плант, Лу Грэмм и другие. Бас-гитарист Мэлоуни оставляет музыку насовсем, а прочие становятся сессионными артистами. Вот такие пироги. Ну а нам остается прибавить громкость и под звуки типично английского арт-рока лишний раз ностальгически прослезиться или улыбнуться – кому что ближе.

Затерянный Мир "Траектории" (2001)

Редкий отечественный коллектив из плеяды современных может побаловать слушателя по-настоящему хорошей музыкой. И потому нечастые встречи с подлинным искусством превращаются в праздник. Затерянный Мир - как раз тот самый повод для радости за своих.
Этот удивительный проект основан в 1996 году студентами Московской Консерватории. Андрей Дидоренко (скрипка, гитара, бас-гитара), Василий Соловьев (флейта, гитара) и Александр Акимов (клавишные, ударные, программирование) изначально ориентировались на экспериментальный, некоммерческий характер своих композиций. Пригласив к сотрудничеству вокалиста Алексея Рыбакова, они записали "Траектории" - диск, в основе которого лежит стремление отобразить яркую звуковую картину мира на перекрестке эпох. Материал альбома можно поделить на две части: сугубо инструментальные вещи (коих здесь процентов семьдесят) являют собой крайне интересный и виртуозный симфонический прогрессив-рок с явным влиянием академического авангарда. Местами возникают ассоциации с группой Miriodor, но, в отличие от канадцев, наши парни играют в более жестком ключе. Остальное содержимое - проникновенные лиричные песни балладного свойства (кстати, весьма небанальные в текстовом отношении; есть тут что-то от Даниила Хармса). Исполняющий их Алексей Рыбаков, обладатель приятного (на мой вкус) тембра голоса, характерного, скорее, для отечественных ВИА 1970-х. Впрочем, я вполне понимаю ту часть аудитории Затерянного Мира, что перед концертами умоляла участников ансамбля не петь. Ибо в сравнении с мощными инструменталами вокальные опусы ребят выглядят, мягко выражаясь, бледновато. В целом же пластинка очень достойная, наглядно демонстрирующая, что есть на 1/6 части суши русскоязычные коллективы, в музыкальном отношении никого не клонирующие и не уступающие зарубежным коллегам по цеху.

Nick Magnus "Hexameron" (2004)

Ник Магнус - один из самых уважаемых британских музыкантов. Его творческая биография насчитывает множество любопытных эпизодов, как то: участие в концертной деятельности легендарных симфо-рокеров The Enid, великолепный инструментальный прогрессивный проект Autumn и многолетнее сотрудничество со Стивом Хэкеттом (ex-Genesis). "Hexameron" - третья сольная работа замечательного органиста. Здесь маэстро Магнус в полный голос заявляет о себе и как о превосходном композиторе. К процессу создания альбома Ник  приобщил старых знакомых. Благое начинание поддержали коллеги: братья Хэкетты - флейтист Джон и гитарист Стив; несколько певцов, в числе коих обладательница красивейшего меццо-сопрано Клэр Бригсток, вокалист трибьют-команды ReGenesis Тони Паттерсон, актриса музыкальных театров Сиобан МакКарти, с успехом выступавшая как на Бродвее, так и в лондонском Уэст Энде, плюс Деби Досс, отметившаяся участием в The Kinks, и Пит Хикс - коллега Магнуса по аккомпанирующему составу Стива Хэкетта. В качестве инструменталистов также засветились классический скрипач/альтист Ниниан Бойл и два гитарреро - Джефф Уайтхорн (Procol Harum) да мастер игры техникой слайда Мелвин Хискок. Словом, все артисты приличного калибра. Под стать их дарованию и сочиненный Магнусом материал. Америки Ник, конечно же, не открыл, зато сумел объединить в единое композиционное пространство свои основные пристрастия: гармоничные клавишные оркестровки, влияние кельтского рока, умеренные синтезаторно-электронные мотивы а ля нью эйдж и тайную любовь к мюзиклам. В итоге имеем крепкий, прекрасно аранжированный релиз в лучших традициях симфонического арт-рока, но звучащий вполне современно. Твердые пять баллов из пяти и самые настоятельные рекомендации любителям прогрессива.

Keats "Keats" (1984)

Keats - проект сугубо студийный. Своеобразный all-star band, состоящий из заслуженных деятелей арт-роковой культуры. Судите сами: органист Питер Барденс (ex-Camel), вокалист Колин Бланстоун (ex-Zombies), гитарист Йен Бэйрнсон и басист/вокалист Дэвид Пэйтон (оба - ex-Pilot, The Alan Parsons Project), ударник Стюарт Эллиот (ex-Steve Harley, 10cc), саксофонист Ричард Коттл. Несмотря на столь солидный состав, творчество коллектива соприкасается с прогрессивом лишь эпизодически. Единственная пластинка Keats, изданная в 1984 году, продемонстрировала весьма характерный для того времени саунд. Добротный нововолновый, не лишенный определенной красоты поп-рок, приправленный артовыми элементами, без труда вписывался в радиоформат и, при желании, мог бы собирать если уж и не стадионы, то концертные залы точно. Композиции, практически единолично сочиненные Барденсом, вызывают ассоциации с целым букетом исполнителей. Так, открывающая "Heaven Knows" вполне уместно смотрелась бы в репертуаре тогдашних Spandau Ballet; "Tragedy" будто специально написана для Бонни Тайлер; в медленной пространной "Walking on Ice" и выразительной балладе "Hollywood Heart" улавливаются знакомые отголоски The Alan Parsons Project; "How Can You Walk Away" - незатейливо-выпендрежный номер в духе поздних Genesis; изысканная "Avalanche" копирует манеру Camel времен "Nude", да и спета она абсолютно по-лэтимеровски. Можно было бы продолжить "разбор полетов" дальше и привести еще массу аналогий, однако большого смысла в этом не вижу.
Ценность "Keats" прежде всего в том, что перед нами натуральный звуковой оттиск с музыкальных настроений первой половины восьмидесятых. Посему и рекомендуется он в первую очередь любителям той пестрой эпохи. Остальным - по вкусу.

Kestrel "Kestrel" (1975)

Kestrel (по-русски "пустельга", то есть хищная птица из отряда соколообразных семейства соколиных) в некотором роде везунчики. Не гонялись за продюсером, не обивали пороги фирм звукозаписи. В начале 1970-х этот симфо-роковый квинтет вечерами играл в свое удовольствие в одном из лондонских колледжей. Там ребят заприметил некто Джон Уорт, сотрудник небольшого лейбла Cube - подразделения компании Decca. Вот он и помог молодым "пернатым" друзьям выпустить в 1975 году первую (и последнюю) пластинку, по прошествии тридцати лет признанную международным сообществом меломанов одним из наиболее ярких релизов второй волны британского арт-рока. И с этим трудно не согласиться. Ибо материал, львиная доля которого сочинена гитаристом Дэйвом Блэком, по степени мелодичности и звуковой привлекательности способен поспорить с лучшими образцами поп-музыки. Песенноориентированное содержимое диска во многом наследует идеям классиков протопрогрессива - Spring, Cressida, Fantasy. Но вот звучание у Kestrel все-таки свое. Сочные, великолепно записанные композиции демонстрируют отменный исполнительский уровень: цепкие риффы и соло-проходы Блэка, обширный арсенал клавишных (орган, электропиано, Меллотрон, синтезаторы) Джона Кука, сильный и чистый вокал Тома Ноулза, слаженную работу ритм-секции (басист Фэнвик Мюир - ударник Дэвид Уайтэкер). Характер треков варьируется от мягких лирических баллад ("Wind Cloud" - совершенная жемчужина альбома) до пролонгированных эпических вещей ("In The War", "August Carol"). Релиз воспринимается на одном дыхании, и только планка, заданная великими Genesis, YES, Jethro Tull и King Crimson, не позволяет занести его в реестр шедевров. Странно, конечно, что дело ограничилось единственной пластинкой. Впрочем, подобные творения дорогого стоят. Да и не нам судить о тех событиях давно минувших дней.
Резюмирую: высший балл и настоятельные рекомендации к прослушиванию.

Saecula Saeculorum "Saecula Saeculorum" (1976)

Если бразильцы берутся играть прогрессив, то будьте готовы к обилию классических мотивов в исполняемых ими программных вещах. Saecula Saeculorum яркое тому подтверждение. Эта любопытная формация появилась на свет в 1974 году. Костяк ее составили опытные музыканты: пианист Джакомо Ломбарди, гитарист Жозе Аудизио, ударник Боб Уолтер, два басиста - Эдсон Пла Вегас и Юниньо, но центробежной силой коллектива стал блестящий скрипач-виртуоз Маркус Виана (позднее - в Sagrado Coração da Terra), ныне прославленный на всю Бразилию своими саундтреками к кино- и телефильмам. Именно его стремительные партии струнных вкупе с красивейшими фортепианными пассажами Ломбарди определили звучание ансамбля. К сожалению, свое название (латинская фраза in saecula saeculorum в переводе на русский означает "во веки веков") ребятам оправдать не удалось. Группа просуществовала пару-тройку лет, успев записать один альбом, явившийся провозвестником симфо-проговой эры в Стране диких обезьян. Всего пять композиций, под завязку напичканных драйвовыми клавишными проходами, головоломными скрипичными соло, гармоничными вокальными распевками. В музыкальном отношении участники Saecula Saeculorum показали себя завзятыми академистами: за фасадом их творений так и маячат стены консерватории (особенно это слышно в финале завершающего трека "Rádio no Peito", где мастерски исполненный Джакомо Ломбарди этюд с головой выдает в нем классического воспитанника). Довольно целостная, выдержанная в едином ключе пластинка, позднее повлиявшая на стилистику многих тамошних команд. Тем обиднее, что продолжения "банкета" не последовало. Точнее, оно было, да только в рядах Sagrado Coração da Terra - группы, основанной Вианой, Ломбарди и Пла Вегасом. Но это, как говорится, совсем другая история.

В 2007 году бравые ветераны решили вновь тряхнуть стариной, и объединившись под старым наванием, провели успешную серию выступлений по стране. Бог даст, сподобятся наконец записать и второй альбом. Будем ждать.

Scapa Flow "Uuteen Aikaan" (1980)

Все-таки жизнь - штука несправедливая. Иные бездари годами отираются на концертных подмостках, а по-настоящему заслуживающие внимания команды, вроде финнов Scapa Flow, живут крайне недолго. Образовался коллектив в 1976 году в Хельсинки. Стилистика ансамбля, по признанию музыкантов, сложилась под влиянием таких корифеев, как Фрэнк Заппа, Jethro Tull и Camel. Собственно, с последними их чаще всего и сравнивают. Вышедший в 1980 г. единственный альбом Scapa Flow под названием "Новые времена" мог бы составить здоровую конкуренцию энному количеству артистов из числа прогрессивных, кабы не один существенный минус: все вокальные партии (которых тут, правда, сравнительно немного) исполнены на финском языке. Естественно, говорить о международном признании при таком раскладе бессмысленно. И очень жаль, поскольку для истосковавшихся по хорошей музыке слушателей звуковая палитра группы являет истинный праздник. Тут вам и мелодические красоты ранних The Moody Blues, и приятное для уха сочетание электрогитары с флейтой в духе Jethro Tull. Небесные голосовые гармонии певицы Пиа-Марии Нопонен навевают воспоминания о норвежцах White Willow. Симфонические клавишные текстуры, при всей своей возвышенности, отличаются теплотой и размеренностью. Духовик Исмо Ярвинен порою использует саксофон, придавая таким образом композициям своеобразный фьюжн-оттенок. Как известно, многие представители нордической арт-роковой сцены зачастую перегибают палку с минором. Scapa Flow счастливое исключение из правил. В их песнях находится место всему: и романтике, и меланхолии, и бодрым мажорным ноткам...
Словом, великолепный релиз, горячо рекомендуемый почтеннейшей публике.

Mike Oldfield "Music of the Spheres" (2008)

"Musica Universalis - древняя теория, согласно которой всякое небесное тело, будь то солнце, луна или звезды, обладает внутренней музыкой. Эта гармоничная математическая концепция проистекает из движения планет Солнечной системы. Музыка, творимая ими, неразличима человеческим ухом". Таким образом старина Майк берет на себя труд донести до широкой аудитории пресловутую музыку сфер, честно предупреждая в буклете, что это всего лишь его собственная интерпретация изящной пифагорейской теории. И надо отдать должное маэстро Олдфилду, с поставленной задачей он справляется довольно уверенно. После череды невнятных метаний по пустякам, заигрываний то с электроникой, то с гитарным звучанием, ветеран британского арт-рокового цеха возвращается к тому, с чего начинал когда-то: крупным музыкальным формам. "Music of the Spheres" - весьма амбициозное творение зрелого мастера. Масштабное концептуальное полотно претворяется в жизнь силами The Sinfonia Sfera Orchestra. Сам инициатор действа отвечает исключительно за классическую гитару, фортепианные партии исполняет известный китайский классический музыкант Лан Лан, в паре треков заявлен чарующий вокал замечательной новозеландской дивы Хэйли Вестенра. В целом, весьма добротный альбом. Олдфилд, когда захочет, умеет сочинять по-настоящему красивые мелодии. Правда, стоит лишь вступить женскому хору, как тут же возникают четкие ассоциации с нью-эйджевым проектом Adiemus, но тому есть простое объяснение: сопродюсер альбома (и по совместительству - руководитель оркестра) Карл Дженкинс - идейный вдохновитель означенного коллектива. Кстати, коль уж речь зашла об аналогиях. Покуда слушал первую половину диска, не мог избавиться от ощущения дежа-вю: нечто подобное восемнадцать лет тому назад успел реализовать Энтони Филлипс. Но его блестящий "Slow Dance" в ту пору был, мягко говоря, не совсем ко времени. Майку повезло больше: как-никак давно сложившийся коммерчески успешный артист. Знает, чего ждут от него поклонники, и старается не разочаровывать.
В общем, прошу любить и жаловать, дамы и господа. В эфире - Музыка Сфер.

Vent D'est "Vent D'est" (1980)

Об этих представителях французской арт-роковой сцены известно крайне мало, практически ничего. Да оно и не удивительно, поскольку вклад ансамбля Vent D'est (Ветер с востока) в историю прогрессивного рока на удивление скромен: всего один безымянный альбом. Очень жаль, так как музыка ребят не лишена красоты и мелодичности. Если верить сайту ProGGnosis, в составе группы работали два гитариста - Кристиан Дево и Жан-Люк Высоцкий (ей богу, так и написано!), клавишник Патрис Витт, ударник Жан-Марк Фишер и бас-гитарист Жан-Луи Сигле. Весьма странно, что нет никаких сведений о вокалистах: материал пластинки по большому счету песеннориентированный (из сугубо инструментальных треков - лишь открывающий драйвовый номер "Traveller"). В вокальной части - разложение на голоса - мужской и женский. Поют симпатично, то на своем родном языке, то на Инглише. Гитарные соло старательно следуют канонам, заложенным Энди Лэтимером (Camel). Правда, до уровня грандов инструменталисты не дотягивают. Ну и пусть. Музыкальные пьесы Vent D'est отнюдь не претендуют на глубину и эпичность, это просто очень душевные, хорошо сыгранные композиции. Временами ловил себя на мысли, что в некоторых моментах ощущается явственный эстрадный привкус. Впрочем, французская эстрада всегда отличалась исключительным профессионализмом, и ничего зазорного в подобном сравнении нет.
Удивительным, на мой взгляд, остается факт пропуска данного релиза крупнейшим прогрессивным лейблом Musea. Вообще-то сотрудникам этой компании свойственно ревнивое и бережное отношение к арт-роковому наследию соотечественников, отсюда ряд прекрасных переизданий прогрессивных артистов прошлых лет. Однако Vent D'est так и остались незамеченными, а потому запись пока существует в изначальном виниловом варианте.

Jade Warrior "Kites" (1976)

"Kites" - третья позиция в "восточной" серии Jade Warrior, запущенной ими на лейбле Island. В то же время это первый (и последний) дзен-буддистский альбом в творчестве уникальной английской группы. По признанию флейтиста/клавишника Джона Филда и гитариста Тони Дьюига, источниками вдохновения при создании пластинки им служили абстрактные рисунки Пауля Клее из цикла "Растения, Земля и царство воздуха", а также древняя притча о мудром монахе-лодочнике по имени Ти Чень, жившем в Китае 9-го века. Как и оба предыдущих творения Нефритового Воина, "Kites" полностью инструментальная работа, но в отличие от атмосферного рефлексивного "Waves" (1975), более собранная и целостная (хотя размытые структуры и здесь имеют место быть). Этому не в последнюю очередь способствовало сотрудничество Джона и Тони с когортой академических исполнителей: струнный квартет, женский хор, несколько специально приглашенных гостей, включая знаменитого авангардиста-многостаночника Фреда Фрита и альтиста Джо О'Доннелла, участвовавшего в деятельности британской артовой команды Riff Raff. Таким образом в звучании удивительным манером сочетаются ипостаси совершенно отличных друг от друга традиций: философская созерцательность Востока с ее экзотическими для европейского уха перкуссионными ритмами, умеренный симфонизм, четкая концептуальность прогрессив-рока и весьма уместные джазовые вкрапления. Специальные шумовые эффекты, воздействуя на воображение слушателя, придают рельефность той пейзажной основе, которую стремятся выразить музыканты. И это у них получается. Правда, справедливости ради должен заметить, что вникнуть в "Kites" с первого раза под силу не каждому. Но в данном случае оно скорее плюс, чем минус.
Итог: любопытный диск, достойный внимания серьезно настроенной аудитории.

Rainbow Theatre "Fantasy of Horses" (1976)

Прог-рок из Австралии, да еще с претензией на оригинальность, - это, знаете ли, уже экзотика. Тем не менее бывает и такое.

Rainbow Theatre возникли в 1973 году по инициативе гитариста/клавишника Джулиана Браунинга, привлекшего к сотрудничеству басиста Ферга МакКиннона, ударника Грэма Картера и вокалиста Марти Роуза. Однако размеров квартета для воплощения амбициозных музыкальных планов лидера коллектива было явно недостаточно. Поэтому маэстро Браунинг укомплектовал состав еще и духовой секцией (Стив Нэш - саксофон, кларнет, конги; Фрэнк Грэм - труба; Дон Сантин - тромбон), а также взял до кучи нового певца Кита Хоубэна. И этот прогрессивный октет при внушительной поддержке нескольких участников хора Викторианской оперной компании в 1975 году выдал нечто, доселе неслыханное в тамошних пампасах, - дебютную пластинку "Armada", ставшую первой австралийской рок-оперой. Релиз имел успех, но хитроумный Браунинг своим следующим шагом решил окончательно добить восторженную публику. И год спустя на свет появились "Лошадиные фантазии". Чтобы претворить их в жизнь, Джулиану пришлось распрощаться с некоторыми из сооснователей Rainbow Theatre. Отставку получили певец Роуз, духовики Нэш и Сантин. Вокалиста Хоубэна в частном порядке переключили на орган. А для усиления музыкальной части задействовали натуральный камерный оркестр из девяти человек (струнные и духовые инструменты). В итоге взыскательные господа меломаны заполучили в свои коллекции крайне любопытную работу, представляющую собой симфонический брасс-прог-джаз-фанк-рок. Здесь обманчивые меллотроновые пасторали сменяются мощнейшим напором виртуозных ударных и баса, подрепляемых риффующей гитарой с духовой секцией; ритм трансформируется с головокружительной скоростью, мелодические линии слоятся многажды, но их воспринимаешь опосредованно, ибо главное - драйв. И уж чего-чего, а этого на "Fantasy of Horses" хватает с избытком. И пусть не смущает Вас малая продолжительность альбома - всего 35 минут. Поверьте, оного вполне достаточно.
P.S. Совершенно уникальный образец жанра. Нынче так уже не умеют.

Morse Code "La Marche Des Hommes" (1975)

В начале семидесятых эти бравые квебекские парни играли англоязычный психоделик-рок. В подобном ключе были выдержаны два первых альбома команды, тогда еще носившей название Morse Code Transmission. Перелом произошел в середине 1970-х. Неизвестно, что сподвигло участников ансамбля на столь кардинальную смену курса, однако вышедший в 1975 году "La Marche Des Hommes" продемонстрировал миру совершенно иную группу. Кислотная размытость осталась в прошлом, а основным музыкальным ориентиром для Morse Code отныне сделался симфонический прогрессив, отчасти наследующий идеи великих Genesis. Чуждый канадцам английский уступил место привычной французской лирике, и дело быстро пошло на лад.

Открывающий альбом заглавный 11-минутный номер отличается преобладанием классических мотивов над рок-составляющей (что не удивительно, ибо в качестве основного композитора выступает клавишник Кристиан Симар). Взыскательное ухо меломана наверняка порадуется насыщенной полифонии в лучших традициях семидесятых. Фундаментальный саунд группы зиждется на широких меллотроновых пластах (особенно это касается драйвового инструментала "Cocktail"), четких органных проходах в сочетании с чистым фортепиано, хардовых гитарных риффах и соло, приправленных акустическими аккордами. Пару раз к общему действу удачно подключается флейта, придавая и без того комплексной музыке Morse Code дополнительный шарм.

Во всех отношениях превосходная пластинка заслуженно принесла ребятам известность на родине. Воодушевленные успехом участники квартета по инерции выдали еще два релиза, исполненных в той же манере, но это уже явственно попахивало самопародией. С наступлением эпохи диско ансамбль потихоньку скатился в попсу и к середине 1980-х приказал долго жить. В 1995 году возрожденные Morse Code записали альбом "D'un Autre Monde", по слухам - весьма неплохой, но с тех пор от них никаких вестей.

Patrick Moraz "Out in the Sun" (1977)

Второй сольный альбом виртуозного швейцарского органиста вышел через год после успешной и весьма непростой пластинки "The Story of I". К этому моменту Патрик успел покинуть Yes и пуститься в свободное плавание. "Out in the Sun" записывался практически с теми же людьми, что и диск-предшественник: Рэй Гомес - гитары, Энди Ньюмарк - ударные, команда бразильских перкуссионистов во главе с Жан-Люком Бургезом, на бас-гитаре вместо ушедшего Джеффа Берлина аж трое - Уорнелл Джонс, Изла Эккинджер и Жан Ристори. Плюс вокалисты - соавтор Мораца Джим МакБёрни, Вивьен МакОулифф и Франсуа Змиру. Несмотря на столь внушительных размеров коллектив, маэстро решил абстрагироваться от сложных композиционных форм и двинулся на сближение с мейнстримом. Результатом "хождения в народ" стал песенноориентированный релиз, прекрасно аранжированный и безупречно сыгранный. О солидном артовом прошлом Патрика напоминают инструментальные треки "Rana Batucada" (удачный синтез классических клавишных партий с элементами джаза и этническими мотивами) и довольно цепкая фьюжн-зарисовка "Kabala", чарующая слух журчащим звучанием "Хаммонда", а также три безвокальные секции заключительного 9-минутного эпика "Time for Change", являющие собой мощную симфо-проговую конструкцию. Остальной материал по своей подаче и отчасти благодаря тембру голоса МакБёрни схож с отдельными вещами англо-шотландских героев поп-арта Pilot, распавшихся как раз в 1977-м. Понятно, что высоколобым эстетам, ценящим Мораца прежде всего за весомый вклад в создание эпохального Yesовского шедевра "Relayer" (1974), подобная легковесность вряд ли пришлась по вкусу. Однако тем, кому по душе хорошие мелодии и "вкусно" исполненные песни, вполне может понравиться этот ни на что не претендующий альбом без сомнения сверхталантливого музыканта.

Combination Head "Combination Head" (2006) / "Progress?" (2007)

Combination Head - современный английский коллектив, краса и гордость сообщества Classic Rock Society. Инициатор проекта - Пол Бирчалл, клавишных дел мастер, на счету которого работа с виртуозным джаз-роковым гитаристом Гэри Бойлом (ex-Isotope) и певцом Джимом Даймондом. Его партнерами по ансамблю стали не менее опытные басист/гитарист Кит Эшкрофт и ветеран-ударник Пол Берджесс, сотрудничавший с 10cc, Jethro Tull и Camel. Как видите, компания вполне солидная. То же можно сказать и о музыке. Перед нами игровой арт/джаз рок в лучших традициях жанра. Звучание дебютного, полностью инструментального альбома густо замешано на использовании всевозможных синтезаторов, однако основу саунда составляет орган Hammond A100. Солирующая манера Бирчалла достаточно разнообразна и сочетает в себе множество влияний. Меломан со стажем без труда сумеет уловить здесь перекличку с такими исполнителями, как Эдди Джобсон (UK), Гэри Брукер (Procol Harum), Кит Эмерсон (ELP) и Ян Хаммер (ex-Mahavishnu Orchestra, solo). Симфо-проговые зарисовки периодически размываются моментами легкого джаза с вкраплениями оркестрового фьюжн. Не отстает от мастермайнда группы и гитарист Эшкрофт, использующий культовые для рок-музыки инструменты - Rickenbaker, Gibson Les Paul и Fender Telecaster. Ну, а про драммера Берджесса и говорить нечего: это мастер высокого класса, одно имя которого является залогом качества релиза. Так что всем поклонникам симфонического рока советую расслабиться и получать удовольствие.

Последовавшее годом позже продолжение - альбом "Progress?" - превзошло дебют сразу по нескольким показателям. Качество композиции приблизилось к идеальному, игровая часть попросту феерична. Состав Combination Head увеличился до размеров секстета. К конгломерату Бирчалл-Эшкрофт-Берджесс примкнули свободный басист Доминик Финли, второй гитарист Гарет Моултон и певец Ник Ван Иди. Музыкальная канва сделалась еще более разнообразной, яркой и привлекательной. Масса реминисценций из сфер классического рока 1970-х: мелодизм The Alan Parsons Project, техничность Emerson, Lake and Palmer и Yes, воздушные клавишные темы а-ля Vangelis... Красота и деликатность органных партий навевает мысли о Брайане Огере и Пите Барденсе. Особенно хочется выделить Camelобразную "Liquid" с ее обволакивающим бархатным звуком и тонкой гитарной вязью, напоминающей как Энди Лэтимера, так и Ройне Стольта (The Flower Kings); "Tomorrows World" явно берет истоки из знаменитой флойдовской "Comfortably Numb" (вслушайтесь повнимательнее в слайд-гитарные партии и эффектное распевное многоголосие); прекрасна и заключительная "Cloud Ever" - замечательная баллада, вдохновенно исполненная Ником Ван Иди. Словом, превосходный диск без единого слабого трека. Один из лучших альбомов 2007 года.

Iona with The All Souls Orchestra "Woven Cord" (1999)

10 лет совместной деятельности - чем не повод для праздника? Именно так решили участники английского арт-фолкового ансамбля Iona. И теплым майским вечером 1999 года в лондонском Королевском Фестивальном зале Джоанна Хогг (вокал, клавишные, акустическая гитара), Дэйв Бэйнбридж (гитары, клавишные, бузуки), Трой Донокли (деревянные духовые, гитары, вокал), Фил Баркер (бас-гитара) и Фрэнк ван Эссен (ударные, перкуссия, скрипка, вокал) объединили усилия с филармоническим коллективом The All Souls Orchestra. Результатом стал запечатленный на CD концерт, являющий собой эталонный образчик того, как должна звучать рок-группа в сопровождении симфонического оркестра. Глубокий и сочный, отполированный до блеска звук сделал бы честь многим студийным записям. К содержанию выступления музыканты Iona подошли крайне тщательно. В итоге были отобраны девять композиций с четырех номерных альбомов + еще две вещи: открывающая диск "Увертюра", мастерски аранжированная Троем Донокли для оркестра - своего рода попурри из мелодических фрагментов старых и новых песен; а также заглавная тема "Woven Cord", годом позже вошедшая на пластинку "Open Sky". Описывать проиходящее словами бессмысленно, ибо перед нами торжество красоты и гармонии, за которое следует сказать особое "спасибо" дирижеру Ноэлю Трединнику (именно этот человек инициировал идею мероприятия). К слову, основанный и возглавляемый им The All Souls Orchestra существует с 1972 года и за весь период деятельности успел поиграть с изрядным количеством составов, включая BBC Concert и BBC Symphony. Впрочем, не смею более задерживать Вашего внимания.

Распахните пошире души, леди и джентльмены. Представление начинается.

Part 1
Part 2

Dave Bainbridge "Veil of Gossamer" (2004)

Дэйв Бэйнбридж родился на северо-востоке Англии, в городке Дарлингтон. Поскольку вся семья паренька отличалась музыкальностью, понятно, что участь сия не миновала и Дэйва. В 8-летнем возрасте мальчик стал учиться игре на фортепиано, а в 13 принялся осваивать гитару под чутким руководством родного дяди. Далее были первые рок-опыты в составе подростковой команды Exodus, годы обучения в Музыкальном колледже Лидса (профессиональные успехи Бэйнбриджа были отмечены несколькими наградами, включая приз от BBC Radio 2 в номинации «Лучший джазовый солист»), увлечение синтезаторами, работа на телевидении, игра в ансамблях блюзового толка... Летом 1989 года Дэйв в содружестве с духовиком Дэвидом Фицджеральдом основал группу Iona. Его партнерами стали давняя знакомая – певица Джоанна Хогг и довольно известный сессионный музыкант, исполнитель на деревянных духовых Трой Донокли, немногим ранее сотрудничавший с The Enid. Впрочем, биография Iona – это совершенно отдельная песня. Мы же покуда вернемся к мистеру Бэйнбриджу.

Его первый сольный альбом «Veil Of Gossamer» (в вольном переводе – «Ажурная паутина») явил собою достаточно изысканное произведение, воплощенное зрелым мастером. Мультиинструменталист Дэйв самостоятельно отыграл все партии на гитарах, клавишных, бузуки, мандолине, различных подвидах арфы, и куче перкуссионных примочек. Естественно, без помощи друзей не обошлось. К сотворчеству маэстро подключил как коллег по Iona (Джоанна Хогг, Трой Донокли, ударник Фрэнк ван Эссен), так и других, не менее известных людей, в числе которых певицы Рэйчел Джонс (Karnataka) и Мэ МакКенна (соло; сотрудничала с Fish и Camel), скрипач Питер Уитфилд, виолончелист Уильям Скофилд и прочие. Результат получился великолепным. Дэйв, не скованный пусть и широкими, но все же рамками кельтского арт-рока, характерного для его основного коллектива, сумел раскрыться в качестве неординарного исполнителя/композитора. Палитра диска вобрала в себя и тонко аранжированные гэльские баллады, и насыщенное электрическое прогрессивное звучание, и классически ориентированные камерные этюды в акустическом ключе, и многое-многое другое. Как следствие, «альбом года» по версии различных специализированных изданий. И думается мне, совершенно справедливо. Отменный релиз, созданный настоящим художником. Послушайте и убедитесь.

Jade Warrior "Floating World" (1974)

На протяжении своей достаточно долгой истории Jade Warrior неустанно удивляли, озадачивали, а подчас и вовсе смущали слушателя. Стилистические пертурбации группы, ставшие притчей во языцех, отпугивали приверженцев старого звучания и привлекали в стан поклонников ансамбля неофитов, почитающих этнические опыты в прогрессивном ключе.
Пограничный характер "Floating World" (1974) очевиден для всякого любителя творчества JW. С одной стороны участники команды еще не до конца избавились от тяжелого наследия хард-рока, элементы его, хоть и по минимуму, но сквозят в отдельных композициях. С другой - Нефритовые Воины этой своей программой демонстрируют солидный прорыв вперед, проникновение в созерцательную мудрость Востока. Перед нами своеобразный рок-оркестр с не совсем традиционным для жанра составом инструментов: наряду с электро- и акустическими гитарами, органом, фортепиано и ритм-секцией, музыканты используют кельтскую арфу, гонг, африканский барабан-тамтам, флейты - концертную и японскую тростниковую, разномастные дудки, конги и колокольчики. Однако столь внушительный арсенал средств отнюдь не означает перенасыщения саунд-палитры. Напротив, треки пластинки несут в себе поэтическую одухотворенность и прозрачность. Большинство вещей на диске - своеобразный мостик в будущее, в невесомую хрупкость и практически нью-эйджевую чистоту образов, свойственных в частности пластинке "Breathing the Storm" (1992). Остается лишь добавить, что это первый сугубо инструментальный альбом Jade Warrior, точка отсчета нового периода их деятельности. В общем, эволюция налицо.

Faithful Breath "Fading Beauty" (1974)

Одни из пионеров тевтонского рока, начинавшие на излете шестидесятых годов, Faithful Breath добились международного признания в период хамелеонистых 1980-х, играя заводной хэви-металл в духе Accept. И остались бы они в истории заслуженными ветеранами немецкого харда, кабы в дело не вмешалась американская контора The Laser's Edge, руководимая доблестным Кеном Голденом. Именно эти реаниматоры всеми забытых прогрессивных имен, переиздав в 1991 году дебютную пластинку Faithful Breath в формате CD, продемонстрировали миру, сколь самобытной арт-роковой командой являлись немцы до того, как стали нарезать тяжелые риффы.
Даже спустя 35 лет "Fading Beauty" воспринимается не архаичной антикварной раскопкой, а напротив - свежим глотком чистого воздуха. Первую сторону диска занимает поэтичная инструментальная дилогия "Осенняя фантазия", состоящая из двух продолжительных треков - собственно "Fading Beauty" (12:08) и "Lingering Cold" (10:25). На второй стороне расположился внушительный 22-минутный эпик "Tharsis". Что касается музыки, то перед нами классический симфонический прогрессив-рок, сочиненный по довольно оригинальным рецептам и фактически без реверансов в сторону британских законодателей жанра. Композиции лиричные и неспешные, полные сдержанной красоты, хранящие осеннюю печаль и хрупкость, томление и безмятежность стылого ноябрьского утра. Саунд-палитра полна звуками органа и меллотрона, сочетанием акустики с натиском электрогитар... Очень пристойный релиз, нисколько не утративший своей привлекательности. Рекомендую.

Finch "Galleons of Passion" (1977)

Типичная для 1977-го года ситуация: синдром всеобщего успокоения. Буйство арт-рока постепенно исчезает в прошлом, сменяясь более умиротворенными программами (вспомните хотя бы Camelовский "Rain Dances" с расслабленными пьесами околоджазового толка). На этом фоне третья (и последняя) пластинка голландских виртуозов Finch выглядит весьма неплохо. Правда, 20-минутных эпиков с бесконечно меняющимся ритмическим строем здесь уже нет. Ну и пусть. Молодой задор уступает позиции мудрым музыкальным прозрениям. Состав команды наполовину обновлен: рядом с ветеранами - гитаристом Йопом ван Нимвегеном и басистом Петером Винком - теперь плечом к плечу работают ударник Ханс Босбом и органист/флейтист Ад Ваммес. С приходом свежих сил трансформируются и ориентиры: технические навороты пропускают вперед композиционную красоту. Выразительные и мелодичные соло основного двигателя Finch ван Нимвегена по-прежнему на первом плане, однако они отнюдь не узурпируют звуковое поле. Йоп дает поиграть всем. И даже милостиво разрешает потягаться с ним в искусстве сочинения инструменталов новобранцу Ваммесу (мечтательный номер "As One" как раз творение органиста). Палитра обогащается тембрами флейты, правда, лишь единожды - в 9-минутной "With Love As the Motive", но сделано это крайне в тему. Заключительная игровая и драйвовая вещь "Reconciling" - явная отсылка к роскошному дебютному альбому группы "Glory of the Inner Force" (1975). Монструозный гитарреро Йоп добавляет жару, струны под его пальцами мечут во все стороны громы и молнии, дабы к финалу утихомириться и раствориться в воздушных клавишных наслоениях. Прекрасный релиз одного из лучших европейских рок-ансамблей. Жаль, конечно, что продолжения не случилось. И все же, спасибо за то, что вы были, ребята. Thank you for the music.

Aether "Inner Voyages Between Our Shadows" (2002)

Эта любопытная формация возникла в городе мечты Остапа Бендера – жарком и солнечном Рио де Жанейро. Основу её составили довольно зрелые (по возрасту) люди, чья молодость пришлась на семидесятые, самое прогрессивное в истории рок-музыки десятилетие. Альберто Кюри (клавишные, вокал), Винисиус Брэзил (гитары, гитарный синтезатор), Фернандо Карвальо (бас) и Брендон Рамос (ударные) в своих масштабных звуковых полотнах решили уравнять традиционный арт-роковый симфонизм в духе Camel с астральными прозрениями Pink Floyd и нью-эйджевым колоритом, типичным для экспериментальных работ Майка Олдфилда.

Дебютный альбом бразильцев "Visions" (1999) проиллюстрировал точность избранного группой названия (aether в переводе с английского означает "эфир"): воздушный, таинственный (если не сказать мистический) прогрессив-рок таил в себе почти что кинематографический подтекст. Пространные клавишные интерлюдии, сотканные не без влияния стилистики ambient/lounge, неведомым манером соединялись с чеканными рок-аранжировками. Словом, первый релиз Aether оказался не лишённым любопытства художественным актом с многообещающим будущим.
По прошествии трёх лет горячие бразильерос вновь напомнили о себе. За это время в рядах ансамбля произошла небольшая перестановка – смена ударника. Теперь вместо выбывшего Рамоса за установкой воцарился Марио Леме. И обновлённый состав выдал на гора отличную пластинку "Inner Voyages Between Our Shadows" (2002), превосходящую самые смелые ожидания. Программу можно условно поделить на две части. Первая – симфо-фьюжн высшей пробы. Удивительно гармоничные, "парящие" гитарно-синтезаторные конструкции, толковая клавишная оркестровка, деликатный вокал –бесконечно живительный бальзам на душу меломана. Вторую же половину альбома занимает любопытная вариация на тему М.П. Мусоргского "Ночь на Лысой горе". Головастые латинские ребята пошли по пути британского трио ELP, записавшего в начале 1970-х переложение "Картинок с выставки" того же Модеста Петровича с добавлением собственных авторских вставок. Бразильцы не постеснялись позволить себе небольшую вольность и сочинили дополнения в виде пары песенных номеров, поместив их затем в центральную часть сюиты. Впрочем, сделано сие крайне деликатно (я бы даже сказал, интеллигентно), а потому воспринимается довольно естественно и отнюдь не коробит слух.
В общем, молодцы, да и только. Нам же остаётся надеяться на скорое продолжение.

Höstsonaten "Höstsonaten" (1997)

"Собрание осенних танцев" - такой подзаголовок имеет первый альбом Höstsonaten (1997), созданный одним из волшебников современной итальянской сцены - композитором, бас-гитаристом и певцом Фабио Цуффанти при участии коллег - команды Finisterre. Центральная часть пластинки - заглавная сорокаминутная сюита, несущая в себе множество настроений: от прозрачной камерной акустики c великолепной флейтой Франчески Бьяджини и деревянными духовыми от специально приглашенного Эдмондо Романо (ex-Eris Pluvia, The Ancient Veil) до ярких взрывных соло гитары Стефано Марелли, вплетенных в канву классических рок-аранжировок. Обилие аналоговых клавишных поддерживает в общем звучании теплую гамму. Конечно, ребят из Höstsonaten при всем желании не назовешь виртуозами. Да, порою им недостает профессионализма и безупречности исполнения своих партий. Но в этой музыке требуется не техническая изощренность, а проявление эмоциональных нюансов, чувство темы, если угодно. Здесь оно, безусловно, есть. И значит, игра удалась.

Отдельного упоминания заслуживают источники вдохновения. К таковым, помимо прочих, Фабио Цуффанти относит Арсения и Андрея Тарковских, шведского кинорежиссера Ингмара Бергмана, бретонского фолк-гитариста Дана Ар Браза, а также основателя легендарного английского ансамбля The Enid Роберта Джона Годфри. Словом, чудесный диск отличной группы.

Попутно отмечу, что "Höstsonaten" - первый релиз из задуманного Цуффанти цикла звуковых путешествий в сезонные ипостаси природы. Альбом 1998 года "Mirrorgames" стал посвящением лету. Весеннюю тему поэтически настроенные итальянцы воплотили на одном из лучших своих творений - изысканно-камерном CD "Springsong" (2002). Ну, а с наступлением 2008-го года Höstsonaten, наконец-то добрались и до зимы, записав пластинку "Winterthrough". Каким будет их следующий шаг - сказать сложно. Впрочем, я нисколько не сомневаюсь, что он окажется интересным во всех отношениях. А, стало быть, до встречи.

Camel "A Nod and a Wink" (2002)

Альбом-итог, блестящая роспись под 30-летним периодом существования великолепного английского Верблюда.

Альбом-посвящение – Питеру Барденсу, первому органисту группы, умершему от рака 22 января 2002 года.

Пластинка, которую так и хочется окрестить музыкальным просветлением. Энди Лэтимер (гитара, флейта, клавишные, вокал) в содружестве Колином Бэйзом (бас-гитара, бэк-вокал), Гаем Лебланом (клавишные), Дени Клеманом (ударные) и Терри Карлтоном (ударные, перкуссия) погружаются в сладкие воспоминания давно минувшего детства. Тихие, колоритные гармонии с почти невесомой толикой грусти, призванные оживить в воображении идиллические ландшафты сельской местности Англии ("Simple Pleasures", "A Boy`s Life"), перемежаются обилием виртуозных флейтово-гитарных пассажей (совершенно бесподобная "Squigely Fair"), ярких, мелодичных и неизменно проникновенных солирующих инструментальных партий. Своеобразным нововведением, мимо которого не прошел ни один рецензент, стала достаточно тонкая стилизация под Genesis времен Питера Гэбриэла в композиции "Fox Hill". И этот маленький выкрутас удачно вписался в общую звуковую картину. Заключительный 10-минутный номер "For Today" – внушительный реквием, посвященный приснопамятным событиям 11 сентября 2001 г. Симфоническая составляющая, занимающая особое место в поздних релизах Camel, на сей раз потеснилась, высвободив пространство фолк-элементам, отчего музыка только выиграла.
Резюмирую: крайне уютный и добрый подарок от старых любимых друзей.

Ragnarök "Fata Morgana" (1981)

О вкусах лидера ансамбля Петера Брюнгельссона можно только догадываться. Но мыслит он, судя по всему, крайне широко и весьма нестандартно. Иначе не стали бы Ragnarök тем музыкально-идейным полигоном, каковым они являлись с конца 1970-х гг. “Fata Morgana” - чрезвычайно странный инструментальный гибрид, плод вычурного эксперимента скандинавских рок-мичуринцев. Реминисценции с дебютной пластинкой проскальзывают в коротком фрагменте двухчастной композиции "Leningrad". Акустическая гитара, флейта, невесомые клавишные... Нежная пастораль, не успев развернуться, исчезает за ширмой тревожно-мятущейся психоделии. Вообще, записанный на альбоме материал характеризуется сильным креном в сторону fusion. Бузуки, этническая перкуссия, духовая секция на фоне почти металлического хард-рока... Неужели те самые шведы, что когда-то питали сердца меломанов хорошо темперированным арт-фолком? Все изменилось. Вместо уютных печальных сказок шум и ярость, соседствующие то с мажорными номерами в джаз-роковой аранжировке, то с этюдами пасмурно-ветреными, точно сырые осенние сумерки. Бесспорно, это прогрессив. Родившийся в эпоху всеобщих танцев. Кстати, диско-ритмы наличествуют и здесь ("Jatora Em bak"), помноженные на обильное духовое сопровождение, гулкий пульсирующий бас и причудливо риффующую гитару. Заключительное лирическое отступление "Eskapage", после череды воинственно-темных экзерсисов, воспринимается как своеобразная ода к радости. Релиз во многих отношениях любопытный. А все-таки жаль. Жаль, что настроение 1976-го года улетучилось безвозвратно, и тонкое волшебство растворилось в небытии. Ладно, что есть, то есть. Леди и джентльмены, добро пожаловать на представление под названием Ragnarök.

Karda Estra "The Age of Science and Enlightenment" (2006)

"The Age of Science and Enlightenment" представляет собой гармоничное слияние всех находок с предыдущих альбомов Karda Estra. Британские гении, верно просчитав ситуацию, выдали столь показательный для творчества группы диск, что именно с него я рекомендую находящимся "не в теме" неофитам начинать музыкальное знакомство. Тут вам и электронные кластеры ныне раритетных первых пластинок ансамбля "A Winter in Summertime" (1998) и "Thirteen From The Twenty First" (2000), и лирическая направленность связки "Eve" (2001) / "Constellations" (2003), и напряженный драматизм "Voivode Dracula" (2004). На первый взгляд может показаться, что мастермайнд ансамбля мистер Уилиман пользуется старыми проверенными способами, в очередной раз штампуя себя любимого. Однако же если вслушаться внимательнее, станет ясно: Ричард продолжает открывать новые горизонты, ведя музыкантов к ему одному покуда видимой цели. Мелодическая канва композиций по-прежнему запоминается далеко не сразу, но относить это в минус иль плюс я, признаться, не знаю. Могу сказать лишь одно: мне очень понравилось. Причем со второго или третьего прослушивания. Понравилось настолько, что сконстролил на тему "The Red Room" видео, использовав в качестве изобразительного ряда репродукции с картин немецкого художника Каспара Давида Фридриха (1774-1840). И, не подумавши, разместил оное художество на YouTube. А спустя некоторое время получил приватное послание от самого Ричарда Уилимана, которому, несмотря на явно незаконное использование его музыки (читай: нарушение авторских прав), клип пришелся по вкусу своей идейной целостностью. Добрый дядечка Ричард даже разместил соответствующую ссылку на страничке своей группы. А ведь мог бы и в суд подать, кабы не великая сила искусства.

Führs & Fröhling "Ammerland" (1978) / "Strings" (1979)

Что делать, если постоянный ударник занят, а искать нового некогда и незачем? Записать камерно-акустический альбом, - так решили гитарист Heinz Fröhling и клавишник Gerhard Führs, отцы-основатели шикарного прогрессив-трио SFF. На дворе стоял 1978 год. Даже признанные рок-менестрели Jethro Tull к тому моменту заметно утяжелились. Но немецких музыкантов подобный расклад отнюдь не смущал. В любом деле главное - вкус. Ну, а этого у тевтонов не отнимешь. В качестве третьего компаньона друзья-соратники привлекли бас-гитариста Эдварда Брумунда Рютера, и результат в виде пластинки "Ammerland" получился до крайности замечательным. Светлые (я бы даже сказал, импрессионистические) прозрачные этюды, наполненные политембральными красками аналоговых клавишных и четкой гитарной акустикой. В саунде довольно много Муга, теплыми волнами реют в пространстве плавные партии меллотрона. Закрываешь глаза и поневоле вспоминаются первые сольные диски Энтони Филлипса, пост-Гэбриэловский (но еще со Стивом Хэкеттом) Genesis... Здесь нежнейшие пасторали сменяются первыми осенними листопадами, деревенские наигрыши укрупняются до размеров классической сарабанды, и каждому деревцу, каждому водоему и бугорку есть, что поведать, вполне обходясь и без слов. Удивительно уютный, ненавязчивый симфонический фолк-арт-рок. Любителям красивой инструментальной музыки - самые настоятельные рекомендации.
Записанный годом позже "Strings", в отличие от предшественника, не стремится к целостности звучания. Фюрс и Фролинг при поддержке бас-гитариста Детлефа Видеке и ударника Яна Грёнинка пускаются в своеобразный музыкальный эксперимент, творя прекрасные в своей эклектичности полотна. Оправданное смешение стилей, в котором имеют место быть и отголоски расслабленного симфо-прога с альбома SFF "Ticket to Everywhere" (1979; что не удивительно: обе работы писались фактически одновременно), и электронно-синтезаторные мелодичные поп-экскурсы в духе Rockets (местами и вовсе создается впечатление, будто латвийцы Зодиак играют нечто из репертуара The Alan Parsons Project; хотя, это я, конечно, загнул) и многое-многое другое. Несмотря на сморщенные физиономии поклонников Schicke, Führs & Fröhling, тут же обвинивших ребят в отступничестве от собственных канонов, смею утверждать: пластинка удалась. Да, это по большому счету не прог. Ну и что? Это приятная для уха, качественная, профессионально исполненная музыка, демонстрирующая неординарность мышления ее создателей. И разве оного не достаточно?