Haikara "Geafar" (1974)

Haikara - одни из родоначальников финского прогрессива. Команда образовалась в 1971 году, а годом позже на американском лэйбле RCA Victor вышел дебютный безымянный лонг-плей финнов. Музыка группы с самого начала являла собою коктейль, приготовленный по не совсем традиционным рецептам: здесь и влияние поздних Битлз, и громоподобная шизоидность Кинг Кримзон, изящный камерный классицизм, вносимый фортепиано, виолончелью и флейтой, бравурная духовая секция, некоторая порция психоделического авангарда и много чего еще. Похоже, лидер проекта гитарист, певец и клавишник Веса Латтунен взял за правило быть оригинальным до конца. И ведомому им ансамблю это удавалось в полной мере. Шедевральный альбом "Geafar" (1974) упрочил позиции Haikara в европейских арт-роковых кругах, став их лучшим творением в 1970-е. Пять композиций, три из которых - продолжительные эпические вещи, продемонстрировали мощь и сыгранность скандинавов (CD-издание, вышедшее в 2000 г., добито 4-мя бонусами, совершенно не контрастирующими с фактурой основного содержимого диска). Последний семидесятнический релиз Haikara под названием "Iso Lintu" (1975) оказался заметно слабее предшественников. Группа замолчала на долгие двадцать лет, и лишь в 1998 г., на волне мирового возрождения прог-рока финский коллектив, к тому времени ставший легендой жанра, напомнил о себе слушателям новым творением, озаглавленным "Haikara IV: Domino"...

Devil Doll "The Girl Who Was… Death" (1989)

"Don’t trust him when he turns his back"… Начало бескомпромиссной сюиты длиною в 66 мин. 06 секунд (с 26-минутной паузой, предваряющей коду, – так задумано), инспирированной английским оккультным сериалом "The Prisoner". В центре внимания прелестный шутник Мистер Доктор и свита аккомпаниаторов. Для затравки немного арфы. Красиво? О да. Но не расслабляйтесь, не притупляйте бдительность. Зловещие чеканно-трафаретные марши уже на подходе. А теперь, мадам и мсье, поприветствуем его величество Голос.
Ехидная улыбка во чреве тьмы.
В гипнотической хрипотце таятся всевЕдение и всевИдение.
Этот многоликий Некто страшен и привлекателен: застарелый брюзжащий демон, «чертик» из пыльной коробки, обуянная паническим ужасом женщина, плаксивое дитя… и кажется, разнообразию ипостасей несть конца.
Devil Doll по-своему уникальны. Театр жанровой непредсказуемости. Пойди-разберись, кто они на самом деле: готические клоуны? симфо-металлеры? арт-рокеры? хохмачи из филармонии? Всего понемногу. Залог успеха? Это же очевидно. Абсолютно беспроигрышный вариант: интрига—мистификация—провокация. И не забудьте драматургический подтекст. Все роли четко распределены, в режиссуре ощущается умелая рука мастера. Кукловод дергает ниточки, и оркестр играет…
Неизменное отсутствие цвета, черно-белая тональность.
Музыка с чертами гравюры.
Еще не шедевр, но уж совершенно точно выше на пару голов обычно-средних релизов. Леди и джентльмены, терапевтический кабинет доктора Калигари к вашим услугам!

Gracious "Gracious!" (1970)

Хорошее вино, как известно, не старится. То же и с музыкой: настоящее искусство всегда в цене. Слушая записи английского квинтета Gracious, понимаешь: когда-то рок действительно был прогрессивным. Бьющая через край фантазия и композиционная изобретательность не могут не восхищать меломана, живущего в эпоху всеобщих штампов. Из коротких штанишек прото-прога участники Gracious выросли практически моментально. Намеченная стратегия (стремление к эпичности и единой концепции, полифонии и небольшому элементу гротеска, слиянию классики с блюзом, джаз- и хард-роком) не только оправдала себя, но и явилась точкой опоры для последователей. Ладно, бог с ней, с лирикой. Прямой вопрос: что имеем? Отвечаю: разделенную на пять частей рок-сюиту. Хорошо сбалансированная эклектика, тяготеющая к гармонии. Как говорится, возможно все: зафуззованный бас, гитарные риффы и резкие ударные вполне себе сочетаются с изяществом клавесинных проходов и замечательным многоголосием; если «Рай», то не на словах, а в звуках, дающих ощущение близости неба; коль уж «Ад», то по полной, с удушливым саундом и безразмерными диссонансами, дьявольским рэгтаймом с застольной оргией и рок-н-ролльным вариантом канкана; за камерно-акустической “Fugue in ‘D’ minor” проглядывает тень космического маэстро Баха, а в заключительном эпике “The Dream” электрогитарная истерия запросто пересекается с «Лунной сонатой», блюзоподобная тяжесть по-свойски разыгрывает партию с невесомым балладным арт-роком, хулиганские речевки-кричалки разбиваются о точную джазовую фразировку и покрываются туманом психоделических видений. Впечатляющая музыкальная история, несмотря на солидный возраст. Что добавить? Gracious!

Tantra "Misterios e Maravilhas" (1978)

Португальские арт-рокеры Tantra – явление в некоторой степени необычное. С одной стороны, ощутимое влияние британских классиков жанра (тех же Yes), с другой – определенно, что-то свое, атмосфера загадочных рефлексий в духе поэзии Фернандо Пессоа. Музыка крайностей, где бурная страсть и тонкая мечтательность сосуществуют на равных. Общая картина выстраивается из множества звуковых кирпичиков, в числе которых присутствуют: мистические клавишные подкладки, вкрадчивая гитара + искаженный вокодером голос; красивые астральные интерлюдии, что запросто оборачиваются виртуозными пассажами прифанкованного баса с энергетическим зарядом ударных. В коротком акустическом этюде а-ля Стив Хэкетт (“Aventuras De Um Dragao Num Aquario”) читается едва уловимая грусть, присущая ранней осени. Заглавная пролонгированная инструментальная пьеса напоминает сильно затянувшуюся прелюдию. Однако в середине действа характер ее меняется, вступают в силу джаз-роковые резервы, изощренная работа ритмачей, чистое фоно и драйвовая гитара. Тантрические мистерии достигают апогея в “Maquina Da Felicidade” – «Машине счастья». Этот смачно исполненный прогрессивный фьюжн выдержан в мрачноватых тонах, но просветление неизбежно. Стоит отметить интересный нюанс: композиционное строение ряда треков почти аналогично отдельным конструкциям легенды восточноевропейского прога – трио SBB. И эта близость усугубляется тем фактом, что португальский язык кажется удивительно похожим на польский. Посему любителям вышеупомянутого ансамбля, а равно и поклонникам эпического симфонического арт-рока рекомендую взять Tantra на заметку.

Jade Warrior "Waves" (1975)

Этнические влияния в музыке JW были ощутимы уже на первом альбоме. С годами ориентальные мотивы лишь усиливались, и к середине 1970-х движущие силы ансамбля в лице Тони Дьюига и Джона Филда начали ковать новый саунд. “Waves” яркое тому подтверждение. Никаких тебе заигрываний с хард-роком, как это случалось на прошлых пластинках, вокал ликвидирован за ненадобностью. В основании – эпичность и концептуальность + восточный мистицизм. Нагнетание психоделического тумана во вступительной части слегка напрягает. Однако наваждение быстро уступает место астральному блюзу, обильным флейтовым пассажам, свободному фортепианному рисунку от специально приглашенного Стива Уинвуда (ex-Blind Faith, Traffic, solo). Впервые проявляется нью-эйджевое начало (в 1990-х обновленные Jade Warrior придут фактически к чистому нью-эйдж). Вторая половина программы наполнена природными шумами, хрустальными дзэнскими колокольчиками, грозовыми раскатами муга и яркими соло блюз-роковой гитары Дэвида Дьюига – родного брата Тони. Можно сказать, в действие приводится уникальная формула Нефритового Воина, пространство расцветает красками, которых попросту ни у кого больше и нет. Драйв рождает глубину, и это кажется не более странным, чем традиционные буддистские коаны.
Оценка альбома – вещь сугубо индивидуальная, но, честно говоря, оперировать категориями «нравится / не нравится» как-то не тянет, ибо не тот случай. JW привлекают нестандартным мышлением, парадоксальным подходом к выстраиванию композиции. Они самобытны, вот что главное. А все остальное – от лукавого.

Willowglass "Willowglass" (2005)

Талантливые одиночки в прогрессивном роке не редкость. Есть, правда, одно «но». Энное количество одаренных мультиинструменталистов зачастую слабовато главным – композиционным мышлением. Willowglass – счастливое исключение. Англичанин Эндрю Маршалл, замутивший этот проект, прекрасно управляется с многочисленными звуковыми изысками, не забывая о мелодике. Песенным творчеством здесь не пахнет, бал правит инструментальная сторона - собственно музыка. Отголоски семидесятых сквозят в бархатных меллотроновых переливах, теплых тембрах клавишных, недурственной точной манере игры на электро- и акустической гитарах, возвышенных соло флейты, ритмике ударных… Флером романтизма овеяны такие вещи как “Remembering” и “Garden”, прекрасна классическая реприза “Interlude No.1”, яркими образными красками наполнена “Tower of the King’s Daughter” с массой замечательных интонационных находок, да и остальные треки на диво удачны. Элементом неожиданности в общем ряду становится “Waking the Angels”, сюжетные ходы которой умозрительно пересекаются с “Stardust We Are” шведов The Flower Kings. Что до источников вдохновения, тут без интриг: Camel, Genesis и, быть может, Gryphon времен “Rain Dance”. Если проводить аналогии с современными коллективами, ближайшими собратьями по цеху для Willowglass окажутся голландцы Trion, гнущие схожую линию.
В общем, чистейшей прелести чистейший образец. Ценителям светлых арт-роковых пасторалей – на заметку.

Czar "Czar" (1970)

Нетипичные представители типично британского направления. Своего рода тяжелая ротация раннего арт-рокового звена. В музыке шотландцев наличествует трудно выразимое словами начало, которое напрочь отсутствует у соплеменников типа Cressida и Spring. О чем речь? Поймете, послушав ту же “Cecelia” с ее мрачноватыми вязкими риффами: чем не основа для doom-металла? А легкое прикосновение «восточных» мотивов – добавочная порция «изюма». Классический базис проклевывается в приемах аранжировки. Что до самих композиций, то их основанием служит надежная ритм-н-блюзовая платформа. Общая картина примерно следующая: медленная ритм-секция, изящные партии меллотрона, теплые органные стаккато и весьма драйвовая гитара, солирующая в цеппелиноподобной манере. Схожесть с вышеозначенными собратьями по цеху угадывается в “Dawning Of A New Day”, где на барочную тему органа ложится гармоничное многоголосие. При этом гитара продолжает нещадно «блюзовать». Знакомые интонации знаменитой баховской “Air” сквозят в “Today”, навевая некоторые аналогии с Procol Harum. Однако в случае с Czar не стоит увлекаться компаративистикой, рискуешь попасть пальцем в небо (зарубежные рецензенты проводят параллели с дебютным альбомом King Crimson; в балладных фрагментах – быть может, но не более). Саунд и мелодическая подача группы весьма оригинальны. Четкий абрис собственного лица, если хотите. Рекомендовать всем адептам прог-сцены, пожалуй, не буду, зато любители самобытного звучания в классическом роке оценят музыку Czar по достоинству.

Indukti "S.U.S.A.R." (2004)

Географическое лидерство в прог-роке - сродни переходящему знамени. В 1970-х им прочно владели родоначальники жанра британцы. Затем наступил ледниковый период, без четко выраженного доминирования на арт-фронтах (хотя и в эту пору прогрессив бурно развивался в отдельных регионах, взять хотя бы Эстонию, Бразилию, отчасти Канаду). С началом 1990-х оживилось интеллектуально-музыкальное движение в Швеции, что по прошествии времени позволило знатокам жанра высказывать соображения о "скандинавском прогрессивном феномене". В первом десятилетии XXI века география арт-рока становится несколько рассеянной, но некоторые уже отмечают становление весьма оригинальных групп данного направления в относительно небольшой Польше. Возродились легендарные SBB, продолжают действовать выжившие в бурных 1990-х Quidam и Collage, образуются мягкие и лиричные Satellite, в одночасье становятся новыми богами прогрессива темные и рефлексивные Riverside. И вот новое имя на польском артовом небосклоне - Indukti.
На редкость профессиональный коллектив, включающий двух гитаристов, ритм-секциию и скрипку. Ядреная смесь индустриально-альтернативного прог-металла в духе Tool, изобретательного сухого и жесткого прог-рока а-ля King Crimson. Прибавьте к этому прозрачные акустические интерлюдии с хрустальными переливами арфы (!), некоторое влияние восточной (псевдо-арабской) мелодики и специально приглашенного вокалиста Мариуша Дуду (Riverside), чей сильный пластичный голос где-то углубляет музыкальную канву, а где-то попросту гипнотизирует. Крайне примечательный рок-акт и одно из наиболее существенных открытий последних лет.

Björn J:son Lindh & Staffan Scheja "Spirits of Europa" (1985)

"Spirits of Europa" – срединная часть трилогии, представляющей собою музыкальное путешествие во времени и пространстве. Десять инструментальных пьес, написанных Бьорном Джейсоном Линдом, иллюстрируют деятельность таких выдающихся личностей, как Бенвенуто Челлини, Сальвадор Дали, Жанна Д’Арк, Леонардо да Винчи, Фредерик Шопен, Вацлав Нижинский и др. Фактурность звуковых образов помимо Линда воссоздает и другой воспитанник Стокгольмской Королевской Академии музыки – пианист Стеффан Шейа. Рояль, синтезаторы, флейта. Большего им не надо. При всей лаконичности выразительных средств, рожденные шведским дуэтом симфонические миниатюры тонки, многомерны и по-настоящему красивы. Слияние мечты и гармонии. За каждым названием маленькая вселенная духа. Исполнительские таланты классиков жанра позволяют нам заглянуть в святая святых художника – его мастерскую. Здесь почти воочию можно понаблюдать, как из бесформенной глыбы мрамора является миру шедевр скульптуры (“Prelude Op. II”), ощутить яростный вихрь безумной страсти тонкоусого испанского гения сюрреализма (“Habanera”), раствориться в сладостной неге танцевальной пантомимы от мастера иллюзий (“Jeux”) или проникнуть в суть замысла величайшего человека Эпохи Возрождения, чей код на глазах всего мира попытался расшифровать несносный выскочка Дэн Браун (“Arrival of the Glider”). …Чудо визионерства идет на убыль. И хочется сердечно поблагодарить маленький оркестр Линда и Шейа за почти мистическое совершенство даримых ими созвучий.

Camel "Nude" (1981)

После эклектичных, местами откровенно попсовых “Breathless” (1978) и “I Can See Your House From Here”(1979) Энди Лэтимер на пару с женой Сьюзен Хувер (автор лирики) содеял то, чего от Camel не чаяли дождаться поклонники: сочинил концептуальный альбом на основе одной реальной истории из книги «Героические ошибки». Воплощать идею в жизнь взялись не последние в арт-роковых кругах люди: Дункан Маккей (ex-10 CC, Alan Parsons Project, solo), Иен Шелхаас (Caravan), Мел Коллинз (ex-King Crimson etc.), Херби Флауэрс (Blue Mink, T.Rex, Sky), и конечно же верные Колин Бэйз с Энди Уордом. Результат можно смело назвать шедевром. Программа, впитавшая массу стилистических влияний (в том числе и модные new wave фишки), вышла на удивление целостной. Сочетание яркости и глубины, мелодики и симфонизма, прозрачности и драйва… Безумно красивая МУЗЫКА, исполненная с подлинным мастерством.
Если говорить об отдельных фрагментах сюиты, то здесь выделяются:
1) “Docks ” – своеобразный драматический узел пластинки. Созданная Лэтимером в содружестве с упорхнувшим домой в Штаты Китом Уоткинсом (Happy The Man), эта вещь написана в оркестровом ключе, но применительно к формату рок-группы.
2) “Landscapes” – бесподобный, переливающийся флейтовыми пассажами и атмосферными клавишными этюд. Тонкая вязь парящих в эфире гармоний.
3) “Changing Places” с ее этнической перкуссией, духовыми и невесомым фоновым вокализом оставляет ощущение близости африканской саванны. Ничего подобного у Camel ранее не встречалось.
4) Ну и двухчастная, капельку меланхоличная, но все ж таки обнадеживающая “The Last Farewell” служит прекрасным финалом этого светлого во всех отношениях диска. Роскошный золотой «гвоздь», вколоченный в безликую стену восьмидесятых.

Opeth "Still Life" (1999)

Opeth верны себе.
В безрадостном мире скользящих теней солнце по-прежнему не восходит. Так что любители мажора могут смело игнорировать наш маленький экскурс на территории сумрака. Остальным же советую присмотреться к картинке с обложки.
Взглянули?
Еще вопросы имеются?

Вкрадчивое интро – словно не страдающий оптимизмом прогноз. Хрупкая акустика сменяется шквалом. Очень по-шведски.
Однако герои повзрослели, ударились в лирику. Металлическая основа не столь жестковата, как раньше. Партии мелодичны и где-то даже приятны. Гроул-вокал скорее дань традиции, а не самоцель, ибо в нем вместо ярости почему-то сквозит умиротворенная печаль. Гетеборгцы во главе с лидером Микаэлем Окерфельдтом опосредованно внушают поклонникам: ребята, мы помудрели, дело за вами. И потому скоростное наяривание уступает пространство арт-роковым вальсам, рычание трансформируется в прозрачно-высокую чистоту. Балладная меланхолия с околоблюзовым «говорком» электрогитары (“Benighted”) явно нацелена в будущее, к одухотворенным образам альбома “Damnation”. Хотя и тут камерная исповедь обнажающего душу менестреля грозит последующим взрывом эмоций (“Face of Melinda”).
Но упругие риффы, взвихряющиеся композиционные прогрессии, гарцующая ритмика – все это второстепенно.
Главное – красота.
Пусть ночная, холодная, осенняя.
Пусть.
Просто слушайте “Still Life” непредвзято, отстраняясь от стереотипов, и тогда сумеете прочувствовать, сколь он хорош.

Manning "Songs From the Bilston House" (2007)

Феномен вдохновения - одна из вечных, не поддающихся логическому анализу загадок. Спрогнозировать его - все равно, что поверить алгеброй гармонию. Иначе говоря, бессмыленно, поскольку никогда не знаешь, где оно застигнет душу. С Гаем Мэннингом подобное случилось в городке Билстон на западе Англии, куда маэстро прибыл по приглашению организаторов музыкального фестиваля "Конец лета" в 2006 г. Поселившись в старом отеле на окраине Билстона, Мэннинг вскоре почувствовал, что здесь ему интересно буквально все, начиная от гостиничного попугая-ара по кличке Барни, благодушно смотревшего на новых жильцов, и кончая ветхими заброшенными хибарами вдоль дороги, деревянные таблички пред которыми гласили: "Не входить! Тут погиб последний обитатель". Эти странные предупреждения порождали тьму вопросов: кто погиб? как? почему? Что еще происходило там на протяжении лет? Словом, пищи для размышлений Гаю хватило надолго. И спустя пару дней вернувшись домой, он с удивлением понял: духи Билстона не отпускают. Интригующая атмосфера скромного британского городка не давала покою господину сочинителю. И дабы развеять таинственные чары далекой местности, Мэннинг сел за написание альбома, напрямую отсылающего к географии срединных земель Западной Англии.
Скажу сразу: пластинка получилась что надо. Стилистически "Songs From the Bilston House" продолжает линию предыдущей успешной работы "Anser's Tree" (2006). Тот же набор исполнителей, включая флейтиста Стивена Дандона и старину Энди Тиллисона (ex-Po90, The Tangent), на сей раз оседлавшего не только "Хаммонд" с Мугом и пиано, но и малость постучавшего на барабанах, а вдобавок - спродюсировавшего альбом на пару с мастермайндом мероприятия. Творческий пыл композитора Мэннинга был столь силен, что он решил не размениваться на мелочи: в итоге все девять глав нового произведения консерватора Гая вышли развернутыми, под завязку наполненными великолепными аранжировками. При этом инициатор действа сделал ставку отнюдь не на кромешную сверхпрогрессивность материала, а напротив - поставил во главу угла яркую мелодическую основу. И не прогадал. Треки то искрятся фолк-артовым фейерверком, то обдают мягкой джаз-роковой магией с бархатистой подсветкой электрооргана и протяжными позывными саксофона, а то и вовсе демонстрируют нарядные эстрадные кружева (не зря же на бэк-вокальные партии Мэннинг позвал Джули Кинг). Превосходным кажется все: и клавишные оркестровки, и маленькие гитарные чудеса Дэвида Мильона, и тонкая игра перкуссии (про духовые уж и не говорю). И абсолютно закономерны восторги западных рецензентов, включивших диск в топ-десятку прог-релизов 2007 года. Действительно, отличная вещь. Рекомендую.

Manning "A Matter of Life & Death (The Journal of Abel Mann)" (2004)

Хранитель традиций, некогда заложенных великими Jethro Tull, Гай Мэннинг из года в год напоминает музыкальной общественности о вечных ценностях британского прогрессива. Данный альбом, прежде всего, отличный пример возвращения к корням после во многом неопрогового "The View From My Window" (2003). Не сказать, чтобы "Вид из моего окна" был плох или скучен, просто там Гай попытался отойти от привычной для себя стилистики, в основе которой проверенная десятилетиями формула: балладный акустический фолк в сочетании с электрическим роком и отменной оркестровкой. Осознав ошибочность такого шага, маэстро быстро выправил положение. Естественно, не без помощи верных своих коллег - саксофонистки Лауры Фаулз, басиста Рика Эштона и гитариста Гарета Харвуда. Барабанщиком рекрутировали Джона Типпинга, и, по негласному правилу, позвали старых друзей: духовика Йена Фэйрбэйрна, органистов Нила Харриса и Энди Тиллисона (Po90, The Tangent), а также виолончелиста Тима Муна.
Как обычно у Гая, альбом вышел концептуальным и весьма нестандартным по замыслу. Перед нами история духовидца Абеля Манна - странника по магическим излучинам реки времени, свободно курсирующего в пространствах жизни и смерти. Впечатления об увиденном Манн отображает в путевом дневнике. Происходит ли сие в реальности, или же все описываемое, суть, плод воображения Абеля - совершенно неважно; здесь главное - антураж.
Мелодическая часть воплощена блистательно. Тембральный калейдоскоп переливается яркими красками - от ударного заводного арта в "The Dream" c бесшабашными соло Муга в исполнении трудоголика Тиллисона до проникновенных элегических пасторалей ("Nobody's Fool"), заигрывания с джазом ("Falling Down? Rising Up!") и стилизации манеры Элтона Джона с узнаваемыми пауэр-фортепианными выпадами в контексте рок-н-ролльного фейерверка ("Midnight Sail"). Отдельной похвалы заслуживает симфоническая составляющая. Мэннинг изрядно потрудился над имитацией звучания струнно-духовых секций, и результат получился воистину прекрасным. Ну а шикарно оформленный буклет (художник Эд Юнитский) можно рассматривать как самостоятельное произведение искусства.
Достойный внимания релиз. Рекомендую.

Riverside "Voices in My Head" (2005)

Dark-prog квартет из Польши продолжает свои музыкальные изыскания в потемках человеческих эмоций. Данный релиз (пять новых песен + 3 «живых» версии композиций с первого альбома) – лимитированное издание, распространяемое фэн-клубом Riverside в среде поклонников коллектива. Охарактеризовать представленные треки можно двумя словами: реквием оптимизму. Пойдем по списку.
Открывающая “Us” – короткая нежно-печальная баллада с акустической гитарой и атмосферными клавишами. Эстафету принимает “Acronym Love”, гнущая аналогичную по настроению линию, но уже при полном электрическом параде (кстати, она бы уместно смотрелась и в структуре дебютной пластинки “Out of Myself”). “Dna ts. Rednum or F. Rat” являет собою 7-минутный неопсиходелический номер, монотонно-ровный по ритмике, сочетающий рок-энергетику с сэмплированными подкладками. “The Time I Was Daydreaming” – своеобразный реверанс в сторону Blackfield или же наиболее лиричных вещей Porcupine Tree классического периода. Проникновенный вокал Мариуша Дуды прямо-таки греет сердце, невзирая на по-прежнему минорные интонации. Общую картину довершает “Stuck Between”, также избавленная от радости (и вообще бодрых нот).
Итог: рекомендуется меланхоликам всех мастей, любителям психоанализа и склонным к суициду натурам.

Manning "The View From My Window" (2003)

Консерваторы, как известно, тоже люди. И, несмотря на приверженность традициям, порой нуждаются во встряске, буре эмоций, несущей новизну ощущений. К тому и пришел Гай Мэннинг на своем пятом по счету альбоме. После насквозь ретрообразного, нашпигованного джетроталлово-спокбёрдовскими тонами "The Ragged Curtain", менестрелю захотелось ненадолго сменить музыкальную обстановку, высветить иные грани собственного творчества. И, представьте себе, ему удалось. При сохранении основной команды аккомпаниаторов маэстро умудрился существенно разнообразить звуковые структуры. "The View from My Window" - погружение в мир грез, но не романтично-робких, а тех, что плотной кисеей окутывают сомлевшего на солнцепеке путника. Мэннинг не тратит время на деликатные расшаркивания, и сразу заряжает по максимуму. Бравурное вступление "Phase (The Open & The Widening Sky)" зиждется на аккордовой игре и строится по схеме "куплет-припев". Согласитесь, для "высокого штиля", коим обычно выражают мысли носители арт-роковой культуры - не самый близкий вариант. Тем не менее, свежий авторский взгляд из оконца в данной ситуации именно таков. Аранжировочные приемы сливаются в единую мощную полифонию. Органные пробеги Энди Тиллисона с трудом различимы за ровной ритмикой его же ударных и солидным басовым говорком Рика Эштона. Прибавьте сюда акустическое бряцанье мастермайнда да саксофонно-гитарную дуэль Лауры Фаулз и Гарета Харвуда. Другими словами, полный бурлеск. Заглавная вещь - чудаковатый симбиоз индийских мотивов с сугубо английской бардовской тематикой, оттеняемой воздушными синтезаторами, временами искусно "косящими" под меллотрон. Плюс уместное вплетение духовых партий от Тима Муна и экзотической перкуссии Пава Чаны. "The Rut" - похмельно-блюзовый осадок вкупе с замысловатыми оркестровками. Нарочито монотонная дробь барабанной установки, острые риффы Харвуда, оформленные хитрым манером пышные клавишные фрагменты - абсолютное раздолье для композиторских идей старины Гая. После такого хочется немного передохнуть. Возможность предоставляется в пасторально-чистой, проникновенной "After The (Tears In The) Rain": интимно-вкрадчивые поначалу интонации руководителя проекта постепенно наполняются силой и твердостью уверенного в себе человека. Полночной эстрадно-джазовой прохладой веет от стоящего особняком этюда "Blue Girl": очередной мелодический подвох со стороны непредсказуемого мистера Мэннинга. Гвоздь программы - двадцатиминутная сюита "Dreams", состоящая аж из 6 частей. Тут уж знатный британский сочинитель является нам в подлинной красе и величии. Душевные поэтические излияния зрелого лирика сопровождаются изысканными фортепианными пассажами верного друга Тиллисона, совершенно дивными симфоническими наслоениями, жалящей электрогитарой кудесника Гарета, рожками, флейтами, саксом и множеством изобретательных инструментальных решений. По окончании действа так и тянет, громко аплодируя, пару раз прокричать "браво!"...
В общем, перефразируя "цеппелинов", шляпы долой перед Гаем Мэннингом! Ведь, говоря откровенно, он этого заслужил.

Manning "Anser's Tree" (2006)

Менестрельские традиции в арт-роке по-прежнему живы. Их славный продолжатель, мультиинструменталист Гай Мэннинг - недюжинная фигура в мире прогрессива. Основав некогда на пару с Энди Тиллисоном (ныне лидер The Tangent) культовую команду Parallel or 90 Degrees, мистер Мэннинг пробыл в ее составе недолго. Сказалась природная тяга к иным сюжетам. Если Тиллисона привлекали замороченные тенденции современного мира с его передовыми технологиями, то ретроград и консерватор Гай стойко придерживался принципа "back to roots", то бишь назад к корням. Так что, по-дружески разминувшись с Энди, маэстро вплотную занялся собственным проектом. И небезуспешно. "Anser's Tree" - девятая по счету работа упитанного крепыша Мэннинга, превосходный синтез акустического арт-фолка с электрическим прог-роком. С первой же композиции на авансцену врываются озорные тени великих Jethro Tull, вызванные к жизни сочетанием виртуозной флейты Стивена Дандона, гитарных партий от самого Гая в содружестве с Дэйвом Милльоном и всесильного органа "Хаммонд", за который отвечает вышеупомянутый Энди Тиллисон (на совести последнего также синтезатор Муга и Rhodes-пиано). Вообще, звуковые структуры выстроены на славу. Есть здесь и старинные ирландские рожки Иена 'Уолтера' Фэйрбэйрна, и саксофон Лауры Фаулз, фортепиано и семидесятнический синтезатор ARP Нила Харриса. Ударные, бас, мандолину + оркестровые сэмплы мастермайнд коллектива взвалил на себя, и в итоге крайне удачно справился со столь внушительным инструментальным набором. Атмосфера на диске по-хорошему ретрообразная. Банда современных трубадуров реконструирует историю фамильного древа доктора Джонатана Анзера (2089-?), чьими предками выступают вымышленные деятели прошлого и будущего наподобие Маргарет Монтгомери (1581-?) или профессора Адама Логана (2001-2094). Как видите, сквозная концепция альбома весьма нестандартна, да к тому же воплощена блестяще. Во второй части программы жанровый калейдоскоп пополняется блюзовыми и джазовыми интонациями, отнюдь не противоречащими генеральной линии. Трагическая сущность бытия прорастает в финальной композиции "Dr. Jonathan Anser (2089-?)", маскируясь грозными маршевыми нотами.
Отличный релиз, рекомендую.

Peter Bardens "Water Colors" (1991)

Сольное творчество легендарного британского органиста, человека №2 в Camel классического периода ровным не назовешь. После удачных программ 1970-х годов наступила эра застоя. Попытки застолбить место в условиях тотальной коммерциализации искусства были неубедительны. Однако на заре 1990-х маэстро реабилитировал себя перед поклонниками. "Water Colors" почитается экспертами едва ли не лучшим творением в дискографии Пита Барденса. Факт по-своему удивительный, ибо этот альбом не что иное, как саундтрек. Звуковая дорожка создавалась по заказу студии Miramar, известной своими видеопрограммами в манере пейзажного new age, а позднее – и компьютерными инсталляциями (руководителям компании не в первой сотрудничать с композиторами прогрессивной направленности, ярчайший пример - Ян Хаммер). Большая часть номеров написана Питером в соавторстве с Джетро Де Фризом и представляет собою облегченный вариант электронного арт-рока, приближенного к формату easy listening. Основной упор сделан на синтезаторное звучание в традициях поздних восьмидесятых, однако имеются и весьма неплохие гитарные соло. Предельно ровная ритмика ударных изначально наводит на мысли о драм-машинке, но в буклете заявлен живой барабанщик. На 80 процентов пластинка инструментальная (вокал присутствует лишь в паре вещей). Структура саунд-полотен неоднородна, настроение колеблется от солнечно-беззаботного до слегка мрачноватого. Моментами нет-нет, да и проклюнутся ностальгические отголоски, воскрешающие горбатую тень Верблюда. Так, "A Higher Ground" собственной мелодикой отсылает нас к временам то ли "I Can See Your House From Here" (1979), то ли к "Stationary Traveller" (1984), хотя в записи обоих дисков Барденс и не участвовал. Да и заглавная "Water Colors" содержит приемы, знакомые меломану со стажем по шедевру "Moonmadness" (1976)...
В целом пристойный образец хорошей музыки без претензий.

Craig Armstrong "As If to Nothing" (2002)

Не знаю, как рождаются образы, откуда в души нисходят созвучия. Но это - гениальный альбом. От и до.
Уроженец Шотландии, выпускник лондонской Королевской музыкальной академии (классы композиции и скрипки), штатный композитор Tron Theatre в Глазго, консультант Royal Shakespeare Company, участник группы Dolls, наконец, автор звуковых дорожек к фильмам «Ромео и Джульетта», «Собиратель Костей», «Поцелуй Дракона» и др., Крэйг Армстронг вдобавок ко всему еще и очень скромный человек. «Это просто музыка», - говорит он.
На счету маэстро работа с титанами электроники Massive Attack, блэкарями Cradle of Filth, Мадонной… «Было бы странно, если б все эти влияния не сказались на моем творчестве». В самом деле. Но интересная деталь: релиз не выглядит эклектичным. "As If to Nothing" – особый мир с несколько парадоксальной логикой. И он захватывает с первых же тактов тревожно пульсирующей "Ruthless Gravity", где электронные подкладки невероятным манером взаимодействуют с саундом полноценного живого оркестра. В этнически окрашенной "Miracle" незаметно присутствуют модные ныне Mogwai. "Starless II" – электронно-элегийная трактовка лейтмотива из знаменитой темы King Crimson, за которой следует U2-шная "Stay (Faraway, So Close)" с неизменно харизматичным вокалистом Боно (сама композиция волею идейного вдохновителя оформлена в симфоническую балладу). Особняком держится индустриально-жесткая "Inhaler", однако и она не разрушает строя. Ну, а финал таков, что лучше не придумаешь. "Choral Ending" преисполнена светлой мистической грусти и раскрашена ангелоподобными вокализами.
Благодаря подобного рода пластинкам начинаешь сознавать искусственность жанровых рамок. Одним словом, изумительно.

Ragnarök “Ragnarök” (1976)

Одна из тех чудесных пластинок, что обладают тихим, почти магическим притяжением.
На своем дебютном альбоме шведский инструментальный секстет представил десять композиций в размеренном арт-роковом ключе с фолковым подтекстом. Музыкальный вояж открывается акустической пасторалью “Goodbye Copenhagen”. Продолжение следует в виде Кентерберийского номера “Walks” с обтекаемым электропиано и сдвоенными гитарными партиями. “Freshbaked Bread” возвращает нас на просторы Скандинавии, где тонкий голос флейты выводит замысловатый рисунок под аккомпанемент классической гитары. Таинственный 8-минутный эпик “Foam the Days” поначалу интригует вкрадчивой игрой каждого из музыкантов, а во второй половине являет собою среднего темпа прогрессив, навевающий мысли о Camel. Полуминутная реприза “Reel from Kalman” – флейтовый наигрыш с традиционной основой. Удивительно, но даже заводные по определению фанковые интонации (“Factoryfunk”) звучат у шведов с налетом их «фирменной» меланхолии. “Fatanga Mani” – не-электрический мечтательный этюд от Питера Брюнгельссона с духовой подсветкой. В короткой “Fiottot” слышится замедленная раза в три Samla Mammas Manna. Ближе к финалу команда разражается пронзительной элегией “Calm – Breaking up”, а венчает программу тонкая по мелодике “Pools of Water” с легким джаз-роковым привкусом.
Замечательный вариант для всех, кто ценит в музыке нечто больше, чем просто голый нервозный ритм.

The Moody Blues “Days of Future Passed” (1967)

Один из краеугольных камней эпохи классического рока, “Days of Future Passed” во многом сформировал каноны музыкального направления, которое позже нарекут симфо-артом. Трудно поверить, что эта пластинка появилась в кризисный для группы период. Но, быть может, именно так и должны рождаться шедевры? По крайней мере эпитет «новаторский» здесь весьма не случаен. Судите сами:
- использование доселе игнорируемого большинством британских ансамблей меллотрона;
- постоянное присутствие Лондонского фестивального оркестра под управлением Питера Найта (этот коллектив был организован на базе компании Decca исключительно для записи в студийных условиях);
- наконец, концепция, объединяющая все семь треков альбома, благодаря чему, программа обретает черты сюиты, а подзаголовок «рок-фантазия» кажется абсолютно оправданным.
По словам флейтиста Рэя Томаса, “Days of Future Passed” – сочетание музыкальных стилей, истинная прогрессия. Так и есть. Ритм-н-блюзовые элементы растворяются в классическом симфонизме, типично английские номера в фольклорных тонах соседствуют с модными психоделическими мотивами (“The Sun Set”), легкий оттенок барокко сквозит в моментах пения а капелла. Ну, и конечно, фирменная «коронка» The Moody Blues, бессмертный хит Джастина Хэйуорда “Nights in White Satin” – баллада на все времена.
Благодаря великолепной мелодике диск и сегодня воспринимается на ура (особенно в ремастированном варианте). А если по каким-то причинам вам он еще не знаком, то это досадное упущение необходимо исправить.

Wastefall “Self Exile” (2006)

Греческий вариант Pain Of Salvation с третьим по счету альбомом. Жители Балкан могут гордиться столь навороченной группой. И в музыке, и в вокале четкие реминисценции со скандинавами. Фронтмен-тяжеловес Domenik Papaemmanouil блестяще освоил все фишки певческой «акробатики» коллеги Даниэля Йильденлева, что с успехом и демонстрирует. Возникает ощущение легкого дежа-вю, ибо тембры обоих артистов практически идентичны. В отношении лирики эллинам, конечно, далеко до интеллектуально-концептуальных выкладок шведских апологетов жанра, однако все остальное сделано на совесть. Предельно жесткая работа ритм-секции (явное влияние дэт-металла) доводит создаваемую гитарой и клавишными полифонию до необходимого градуса тяжести. Никаких соло-партий, равная степень нагрузки на каждом из музыкантов. Национальная принадлежность ребят угадывается в элементах народного фольклора, умело растворенных в звуковой палитре ансамбля (вспоминаются израильтяне Orphaned Land). Эпизодически задействована парочка вокалисток, на замыкающем треке “Provoke the Divine” гостит виолончелист. Вполне достойный прог-металлический акт, первоклассно записанный и сведенный. И если под рукой не окажется дисков PoS, не беда. Альтернативным вариантом послужат Wastefall.

Finch “Glory of the Inner Force” (1975)

Столпы голландского прогрессива 1970-х, одна из самых техничных европейских групп того времени. Лидер команды, виртуозный гитарист Йоп ван Нимвеген, единоличный автор всего материала. “Glory of the Inner Force” – дебютная пластинка рок-квартета Finch, представила слушателю четыре полнометражных опуса + небольшой напористый двухчастный боевичок "Colossus". Абсолютный отказ от вокала позволил инструменталистам развернуться на всю катушку. Полифонический, богатый нюансами саунд, в котором имеется если не все, то многое: ритмичные фьюжн-запилы, симфо-артовые зарисовки с неоклассическим подтекстом, джаз-роковые пианистические разработки а-ля кентербери, светлые мажорные фрагменты, многоликий орган Hammond L100 – нежный, журчащий, тревожный; оркестровый колорит меллотрона, прозрачные акустические эпизоды… Драйв гармонично уживается с красивыми, полными лирики и души мелодическими ходами. Мастермайнд коллектива замечательно использует спектр возможностей своего Gibson Les Paul-Custom. Гитара то остервенело риффует, то захлебывается плачем, то вдруг начинает говорить с тобою на каком-то удивительном языке. Ребята орудуют настолько вдохновенно, что невольно заражаешься их настроением. Музыка высокого полета не оставит вас равнодушными, уж поверьте.

Björn J:son Lindh “Sissel” (1973)

Уроженец шведского городка Арвика, воспитанник Королевской школы музыки в Стокгольме Бьорн Джейсон Линд обратился к своим академическим корням лишь в начале восьмидесятых. До этого были годы исканий, экспериментов, пробы себя в разных жанрах – от фри-джаза и этнической культуры Востока до арт-рока и различных популярных течений. Стилистику альбома “Sissel” вряд ли удастся сформулировать однозначно. Здесь имеет место стыковка многих, зачастую противоположных категорий. Огласим список полностью.

Открывается диск совершенно убийственной вещью под названьем “Bull Dog”. Солирующая флейта маэстро на блюзовом фоне задает драйв всей композиции в целом. Ближе к середине трека пробуждается вкуснейшая гитара Янне Шаффера, проступает эпизодическая струнная аранжировка и действо понемногу сворачивается. “Surto's Pyle'as” – по мелодике практически скандинавская плясовая, но в джаз-роковой интерпретации. Флейта пререкается с саксом, бушует перкуссия – в общем, все при деле. Гвоздь программы – “Storpolska”. Вот где настоящая полифония! Мотивы польки растворяются в структурированной мешанине психоделических созвучий. Пиковая фаза группового импровизационного помешательства с запредельной энергетикой. Расслабленный полублюзовый темп “Your Own House” весьма обманчив, ибо пронзительные соло Линда не способствуют успокоению. Заглавная “Sissel” – фьюжн по-шведски: электропиано, риффующая гитара, упорядоченная ритм-секция служат лишь обрамлением для неровных протяжно-отрывистых монологов флейты. Замыкающая “Games People Play” – эдакий псевдо-восточный джаз, заключающийся в бесконечном повторении музыкальной фразы, постепенно обрастающей нюансами.
Вердикт: сугубо интересный альбом, не имеющий ничего общего с поздними работами Бьорна Джейсона Линда.

White Willow “Ex Tenebris” (1998)

Вторая позиция в дискографии великолепных норвежцев. Ракурс обозначен весьма неожиданно: коллектив под управлением гитариста/композитора Якоба Хольма-Лупо воспылал страстью к готическим мотивам. Что отразилось не только в заглавии альбома («Из тьмы»), но и в названиях треков (“Leaving the House of Thanatos”, “…a Dance of Shadows”), а также в структуре мелодий. Фольклорные интонации предыдущего диска поутихли, действо наполнилось тайной. Правда, аналоговый инструментарий с волшебной флейтой никуда не исчезли, посему, невзирая на мистический колорит, музыка звучит тепло и душевно. Место за ударными занял сам Матиас Ольссон (Anglagard), за вокальные партии отвечает Сильвия Эриксен (начиная с этого альбома, основная певица White Willow). Быть может, не ошибусь, если скажу, что это самая красивая и загадочная из четырех пластинок группы. Отсутствие быстрых темпов позволяет выявить ее изящную выразительность, оценить по достоинству прозрачный, капельку минорный лиризм. Тихое очарование “Ex Tenebris” в полной мере проступает лишь при втором-третьем прослушивании. Уникальный шанс заглянуть в глубины незримого.

Roger Glover “Elements” (1978)

Ни hard’ом единым жив музыкант. Отдельные бойцы клана Deep Purple на протяжении 1970-х творили и в более серьезных жанрах. Особенно преуспел в этом отношении органист Джон Лорд. Заведующий басовым отделом Роджер Гловер старался не отставать от коллеги (как-никак выпускник консерватории по классу щипковых инструментов). Спустя четыре года после выхода первой сольной пластинки (рок-мюзикла “Butterfly Ball”) он отважился на шаг № 2.

“Elements” – концептуальное симфо-роковое полотно, повествующее о четырех кольцах силы, олицетворяющих первоэлементы всего сущего. К делу Гловер подошел ответственно, помимо баса сыграв на гитаре и клавишных. Остальные позиции поделили: саксофон – Ронни Эспери, ударные – Саймон Филлипс, фортепиано/перкуссия – Микки Ли Соул, скрипка/кларнет – Грэм Прескетт (по совместительству дирижер и аранжировщик), акустическая гитара – Мартин Бирч (продюсер Black Sabbath). На вокалах Лиза Страйк и Хелен Чэппел. Поехали.
1) "The First Ring Made of Clay". Ни дать, ни взять эстрадная классика в традициях The Alan Parsons Project. Полупопсовый мотив, оркестровое обрамление плюс пара тяжелых риффов. Темп композиции замедленный, чуть ли не doom’овый. Девушки стараются-поют, мужчины деликатно им вторят. Полный порядок.
2) "The Next a Ring of Fire". Скоростной арт-роковый номер, навевающий воспоминания об инструментальных изысках альбома “Nexus” незабвенных Argent. Гловер демонстрирует умение работать с синтезаторами. Впечатляет.
3) "The Third Ring’s Watery Flow". Бессловесная поп-артовая баллада с жутко красивой мелодикой, великолепными струнными секциями и милым воркованием кларнета маэстро Прескетта.
4) "The Fourth Ring’s With the Wind". Медитативная псевдо-индийская рага, ряженная в симфонические кружева. Голосовые рулады от дуэта Страйк—Чэппел и примкнувших к ним Гловера с Бирчем. Пилит на электроскрипке Грэм Прескетт, стучат на табла Филлипс с Ли Соулом. Все прекрасно, все в нирване.
Закрывается диск репризой, композиционно дублирующей первую вещь.
Обобщая вышесказанное: весьма недурственный опус, способный понравиться широкой аудитории слушателей обоего пола.

Devil Doll “The Sacrilege of Fatal Arms” (1993)

Саундтреки бывают разные. Одни способствуют адекватному восприятию видеоряда, другие, прямо скажем, – единичные, могут существовать сами по себе, ибо являются полновесными произведениями искусства. К этой немногочисленной категории шедевров как раз и принадлежит данный альбом. Интересующихся подоплекой его создания отсылаю к прекрасной статье Сергея Дементьева, посвященной творчеству Devil Doll (см. In Rock. 2001. # 3). Здесь же хочется уделить внимание непосредственно музыке.
Команда под управлением м-ра Доктора сделала приличный шажок вперед, подобравшись вплотную к рубежам, за которыми распахивается обширное поле академической классики. Свыше 70 минут изумительных стилевых наслоений: торжественно-зловещие оркестровки, готические эскапады церковного органа, драматические оперные хоралы, рефлексивные фортепианные партии, камерные наигрыши приглашенного струнного трио. Речитативы под аккомпанемент рояля сменяются резкими моментами прогрессивного хард-рока. Голос фронтмена гипнотизирует. Его умение держать паузу (почти по Станиславскому) содействует усилению интриги, а порой и вовсе – нагнетанию атмосферы тихого ужаса. И когда лидер уникального словено-итальянского конгломерата обреченно шепчет: “I kept the secret”, не поверить в это нельзя. Имеют место обильные звуковые эффекты: воссоздание характерной атмосферы светского раута, наложение записи бравурной маршевой увертюры, а также сэмплов с голосами Муссолини, Ленина, Гитлера и присягающих новобранцев в ряды РККА, по-видимому, призванное подчеркнуть внушительный потенциал мирового зла... Пафос альбома порою достигает высот, сравнимых разве что с театральными постановками времен Эсхила и Софокла. Один из самых примечательных прогрессив-актов 1990-х.

Principal Edwards “Round One” (1974)

Не самая серьезная британская формация среднего арт-рокового звена, однако довольно-таки любопытная в музыкальном отношении. Спродюсированный Ником Мэйсоном (Pink Floyd) четвертый по счету альбом группы имеет ярко выраженную артистическую направленность. Практически каждую композицию диска отличает стремление к театрализации. В качестве наиболее ярких вещей выделю следующие: дилогию “Halibut Rock”/“Milk & Honeyland” с интересными фортепианными пассажами, певческой подачей в манере английских менестрелей прошлого и средневековыми клавишно-флейтовыми интерлюдиями; “Juggernaut”, наполненную своеобразными «деревенскими» скрипочками и тонко аранжированную легкими оркестровыми мазками; балладу “Dear Mrs. O’Reilly”, в которой заигрывания с фольклором оформлены весьма изысканно, не в последнюю очередь за счет красивого вокального решения – разложения на голоса: мужской/женский. По звучанию команда напоминает Jethro Tull и Gryphon в определенные их периоды, естественно, с поправкой на не столь высокий уровень исполнения. В целом же вполне приемлемый образец жанра.