Kosmos "Polku" (2007)

В переводе на русский короткое финское слово "polku" означает "путь". И это довольно точно отражает суть второго альбома ребят из города Турку. Музыкальное странствие "космонавтов" по-своему весьма занимательно. Начав его в составе команды Viima, секстет из Суоми с каждым шагом все более отдалялся от прог-рока классического европейского образца в сторону народных мотивов озерного северного края, не отказываясь при этом от электрического аналогового инструментария. Живительная сила нестареющих лапландских напевов - вот источник вдохновения для скромных скандинавских арт-рокеров. Данная программа служит естественным продолжением предыдущего диска "Tarinoita Voimasta" (2005). За два года в рядах Kosmos свершились отдельные изменения, но основные действующие лица уцелели. Как и прежде, голосом ансамбля является фолк-дива Пяйви Килмянен. Ее очаровательный вокал под акустический аккомпанемент в инстроспективном треке "Polku I" задает тон всей пластинке. Эстафету подхватывают сопровождающие леди Пяйви мужчины: Киммо Ляхтинмяки - ударные, орган, пиано, меллотрон, синтезатор; Яапо Хилениус - гитара, конги; Исмо Вирта - гитара, орган, меллотрон, синтезатор; Кари Вайнионпяа - гитара, бас; Олли Валтонен - терменвокс, перкуссия. Помогают им приглашенные скрипач Юкка Аалтонен и мастерица игры на духовых Паулиина Исомяки. Что же выдает нам в итоге столь дивное содружество исполнителей? Чарующее полотно концептуального толка, хронометраж которого до обидного невелик: всего-то тридцать восемь минут. Впрочем, оно - мелочь, ибо музыка превыше всяческих похвал. Пресловутый нордический минор тотально царит в каждой из композиций. Но - парадокс - нет в нем депрессивного мрака и смурной осенней тяжести. Прозрачный "серебристый" тембр певицы придает содержимому треков легкий сказочный флер. Неторопливая ритмика подчеркивает балладно-былинную сущность творчества Kosmos, близость к корням. Роковых красок здесь поменьше, нежели в дебюте, но в плане драматургии, умелого развертывания интриги "Polku", пожалуй, даст фору многим. Послушайте, к примеру, пьесу "Eksyin" с ее темнеющими на горизонте меллотроновыми кущами, напряженными гитарными переборами, вкрадчивой флейтой и печальным хоралом Пяйви Килмянен: чистой воды звуковой триллер. Любителям пощекотать нервы стоит также обратить пристальное внимание на вполне невинный с виду номер "Ouija": по интонационному строю вроде бы колыбельная, однако же призрачные саунд-эффекты, нагнетаемые маэстро Вялтоненом, заставляют держать ухо востро; не иначе, перед написанием опуса участники коллектива в массовом порядке приобщались к наследию дядюшки Хичкока. Впрочем, мечтательно-лирическая вещица "Nuoruus" сглаживает остроту впечатления, уводя нас в абсолютно иную плоскость, к чертогам гармонии и света...
Резюмирую: замечательный, оригинальный, по-настоящему колоритный релиз. Очень рекомендую.

David Lanz "The Symphonic Sessions" (2003)

Вздумай он писать мемуары, ручаюсь, чтиво вышло бы увлекательное. И название у них наверняка было бы благопристойно-пафосное, что-нибудь вроде "Моя жизнь в искусстве" (незримый реверанс великому Станиславскому). Однако в свои пятьдесят восемь маэстро далек от подобной мысли. Да и не мудрено, ведь призвание его - музыка.
Дэвид Ланц - один из наиболее почитаемых американских композиторов/исполнителей в стиле "нью эйдж". Но сводить творчество артиста лишь к приятственным сладким мелодиям в корне неверно. Вехи биографии этого уроженца Сиэттла куда интереснее и шире, чем может показаться непосвященному. В середине шестидесятых Дэвида неудержимо влекло к рок-н-роллам и блюзам. Именно такой игровой манеры придерживалась его первая команда The Towne Cryers. Затем настал черед прото-прогрессива, которым Ланц занялся в составе канадского ансамбля Brahman (любопытно, что доверили ему не клавишные, а бас-гитару). Ну, а дальше наш герой увлекся музыкальными экспериментами, призванными способствовать открытию у слушателя естественных энергетических каналов, записал серию фортепианных альбомов, снискавших успех у определенной части аудитории. Имя его сделалось известным публике, волной пошли выступления по городам и весям. Но и в текучей череде нью-эйджевых будней находилось время для весьма любопытных затей: (например, сотрудничества с гитаристом Полом Спиром, результатом коего явились три пластинки своеобразного пейзажного софт-арта). Словом, не все так просто в карьере этого достопочтенного джентльмена. И "Symphonic Sessions" - еще один занимательный штрих к портрету Мастера.
Этот концерт для фортепиано и группы с оркестром по сути свел воедино три стихии, пленяющие Ланца и ранее: всеобъемлющий симфонизм, тонкую пианистическую элегийность и ритмические рок-отголоски. Программа содержит преимущественно авторские вещи самого Дэвида, аранжированные по законам означенных жанров. Впрочем, открываются сессии посвящением первопроходцам - культовым англичанам The Moody Blues, подарившим миру бессмертную "Nights in White Satin". Последующими опусами (очаровательным красочным "Sitting in an English Garden" и особенно разнокалиберно-мощным "Vesuvius") мистер Ланц демонстрирует сверкающие грани композиторского таланта (черт подери, а ведь мог бы запросто работать в симфо-проговом ключе!). Лирико-драматический этюд "Prelude - The Approaching Night" - серьезная заявка на классику, в то время, как его логическое продолжение - "Nocturne" - невероятно образное полотно саундтрекового толка. Центральная часть диска - два камерно-нью-эйджевых номера ("Cristofori's Dream", "Water from the Moon"), зафиксированных в момент живого перформанса Дэвида. Бетховеновскими интонациями веет от нестандартной интерпретации знаменитой битловской "Girl". В пьесе "Where the Tall Tree Grows" преобладает сильное натурфилософское начало. Замыкает действо трехчастная инструментальная поэма "The Skyline Firedance Suite" - апофеоз творческих амбиций мессира Ланца. Впечатляюще красивая, виртуозная, не лишенная глубины фреска.
Итог: изысканно-утонченный релиз, отличный повод немного отдохнуть от неуемных проговых сложностей. Наслаждайтесь.

Narrow Pass "In This World and Beyond" (2009)

Представители итальянского арт-рока снова в деле. Факт отрадный, поскольку дебютное творение Narrow Pass "A Room of Fairy Queen's" (2006) - чистый образец редкостной элегантности. Пресытившись чертогами королевы эльфов, доблестный синьор Марко Монтоббио (гитары, гитарный синтезатор, клавишные, перкуссия) решил абстрагироваться от душных рамок этого мира и отправился за кромку горизонта, туда, где простирается могучая бездна вневременья. Компанию ему составили верные соратники: вокалисты Валерия Каучино и Алессандро Корвалья, басист Роберто Коста и легендарный ветеран-духовик Эдмондо Романо. Помимо проверенных бойцов Марко привлек к делу новобранцев - ударников Андре Беккаро и Андре Орландо, флейтиста/саксофониста Сандро Маринони, пианистку Элизу Монтальдо и скрипача Вито Дентамаро. В общем, солидные собрались люди. И надо признаться, не зря собрались.
С первого же трека "In This World And Beyond / Just For You " слушателя погружают в романтическую атмосферу: шум прибоя, акустическая гитара, прекрасные женские хоралы... Чувствуется, что маэстро Монтоббио весьма по душе подобные элегические этюды. Не соблазняясь закрученной "прогрессивностью", Марко творит музыку, которая у него получается лучше всего - мелодичную, воздушную, по-хэккеттовски изящную, приправленную оттенком пасторальности. Тонкие переходы от чувственной земной красоты к таинственной грусти далеких небес подчеркивают фэнтезийность происходящего. В инструментале "Beyond" нас поджидают плавные гармонии клавишных и электрогитары, элементы фолка и не утруждающая излишней смысловой нагрузкой звуковая безбрежность. Эпическая поэма "Silver Lady" - это прежде всего чарующая магия старинных ирландских напевов, растворенных в светлой арт-роковой палитре, тогда как двойная связка "Somewhere By The Sea / Timeless" по своим игровым характеристикам напоминает славных предшественников Narrow Pass - ансамбль Eris Pluvia: гитарно-саксофонные дуэли, ударные пассажи маскирующегося под орган синтезатора, искрящиеся электронные переливы... В "Heaven's Crying" имеют место флойдоподобные астральные соло и космический флер, свойственный ранним Ayreon + прочувствованные певческие партии (невесомое сопрано Валерии и коллинзовские интонации Алессандро); шикарная спейс-симфоническая пьеса. "In Your Eyes" - прозрачный лирический вояж на крыльях теплого бриза, отголоски которого проникают в самое сердце. Ну, и наконец финальный 9-минутный опус "Flying From Ireland" - квинтэссенция мечты, ожившее сновидение, пропитанное колдовским ароматом древности.
Итог: великолепная работа, предназначенная в первую голову тем, кто не утратил веру в чудеса. Рекомендую.

Fantasmagoria "Day and Night" (2009)

"Скрипичный прогрессив" - оттиснуто мелким шрифтом под шапкой Fantasmagoria. И это как нельзя лучше характеризует музыкальную направленность коллектива. У руля инструментального квинтета из Страны Восходящего Солнца стоит хрупкая девушка Мики Фуджимото. Выпускница консерватории г. Сан-Франциско (США) и престижной испанской Escuela Superior de Musica Reina Sofia, она и по возвращении на родину продолжала неустанно совершенствоваться, постигая искусство композиции и премудрости джазовой гармонии в школе Пан. Здесь же произошла судьбоносная встреча с будущими коллегами по ансамблю. Помимо Мики (скрипка), в состав Fantasmagoria вошли гитарист Юнпей Озаки, клавишник Рюичи Одани, басист Наоки Китао и ударник Масатака Сува. Благодаря активной концертной деятельности и участию в международных прог-фестивалях арт-роковая артель во главе с Фуджимото-сан приобрела известность за пределами Японии. Впору было задуматься об альбоме...
Дебютное собрание демо-записей Fantasmagoria под названием "Energetic Live" было выпущено еще в сентябре 2004 года. Но полноценный релиз "Day and Night" увидел свет лишь в марте 2009: сказалась сильная гастрольная занятость ребят. Основа программы - проверенные временем композиции, неоднократно исполнявшиеся музыкантами со сцены. Центральный образ миниатюрной азиатки со скрипкой в руках, конечно, не нов: достаточно вспомнить всемирно популярную артистку Ванессу Мэй. Однако мелодические структуры Фантасмагории лежат в абсолютно иной плоскости. Несмотря на разницу во вкусах ведущих композиторов команды (если у Мики в фаворитах числятся Asturias и Dream Theater, то маэстро Озаки обожает Red Hot Chili Peppers, Aerosmith и Элвиса Костелло), сотканные ими звуковые полотна выдержаны в предельно целостной гамме. Классические интро, построенные на мотивах барокко (скрипичные соло в обрамлении имитирующих клавесинный саунд синтезаторных партий), сменяются насыщенным и напористым симфоническим прогрессив-роком. Блестящее комплексное образование Фуджимото позволяет ей без особого труда сочетать в собственных произведениях фольклорные традиции народностей Северной Европы, замысловатые джазовые экзерсисы, крепчайший фьюжн в духе The Mahavishnu Orchestra и многое другое. Варьирование темпа в сочинениях осуществляется с поистине восточной скрупулезной изощренностью, и не последнюю роль здесь играет невероятная ритм-секция: мощнейшие басовые линии подчеркиваются отточенным пунктиром ударных (наиболее показателен в техническом отношении головоломный номер "MNK"). Порою японцы обращаются к лирическим темам ("The Sparrow"), одновременно несущим в себе нечто умозрительно-таинственное. Но мечтательным рефлексиям в канве их сочинений отводится самое скромное место...
Словом, наикрутейший, многоступенчатый, профессионально воплощенный материал, рассчитанный на серьезного слушателя. Рекомендую подкованным меломанам со стажем.

Jade Warrior "NOW" (2008)

Этого часа фэны Jade Warrior ждали долгих десять лет. Именно столько времени прошло с момента издания альбома "Fifth Element" (хотя в хронологическом отношении оно вряд ли правильно, ведь сам материал был записан еще в 1973 году). Конечно, все кругом понимали: после кончины гитариста Тони Дьюига прежних JW больше не будет. Однако надежда на чудо теплилась. И вот заветный миг наступил, легенда ожила в новом качестве. Во главе с неизменным Джоном Филдом (флейты, перкуссия, клавиши), с Глином Ховардом (гитара) на вокале (и это спустя тридцать пять (!) лет после его последнего выступления в составе Нефритового Воина), с удивительным Дэйвом Стюртом в роли басиста и клавишника. Довольно странно, что маэстро Филд не привлек к делу другого ветерана - Дэвида Дьюига. Но, видимо, творческие разногласия удержали его от альянса с лидером Dogstar Poets - своеобразной вариации на тему JW образца 2002 г. Как бы то ни было, а в процессе сотворения "NOW" дефицита в помощниках Джон не испытывал. Аккомпанировать вышеозначенной троице вызвались известный сессионный саксофонист Тео Трэвис, гитарист Тим Стоунз, пианист Крис Ингэм и ударник Джефф Дэвенпорт. Плюс еще пятерка гостей, имена которых в целях экономии места оглашать не станем. Итак, что же предложили Jade Warrior на сей раз? Ни много, ни мало - заглянуть в прошлое сквозь ультрамодные окуляры Миллениума. Эти убеленные сединами, разменявшие седьмой десяток корифеи точно найденной интонацией и поразительными по свежести инструментальными средствами сводят на нет притязания нынешних нео-психоделистов. Филд, дай ему Боже долгих лет жизни, оказался прозорливее и на пару порядков прогрессивнее многих и многих, действующих сегодня артистов интеллектуальных жанров. Его флейта, то мечтательно-нежная, то пронзительно-тревожная плавно реет в поистине колдовской атмосфере звуковых полей (Дэйв Стюрт, серьезно взявшись за саундскейповую часть, проявил себя натуральным кудесником). Обманчиво тихие сказки-размышления на протяжении первой половины программы убаюкивают, уносят в далекие заоблачные выси. Голос Ховарда, нарочито монотонный, бесстрастно ворожит в наушниках. Впрочем, внешняя невозмутимось - не более чем иллюзия; мастерская гипнотерапия от знатока смысловых нюансов, умело цепляющего слушателя на крючок. Стилистическая картина богата неожиданностями: в пространной транс-артовой пелене скользят строгие джазовые силуэты, клубятся на горизонте загадочные миражи извечно притягательного Востока. И в этой невесомой благодати мелькает призрак старорежимного блюза, пропущенный сквозь толщу цифровых примочек и кримзоидную хаотическую шизоидность. Переходы от возбужденно-маниакальных стенаний, пружиной закрученного драйва к тотальной расслабленности исполнены в высшей степени виртуозно. Ну а буйной фантазии сочинителей остается лишь позавидовать.
Итог: обожателям JW начала 1970-х - a must have. Тем, кто знаком преимущественно с безвокально-нью-эйджевым наследием команды, также советую приобщиться. Хотя бы для расширения кругозора.

Asturias "Circle in the Forest" (1988)

Восьмидесятые, как известно, были не лучшим временем для художников звука. Тем более - эстетов со склонностью к импрессионизму. Расцвет и умирание диско, буйная поросль пригламуренных помп-металлических идолов, дикое нашествие сурового скандинавского тру-блэка... Если кому-то в этой кутерьме и оставалось дело до истинного искусства, то лишь немногочисленным артистам из разных уголков планеты. Одним из них являлся японский музыкант Йо Охаяма. В 1987 году этот двадцатипятилетний композитор, вдохновляемый ранним творчеством англичанина Майка Олдфилда, задумал воплотить в жизнь собственную арт-роковую сказку. Человек по натуре молчаливый, Йо изначально взял курс на сугубо инструментальный материал, справедливо рассудив, что музыке без слов легче будет пробиться сквозь международные языковые барьеры. В довольно короткие сроки маэстро Охаяма сочинил пять номеров, главный из которых - грандиозный эпик "Circle in the Forest" подарил название всему альбому.
Несмотря на тот факт, что Asturias - это по большому счету сам Йо (компьютерное программирование, синтезаторы, электрическая и акустическая гитары, бас, перкуссия), в записи ему помогали экс-участники симфо-прогового коллектива Shingetsu - гитарист Харухико Цуда и клавишник Акиро Ханамота. Драммером на пластинке стал Кацуми Сакураи, а в качестве специально приглашенных гостей отметились бэк-вокалистка Йоко Уено, гитарреро Хироши Очиаи и мастер "художественного стука" Хаджиме Такеуши, играющий на африканских барабанах. В столь теплой компании и был претворен в реальность "Circle in the Forest" - многослойный релиз, полный лирического пейзажного очарования и приправленный едва уловимым фэнтези-ароматом. В открывающей композиции "Ryu-Hyo" по воле мастермайнда проекта сталкиваются лбами камерный классицизм и светлый волшебный нью-эйдж. Надо сказать, что данная вещь стала знаковой для последующей реинкарнации Asturias (по прошествии лет Йо возродил ансамбль в акустическом формате и на миньоне 2005 г. "Birds Eye View" увековечил "Ryu-Hyo" в новой аранжировке). "Clairvoyance" - бодренький синти-прог, заряжающий оптимизмом и жаждой действия, по-хорошему контрастирующий с последующей, безумно красивой элегией в симфонических тонах "Angel Tree". "Tightrope" звучит как и положено мелодическому арт-року 1980-х - в пластмассово-поверхностном электронном ключе, но с живой и вполне адекватной ритм-секцией, мечтательно-рефлексивными вставками и весьма недурственной электрогитарой. Венец фантазии скромного японца, трек "Circle in the Forest" - прекрасная сюита, выражающая тонкую душевную организацию господина Охаямы, его типично восточную склонность к вдумчивой созерцательности и в то же время - стремление уравнять на чаше весов это тихое умозрительное состояние с игровым драйвом, присущим прогрессиву европейской школы.
Итог: замечательный экскурс в мир магического реализма Asturias. Рекомендуется поэтам, художникам, мыслителям и людям творческих профессий.

Bonfire "Bonfire Goes Bananas" (1975)

Продюсерский проект Джона Д'Андреа, инструментальный квартет Bonfire организовался с целью занять почётное место ветеранов фламандского прога Focus.  По крайней мере, такую стратегию обозначило руководство голландского филиала концерна EMI.
Дошло до смешного: новоиспеченным "наследникам престола" передали часть оборудования старших товарищей вкупе с туровым автобусом команды Тийса ван Лира. Словом, ставки были сделаны, и теперь ребятам оставалось главное: оправдать доверие боссов. Мастермайндом ансамбля стал органист/духовик Франк Витте: именно ему Bonfire обязаны львиной долей материала со своей единственной пластинки. Шесть безвокальных треков (включая 19-минутный эпик) – вот итог коллективного напряжения сил. В плане композиционно-гармонического построения четверка исполнителей революции не произвела. Парни выдали тот продукт, который от них и ждали. И надо сказать, сработано оно на совесть. Конечно, до уровня грандов возвыситься им не удалось, но творческий замес из кентерберийского арта и симфонического прогрессива получился весьма недурен. Характерный (почти канонический) голландский саунд 1970-х заставляет вспомнить разом как уже упомянутых Focus, так и других монстров нидерландской школы – Supersister и Finch. В центре внимания – виртуозные клавишно-гитарные дуэли, оттеняемые ритмическими эскападами. Обильное использование Франком Fender Rhodes пиано и классического рояля Steinway придает драйвовым инструменталам группы обтекаемую мягкость звучания. Партии гитариста-флейтиста Эжена Ден Худа также исполнены плавности линий и без причины не режут слух. Даже в трехминутные этюды участники Bonfire умудряются впихнуть максимальное количество аранжировочных приемов, от чего любой короткий номер воспринимается здесь абсолютно законченной историей. Тематическое настроение варьируется от задорно-юморного до меланхолического. Есть и откровенные приколы в духе шведских абсурдистов Samla Mammas Manna (в этом отношении наиболее показательной является пьеса "Chinese in Europe (Part I)"). Включение в палитру духовых добавляет результату изысканной тонкости и своеобразного шарма. Любопытно, что мотивационные ходы замыкающего магнум-опуса "The Sage of the Running Nose" фрагментарно совпадают с пассажами из сюиты "Welcome to My Rock and Roll" немцев Inquire, записанной тридцать лет спустя.
В целом же изобретательные и комплексные игровые полотна Bonfire могут служить отличной иллюстрацией богатых возможностей прогрессивного рока для человека неискушенного и наверняка придутся по вкусу поклонникам искрящейся фантазией музыки а ля Greenslade, Camel и Happy The Man.

Renaissance "Da Capo" (1995; 2 CD)

Согласно хронологии, Renaissance - один из старейших британских артовых агрегатов, первый состав которого сформировался еще в 1969 году. Но этот ансамбль в содержательном отношении имел мало общего с тем, коему суждено было впоследствии занять почетное место в международной иерархии грандов рок-музыки. Начало подлинной истории Renaissance относится к 1971-72 годам, когда с приходом вокалистки Энни Хэслэм обозначилось новое, бесконечно привлекательное лицо группы. Впрочем, не стоит забывать и остальных участников коллектива, ответственных за инструментально-аранжировочную составляющую творческого наследия Renaissance. Майкл Данфорд (гитара), Джон Таут (фортепиано, клавишные), Джон Кэмп (бас) и Теренс "Терри" Салливан (ударные). Именно им мы, слушатели, обязаны восхитительным полетом фантазии и композиционно-исполнительским великолепием, которые не покидали команду на протяжении большей части пути. В данной связи хочется упомянуть и поэтессу Бетти Тэтчер, сотрудничество с которой явилось залогом создания целого ряда превосходных вещей; многие из них вошли в рассматриваемую здесь компилятивную программу "Da Capo", изданную немецким прогрессивным лейблом Repertoire Records.
Временной охват двойного релиза составляет без малого четырнадцать лет: с 1969 по 1983 г. Отсчет ведется от треков "Kings and Queens" и "Island". По сути, наглядная демонстрация приличного авторского потенциала еще не реформированных Renaissance, когда у руля находились гитарист/вокалист Кит Рельф и ударник Джим МакКарти. Синтез классических пианиссимо с пластами психоделии и ритм-н-блюза во весь голос заявляет о себе уже здесь. Фортепианные раскаты Джона Хоукена довольно любопытным образом взаимодействуют с ритм-секцией, рождая на свет самобытный саунд, необходимую платформу для Renaissance второго созыва. Прибавьте сюда смешанные вокальные партии (вместе с Китом пела его жена Джейн) и стремление к сложным эпическим формам... Вот и выходит, что будущие маститые артисты начинали отнюдь не с чистого листа. И ударное клавишное интро в пьесе "Prologue" - красноречивое подтверждение преемственности курса (собственно, виртуозные партии органиста Таута в течение длительного периода служили мелодическим стержнем для сочинений квинтета). Однако речь идет не о копировании. Обновленцы активно взялись за развитие манеры отцов-основателей, и введя в палитру элементы английского фольклора, достигли совершенства на альбомах "Turn of the Cards" (1974) и особенно "Scheherazade and Other Stories" (1975). Во второй половине 1970-х замечательные британцы несколько сбавили обороты, сделав ставку на красоту голоса мисс Хэслэм и выразительные пассажи Джона Таута, но до идейного кризиса было еще далеко...
Итог: отличная экскурсия в светлый образный мир выдающегося прог-ансамбля. Очень рекомендую.

Sinkadus "Aurum Nostrum" (1997)

Полноправные представители "могучей кучки" скандинавского арта 1990-х. Сегодня они - классики, культовое имя в среде почитателей интеллектуальной рок-музыки. А тогда, в период позднего прог-ренессанса о них мало кто слышал даже на родине. Полупрофессиональный шведский ансамбль, чья история началась в 1991 г., несколько лет кряду силился занять свое место под солнцем. Но препятствий на этом пути оказалось гораздо больше, нежели сопутствующих условий. К концу 1996 года удача наконец-то улыбнулась потомкам викингов: утряслись передряги с составом, окончательно оформился материал для записи, с которым Sinkadus прохладным сентябрьским днем и пожаловали в гётеборгскую Maestro Music Studio...
Первые такты открывающей пластинку композиции "Snålblåst" наводят на мысль о продолжении дела великих Änglagård: типичное для последних пасторальное флейтовое интро с последующей головокружительной ритмической сбивкой, где все инструменты ворожат в унисон. Однако уже на третьей минуте звучания трека становится ясно: перед нами совершенно самобытная команда с собственным мелодическим видением, в равной степени вдохновляемая как творческими экспериментами арт-грандов 1970-х (King Crimson, Genesis), так и обширным фольклорным наследием предков. Теплый электрический аналоговый саунд подпитывается элементами камерной музыки (за это несут ответственность виолончелистка Лина Петтерссон и флейтистка/вокалистка Линда Юханссон). Масштабные (от 11 до 18 минут длиной) рок-полотна Sinkadus разворачиваются по законам драматургии - не спеша, обрастая нюансами, давая возможность слушателю как следует насладиться демонстрируемыми картинами сурово-живописной природы северного края. Голос поющего исключительно на шведском басиста Рикарда Бьострома лишь подчеркивает своеобразный нордический колорит. В отличие от уже упомянутых Änglagård эти ребята не торопятся, очертя голову, нырять в водоворот лихо закрученных партий. Определяющим свойством исполнительской манеры Sinkadus выступает размеренность, умудренная "взрослость", если угодно. На солидные меллотроновые пласты органично ложатся тембры духовых; гитарные обертоны ведущего композитора группы Роберта Шёбака редкостно деликатны и не грешат самодовольным выпячиванием. Палитра богата красками, движения художников уверенны и легки, а общая панорама завораживает пронзительно-меланхоличной, ускользающей во мраке красотой.
Итог: весьма зрелый и сильный (особенно для дебюта) релиз, воплощенный искусными мастерами. Рекомендуется поклонникам симфонического арт-рока, любителям скандинавского фолка и лицам, не лишенным художественного вкуса.

T-BO "We Stay Together" (2007)

T-BO - разовый проект французского ударника/гитариста Филиппа Лалу, созданный с одной целью: почтить память сына, Тибо Лалу, погибшего в возрасте 19 лет по вине нетрезвого водителя. Музыка, творимая под девизом "любовь сильнее смерти", как нельзя лучше иллюстрирует эту прописную истину. Четырнадцать инструментальных пьес подчинены общей концепции, в основе которой размышления о хрупкости жизни. Аккомпанируют Филиппу многочисленные друзья-музыканты, отвечающие не только за стандартные для арт-рока гитары-клавиши-бас, но и активно вводящие в палитру экзотический инструментарий (диджериду, дарбука, бамбуковая флейта, еврейская арфа, конги, бонги и др.). Что касается непосредственно сочинений мсье Лалу, то все они пронизаны ностальгическим светом прошлого. Отсюда щемящие меланхолические нотки, изысканная деликатность и невыразимая словами красота умозрительных образов. Очевидно, мелодические корни "We Stay Together" лежат в наиболее лиричных композициях англичан Camel и атмосферно-печальных вещах соотечественников Филиппа - команды Pulsar. Камерные чистота и прозрачность, идущие от переклички флейты с акустической гитарой ("Play It"), сменяются ажурной электрической штриховкой ("Take Time"), затем погружаются в умиротворенно-флойдообразную среду ("Different Kinds Of Life"), где ведущими поочередно выступают сакс, флейта и электрогитара. При этом ритмические линии развиваются без особых рывков и сбивок, подчеркивая размеренность повествования. Ненавязчивая природа творений мастермайнда T-BO во многом созвучна мотивационным настроениям Лорана Симоннэ (проект Chance), однако арсенал выразительных средств соратников Лалу-старшего заведомо более впечатляющий. Исключительно приятные клавишные текстуры призваны оттенять солирующие партии духовых и струнных. Умелая работа со звуком придает кинематографическую выпуклость отдельным трекам. Царящим вокруг хаосу, неврастении и боли Филипп с коллегами противопоставляют иные эмоциональные планы: лиризм, драматизм, романтизм, нежность. Ведь "We Stay Together" - это прежде всего ода столь необходимым всем нам миру, гармонии и покою. И потому в релаксирующем саунд-пространстве, мастерски сотканном ребятами из T-BO, столь удобно предаваться мечтам и воспоминаниям.
Что сказать в заключение? Прекрасный альбом, душевный и по-настоящему очаровательный. С точки зрения упертого прогрессора, обожающего логарифмически-сложные конструкции, поживиться тут особо нечем. Зато тем, кто жаждет найти для себя капельку отдохновения и частичку тепла, я искренне рекомендую данный релиз: слушайте и наслаждайтесь.

Mastermind "Excelsior!" (1998)

Все, что они вытворяли до этого, в целом подходило под определение "симфонический прог-пауэр". Критики то и дело проводили аналогии с ELP (с поправкой на металлическое звучание), а слушатели просто ловили кайф от виртуозного мастерства музыкантов. Со временем участникам американского ансамбля Mastermind опостылело фланировать по знакомому маршруту, захотелось кардинальной смены планов, намека на развитие. И тогда глава предприятия, гитарист Билл Берендс решился. К черту симфо, заявил он брату Ричу (ударные, перкуссия), отставить надоевшие вокальные партии; давай-ка копнем с другой стороны. Ведь мы с тобою первоклассные инструменталисты, так? Вот и поиграем для души. Фьюжн, например. А что, чем не тема?
В компаньоны рекрутировали знатного клавишного варяга Йенса Юханссона (ex-Yngwie Malmsteen, Stratovarius), подключили к действию бас-гитариста Боба Экмана и перкуссиониста Майка Миронова. И началось то самое таинство, ради которого люди объединяются в группы. "Excelsior!" - мощный быстроходный прог-рок с довольно обособленным саундом, ведь помимо стандартного шестиструнного агрегата Билл Берендс вовсю использует возможности MIDI технологий. Его резвые соло кажутся лишенными острых углов, они струятся легко и естественно, не раздражая слух излишней нервозностью. Известный своими скорострельными пассажами Юханссон не отстает от заокеанских коллег. Синтезаторы Йенса умело разыгрывают напыщенные дуэли с гитарой Билла. Собственно, весь альбом и строится на таких бессловесных диалогах. Однако в каждой из сцен инструментальные баталии воплощаются по-разному. Коллективное композиторское мышление позволяет своевременно отыскивать в имеющемся творческом багаже свежие краски. И картина на поверку выходит достаточно привлекательной. От показушно-самозабвенного драйва в открывающем "On the Road By Noon" мастермайнды переходят к драматически-многослойному этюду "The Approaching Storm", затем и вовсе погружаются в полночное созерцание омываемых дождем улиц далекого Токио ("Tokyo Rain"), после чего наступает пора демонстрации индустриального коллапса ("The Red Hour"). Мелодическая канва номера "Decide for Yourself" основана на размеренных "мотивных" гармониях, а в самой структуре ощущается почти что оркестровая монументальность. "Sudden Impulse" - образец замысловатого хард-фьюжн-рока с многоступенчатыми размерами, где от нагромождения риффов и соло становится душно. "Sky Dancer" выделяется упором на гипнотический ритм ударных Рича Берендса, а замыкающая "When the Walls Fell" с ее любопытными прогрессиями неуловимо напоминает своеобразные инструменталы трио Kopecky.
Резюмирую: во многих отношениях интересная работа, отличная от прочей продукции Mastermind. Советую приобщиться.

Chris Evans & David Hanselmann "Stonehenge" (1980)

Мифологические концепции в арт-роке не редкость: множество артистов - от Рика Уэйкмана до Kayak - с различной степенью успеха претворяли в жизнь музыкально-культурологические схемы. Другое дело, что в период умирания жанра проделывать такие штуки - себе дороже. Однако история истории рознь. И если постараться, можно ясным и доходчивым языком поведать слушателю о делах давно минувших дней, когда магическое тесно соприкасалось с обыденным, чудеса естественным манером вплетались в канву реальности, а пространство над холмом Солсбери наполнялось голосами, средь которых явственно выделялась размеренная речь чародея Мерлина...
Об этих былинных временах и повествует совместное творение Криса Эванса (клавишные, вокал) и Дэвида Хансельманна (акустическая и электрическая гитары, вокал). Несмотря на монументальность темы, эпическое сочинение с прологом и эпилогом буквально пронизано духом эстрадной легкости. Сочетание оркестрового пафоса с мелодической увлекательностью, характерное для ансамблей калибра The Alan Parsons Project, здесь также имеет место. Очевидно, оба композитора-исполнителя не задавались целью казаться серьезнее, чем они есть. Да и грядущему десятилетию излишнее глубокомыслие начинало постепенно мешать. Крис и Дэвид вполне ощущали веяния эпохи, посему их магнум-опус подается в достаточно яркой упаковке. Мистическая география Стоунхенджа - это само по себе интересно и в целом нестандартно. Светлая прозрачность саунда, основу которого составляют новомодные на тот момент синтезаторы, модуляторы и секвенсоры в сочетании с акустикой. Плюс приятная "мотивность", питающая практически каждую из песен альбома. Элемент солидности вносят драматические речитативы (композиция "Genesis"), по подаче напоминающие рефлексивные монологи Пинка из флойдовского шедевра "The Wall", и нарративные вставки на древнеарамейском наречии. Что касается текстовой части, добрая ее треть принадлежит перу Криса Эванса, остальное почерпнуто у духовидца Уильяма Блейка, д-ра Томаса Уортона, кельтского жреца и поэта Лаямона, и даже заимствовано из Торы. Легенды о чаше Грааля, таинственным образом связывающей Святую Землю с английской местностью Гластонбери, короле Артуре и доблестных рыцарях Круглого стола обрастают новыми подробностями благодаря вдохновенной работе немецких концептуалистов. Внушительную поддержку обоим соавторам оказывают специально приглашенные гитаристы Рой Луис и Рейнард Бессер, басист Тисси Тирс, ударники Дикки Таррач и Гюнтер Менде, а также арфист Людвиг Реберг. И результат такого сотрудничества на удивление недурен.
Итог: хорошая пластинка. Без особых наворотов, но с душой и вкусом. Советую ознакомиться.

Kerrs Pink "Kerrs Pink" (1980)

"Побеждает тот, кто умеет терпеть" - гласит японская поговорка. Для участников норвежского ансамбля Kerrs Pink это высказывание давно является аксиомой. К записи своей первой программы они шли долгих восемь лет. Такой вот суровый скандинавский путь к успеху. Однако северяне сумели преодолеть все невзгоды, и начало восьмого десятилетия двадцатого века встретили с высоко поднятой головой. Что ж, им было, чем гордиться.
На момент издания дебютная пластинка Kerrs Pink за границы Норвегии не распространялась. С точки зрения руководства выпускающего лейбла Polygram объяснялось оно довольно просто: команда молодая, умеренной известности (в локальном масштабе), поют на родном языке. Да и музыка у них немодная. Последнее замечание было аккурат в яблочко. Инструментальная часть альбома и впрямь отдавала консервативными тенденциями. Так что тираж в 1000 копий шефы Polygram сочли вполне достаточным. Как ни странно, но этот "архаичный" материал, базирующийся на смешении легких фольклорных мотивов с изысканной арт-роковой мелодикой пришелся по вкусу многим. И уж совсем загадочным выглядел факт попадания бессловесного этюда "Velkomst", сочиненного гитаристом Торе Юхансеном, в национальный Top-10. Да, тамошним продюсерам было над чем поломать голову...
Немного по содержанию. Рассуждая о характере собственных произведений, члены группы без обиняков заявляли, что все их вещи имеют строго очерченный традиционный колорит, указывая на уместные аналогии с шведами Kebnekaise и подобными им фолк-рокерами. Однако здесь ребята лукавили. Музыкальные корни Kerrs Pink лежат далеко за пределами их родного края, в лесах и озерах североанглийских графств. Слушая красивые и грустные переливы флейты вкупе с аккуратными гитарными переборами, деликатные и такие знакомые электрические тембры, шустрые органные стаккато и тонкие россыпи перкуссии, явственно вспоминаешь великих британцев Camel. И пронзительные ажурные интерлюдии с налетом пасторальности, и сугубо игровые пьесы с быстрыми соло-проходами каждого инструмента по большому счету исходят оттуда. Но порицать норвегов за похожесть рука не поднимается. Слияние тенденций, подсмотренных у грандов мирвого прог-движения, с оригинальными наработками в итоге дало очень интересный результат, надежную основу для строительства звукового мостика в будущее. Нордическая предрасположенность к созерцательности + удачно найденные композиционно-исполнительские решения с симфоническим подтекстом - разве этого мало?
Итог: отличный релиз, без особого глубокомыслия, но довольно привлекательный в гармоническом отношении. Рекомендую.

Ketil Bjørnstad "Water Stories" (1993)

"Водные истории" - дебют норвежского композитора и пианиста Кетиля Бьорнстада (р. 1952) на известном лейбле ECM. К тому моменту в активе музыканта уже числились серии сольных выступлений и концерты с национальными оркестрами, эксперименты со свободной джазовой формой, концептуальные программы, отработанные в содружестве с рок-исполнителями и масса иных любопытных свершений. По признанию самого маэстро, он довольно рано почувствовал стремление быть в первую голову сочинителем, творцом, а уж затем - артистом.
12-частная звуковая поэма "Water Stories" изначально была представлена на музыкальном фестивале в Розендале, как бенефис культового гитарреро Терье Рюпдаля. Возвышенная природная мощь тамошних пейзажей не могла не повлиять на характер сценической транскрипции произведения. "Многогранность здешних ландшафтов, богатейший мир звуков и тембров гитары Терье явились отправной точкой при воплощении музыки", комментирует Бьорнстад. К студийной записи "Историй" Кетиль подключил старого друга Рюпдаля, а также басиста Бьорна Хьеллемюра, ударников Йона Кристенсена и Пера Хиллестада. Средства выражения на первый взгляд кажутся нарочито аскетичными: фортепиано, электрогитара + шелестящая перкуссией и гукающая басами ритм-секция. Однако для детального воспроизведения переменчивой морской панорамы собравшимся здесь зрелым мастерам достаточно и этого. Объемное полотно по сути является диптихом. Первая его половина - монументальное изображение могучего ледника, свидетеля первозданной стихии еще не заселенного людьми Севера. Мрачновато-глубокие отрывистые аккорды, будто бы исторгаемые тьмой времен, сменяются светлейшей небесной лазурью классических арпеджио. Импрессионистская в основе, созерцательная игровая манера Бьорнстада на почти что метафизическом уровне взаимодействует с заряженным энергией космосом Кристенсена, эмоциональными острыми выпадами гитарного гроссмейстера Терье и сочными басовыми нотами Бьорна. Тончайший срез меж просчитанной филармонической деликатностью и спонтанно сгенерированной пульсацией джаза обозначается до предела виртуозно.
Во второй половине, озаглавленной "Наступление моря", слушателю рисуют те же северные земли десять тысячелетий спустя. Голос электрических струн начинает захлебываться приблюзованными интонациями, холодная глыба разума потихоньку оттаивает, передавая эстафету нестареющим, вечно актуальным чувствам. Не в силах противиться ошеломительной бездне памяти, обнаруживают слабину и академически ориентированные клавиши. В них просыпаются страсть и трагизм, исповедальность и тяга к мечтательной лирике. Но вот утихают невероятнейшей мощи крещендо, и над миром вновь воцаряется долгожданный, напоенный солнцем штиль...
Резюмирую: абсолютно роскошная живописная фреска, открывшая путь целой серии, продолженной альбомами "The Sea" (I, II) и "The River".

The Divine Baze Orchestra "Once We Were Born..." (2007)

Количество хороших групп в Скандинавии вскоре превысит все мыслимые пределы. Похоже, потомки викингов взяли за правило ежегодно атаковать старушку-Европу новыми талантами. Особенно усердствуют в заданном направлении товарищи шведы. Ретрообразные тенденции в этом регионе традиционно сильны: достаточно вспомнить героев прога первой половины 1990-х - Änglagård и Anekdoten. В веке ХХI эпоха великих музыкальных открытий 1970-х по-прежнему не дает покоя многим молодым рокерам. Благодатную ниву продолжают возделывать самородки типа Beardfish, черпающие вдохновение в наследии Gentle Giant, Genesis и иже с ними. Однако помимо прогрессива в чистом виде существует и такой любопытный гибрид как хард-н-арт. Из свежих симпатичных лиц в означенной категории успели неплохо зарекомендовать себя ребята из Black Bonzo, уже обретшие славу "северных Uriah Heep". В 2007 году полку "ретронавтов" прибыло. В славную когорту консервативно настроенных интеллектуалов влилась команда из шведского города Скара, что в Вастерготланде. Квинтет, состоящий из студенческого вида молодцов, подошел к творчеству с иного бока. Как объяснил заинтересованной общественности гитарист/вокалист Оливер Эек, "мы пытаемся играть тяжелый, фуззовый рок, корни которого лежат в блюзе старой школы, хард- и прог-жанрах, но при том у нас множество самых разных способов для достижения конечной цели". Так и есть. "Once We Were Born..." - это своего рода звуковая поваренная книга, сплошь и рядом усеянная проверенными классическими рецептами. Изысканно-тончайшую эмуляцию саунда семидесятых от The Divine Baze Orchestra можно смело заносить в специализированные учебные пособия. Баритонально-басовые раскаты "Хаммонда" Даниэля Карлссона в открывающей "Dance" наверняка порадуют поклонников Deep Purple: органное интро вызывает вполне определенные ассоциации со знаменитой "Perfect Strangers". Да и вокальная фразировка Александра Фрисбёрга сродни гиллановской, вот только голосовые тембры совсем другого плана. Грозные гитарные риффы Оливера Эека на монументальном меллотроновом фоне отсылают нас в седое прошлое, к лучшим денькам легендарных Black Sabbath. В "Troda di Mare" к жизни пробуждается цеппелиноподобный нестареющий хэви-блюз: ощущение плотно сжимаемого ритмического кольца усугубляется хитрыми финтами шестиструнного массивного кулака. Вязкой прото-металлической атмосферой пропитана пьеса "Little Man". Петляющая мелодика "The Person" - своеобразный привет Киму Симмондсу и Savoy Brown. Архаика пред-артового периода представлена этюдом "The Man from my Mother's Brother" (восхищает доскональная реставрация звучания аналоговой эры). В "Crossing the circle" внезапно прорисовываются фьюжн-интонации с гуттаперчевыми размерами. Финальная "Burned by the sun" - полный апофеоз old school рока: динамика, драйв + сносящие крышу партии клавишных...
Итог: роскошный релиз, несомненно достойный Вашего внимания.

Viima "Kahden Kuun Sirpit" (2009)

Дебютный диск Viima "Ajatuksia Maailman Laidalta" (2006) большого рапространения по миру не получил. Да, были неплохие рецензии в отдельных прогрессивных изданиях. Однако неанглоязычному материалу трудно пробиться к глобальной слушательской аудитории: таковы железные законы действительности. В итоге практически полным составом участники группы сосредоточились на творческой деятельности в рамках арт-фолкового проекта Kosmos, ориентированного как раз на финскую публику. Впрочем, отцы-основатели Viima Микко Юси-Укари (гитары, меллотрон) и Киммо Ляхтинмяки (аналоговые клавишные) не оставляли надежды на реставрацию своего детища. И час пробил. Прекрасную вокалистку Пяйви Килмянен сменил Ханну Хилтула (флейта, сопрано-саксофон, клавишные). Остальные вакансии заняли басист Яапо Хонканен и ударник Микко Вяаряла. На сочинение оригинальной программы ушло почти два года. Срок немалый, но результат определенно стоил затраченных усилий. Любопытно, что из четырех эпических треков на долю старожилов приходится лишь один: почти восьмиминутный инструментал "Sukellus (The Dive)" сподобился написать мастермайнд Viima Микко Юси-Укари. Что до оставшихся трех четвертей пластинки, то их авторство на совести новобранцев.
Открывающая композиция "Autio Pelto (Barren Field)", принадлежащая перу г-на Хилтулы, выстроена на сочетании традиционных скандинавских мотивов с симфо-проговыми изысками. Вещь большей частью бессловесная, что радует, поскольку соревноваться в певческом мастерстве с перешедшей на вольные хлеба красавицей Пяйви духовику Ханну явно бессмысленно: сурово-безыскусный тембр его голоса, весьма типичный для представителей Суоми, понравится не каждому. На ум приходят аналогии с Haikara: там в вокальном отношении примерно схожая ситуация. Но, вот парадокс: музыке это отнюдь не мешает. И даже напротив, придает определенный местечковый колорит. Лицезрением живописных озерных ландшафтов полнится второй номер "Unohtunut (Forgotten)". Драматизм бытия пропущен здесь сквозь призму мрачной красоты Севера. Эдакая трансперсональная психологическая модель, выраженная на звуковом плане. Вышеупомянутая "Sukellus (The Dive)" - мелодическая зарисовка с полным комплектом игровых средств: сакс работает в унисон с флейтой, электрогитарные партии разбавляются акустикой вкупе с органом, меллотроном и пиано. В общем, арт-рок в наилучшем виде. Заключительный 23-минутный боевик "Kahden Kuun Sirpit (Two Crescents)" - плод умственно-духовных подвижек барабанщика Вяарялы. И надо отдать должное парню, постарался он на славу. Гибкая полистилистика опуса объемлет множество элементов - от "сингер-сонграйтеровских" монологов под ритмический аккомпанемент до шикарных мечтательных слайд-всполохов с воздушными линиями клавишных и симфонических эпизодов, для чего специально пригласили академический струнный квартет. Словом, превосходная многоуровневая, гармонически безупречная конструкция, вызывающая исключительно положительные эмоции.
Резюмирую: по-настоящему самобытный и сильный релиз. Рекомендую.

Anthony Phillips & Joji Hirota "Wildlife" (2008)

"...Но Запад есть Запад, Восток есть Восток, и вместе им не сойтись..."
Ошибался старина Киплинг: сошлись. Англичанин и японец. Ради общего дела. Того, что превыше прочих...
Интернациональный альянс Энтони Филлипса и Джоджи Хироты имеет давние корни. Впервые эти замечательные люди повстречались в 1980 году для работы над звуковой дорожкой к телесериалу "Rule Britannia". Первый гитарист легендарных Genesis по достоинству оценил мастерство перкуссиониста Джоджи и затем неоднократно приглашал восточного коллегу к участию в записи своих сольных альбомов. Однако есть в совместной творческой деятельности обоих совершенно особая глава, к прогрессиву в общем-то не относящаяся и все-таки представляющая немалый интерес для поклонников: музыка к фильмам и телепрограммам о дикой природе. Жанр этот по-своему уникальный; композиторов, подвизающихся в данной сфере, много не бывает, ибо требования здесь весьма специфические. Профессионализм + богатое воображение + умение вживаться в материал, чувствовать его временные и географические плоскости. Как оказалось, и Филлипс, и Хирота наделены подобным в избытке.
"Wildlife" - компилятивная подборка из 45 непродолжительных тематических треков. Смикшированы они столь искусно, что в результате слушатель получает прекрасный подарок из серии "По странам и континентам". Мелодические образы Филлипса всегда отличались яркими, тщательно проработанными текстурами. И тут он нисколько не изменил себе. В каждом из фрагментов общего ряда присутствуют глубина и объем. Призрачные клавишные партии оттеняются перкуссионной конкретикой, шумами саундскейпового толка. Энт практически не прибегает к помощи гитары, используя в качестве главного инструмента синтезатор. В его одухотворенных оркестровках чередуются мистическая размытость и академический размах. Потомок самураев Джоджи мастерски гремит, звенит и постукивает своими волшебными безделушками, периодически выполняя также обязанности духовика: в распоряжении хитроумного азиата многочисленные рекордеры и экзотическая вещь сякухати - японская бамбуковая флейта. Фантазия авторов не знает пределов: мысленные взоры дуэта обращаются то к тропическим лесам Амазонии, преследуя пожирателя душ - ягуара, то ныряют в прохладу Норфолкского леса. Царство русского медведя, атолл Мидуэй, наводящая ужас акула Юрского периода - вот далеко не полный список имагинативных воплощений, ожидающих нас в этом удивительном путешествии. Стоит лишь смежить веки, сделать погромче звук и ... добро пожаловать в неизвестность.

Streif "Nordic Winter" (2007)

Нордическая зима... Одно из волшебных чудес природы. Настоящий скандинав не устанет гордиться ею. Поэты, художники и музыканты будут вновь и вновь воспевать дивную красоту заснеженных просторов архипелага, но лишь избранным удастся постичь суть магической прелести местных ландшафтов. Норвежский инструментальный квартет Streif как раз из такой породы кудесников. Точно найденным звуком они добиваются гораздо большего, нежели иные расточители нот. Попробую вкратце обрисовать содержимое саунд-пейзажей.

Восемь из девяти треков этой пронзительной снежной сказки берут начало в фольклоре народностей полуострова. Исключение - открывающая диск "Эстонская колыбельная", автор которой - классический композитор Артур Густавович Лемба (1885-1963). Одухотворенная тонкость данного сочинения, или лучше сказать оды родному краю сродни невесомому колориту оркестровых полотен А.К. Лядова. Великолепные транскрипторы-аранжировщики Streif подменяют симфонические текстуры фолковыми красками: аккордеон Тома Карлсруда и маримба Биргера Мистереггена при содействии кларнета Георга Рейсса мерно погружают слушателя в печальную прохладу балтийского вечера. Кульминационный момент пьесы - появление электрогитары Торбьорна Ёкланда. Лаконично-выразительные пассажи выдают в нем достойного преемника гениального Терье Рюпдаля; подлинное наслаждение для мело-гурманов. "Brudesang Fra Solør" наполнена акустической чистотой и напевными гармониями. В эпической "Saktmodig Brudemarsj" минорные интонации плавно сменяются джазовым настроением, исходящим от сакса, и крайне прочувствованными блюзовыми гитарными соло. Меланхолией веет от короткого духового этюда "Jenta I Næset". И полнейшей противоположностью ему выступает задорная плясовая "Bessleiken" с совершенно неожиданным вкраплением элементов музыки клезмер (вот уж где действительно есть свинг и драйв!). Идиллические картины сельского марша оживают в насмешливой "Klarinettlåt Etter Thomas Lurås", но легкая грустинка периодически пробивается наружу и здесь. Надрывная "Den Første Valsen" - сердечный альянс кларнета с аккордеоном - проймет кого хочешь, а про насыщенную фолк-артовую зарисовку "Hjemlandsklokker" и говорить нечего: бесподобный экскурс от глубинной тоски к мощным брассовым аккордам вкупе с шикарной гитарой. 9-минутная проникновенная "Ballade" достойно завершает этот великолепный вояж по укромным уголкам Скандинавии: тут и предзакатный, неверно мерцающий свет, и катарсический плач струн, и боль расставания с чем-то очень понятным и близким...
Итог: восхитительно-божественная пластинка. Настоятельно рекомендую всем, независимо от личных пристрастий.

RA "Rising" (2009)

Похоже, совместное предприятие мастеров британской прог-культуры под названием RA обретает черты долговременного проекта. На фоне дебютного альбома "Wake" (2007), выдержанного в стилистике 1970-х, нынешнее творение англичан относительно саунда воспринимается чуть менее целостным. Объясняется это довольно просто. "Rising" - своеобразная компиляция идей, почерпнутых как из сольного наследия мастермайнда ансамбля - Роберта Эндрюса (бас, гитара, клавишные), так и перекочевавших из первой программы RA (треки "Kaugummimäßiges Musik" и "Spike", принадлежащая перу Джеффа Бека). Впрочем, расценивать релиз в качестве сборника было бы неверно, поскольку шесть из девяти композиций - свежие авторские вещи участников группы. Остановимся на них подробнее.
Открывающая "Theme Two" своего рода ответ на известный номер Джорджа Мартина "Theme One" (многим он знаком по версии Van Der Graaf Generator). Несмотря на тот факт, что написана тема дуэтом гитаристов (Дэвид Гроувз - Роберт Эндрюс), звуковым фундаментом ее служат органные партии Стива Хиллмена. Дышащая прелестным в своей наивности мелодизмом пьеса по внутренним характеристикам напоминает классические этюды прото-прогрессивного периода. Клавишноориентированная эпическая конструкция "Over the Edge" - бенефис маэстро Хиллмена, превосходный симбиоз "винтажных" поливов "Хаммонда" с современной электроникой. Попутно отмечу ловкую имитацию скрипичных соло, целиком сыгранных на синтезаторах. Легчайший гитарно-акустический эскиз "Standstill" явно предназначается поклонникам Стива Хэккетта. Картины воздушных замков Дэйва Гроувза, исполненные широкими, но деликатными мазками, поселяют в душе мир и гармонию. Милейшее произведение "Eyes of Jаnus", развивающее линию Януса, заложенную в предыдущем альбоме, вполне могло бы претендовать на звание инструментального хита; въедливая канва основного мелодического ряда вкупе с нарочито ровным программированием ударных - чем не вариант для ротации на радио? Впрочем, девять минут чистого времени... многовато для FM-диапазона. Гроувзовская элегия в стиле "модерн", незамысловато обозначенная "Tide", пришлась бы по вкусу любителям dream-арта а ля Chance. Совершеннейшей "белой вороной" в общей когорте опусов RA выглядит заключительное сочинение Эндрюса "Shambles": отголоски седой фольклорной старины, неожиданные эпизодические вкрапления испанских мотивов... Прибавьте сюда обильно задействованный в структуре данного акта архаичный клавишный инструмент мелодион, изобретенный на заре XIX столетия, и получите нечто совсем уж оригинальное.
Резюмирую: весьма любопытный образец арт-рокового жанра. Советую ознакомиться.

Ragnarök "3 Signs" (1983)

Гонка за временем чревата последствиями. И творчество шведского прог-ансамбля Ragnarök в данном отношении может служить уроком другим музыкантам. Приятные элегические пасторали, царившие на первой пластинке скандинавов, довольно быстро приелись самим создателям. Фольклорным красотам сказали твердое "нет", после чего был взят новый курс - на эклектику. Инструментальные диски "Fjärilar I Magen" (1979) и "Fata Morgana" (1981) с их калейдоскопическим содержимым (от хард-н-арта до психоделии и фьюжн-мотивов) более или менее оправдывали подобный подход. Однако при сотворении материала "3 Signs" знатные варяги из дружины Петера Брюнгельссона, похоже, перегнули палку с экспериментами. В итоге на свет появился альбом, после которого надлежало либо разойтись полюбовно, либо кардинально поменять ориентиры. Выбрали первое, и правильно. Ибо от старых добрых Ragnarök здесь практически ничего не осталось. Судите сами.
1) "Omen" – бездушные техноидные пульсации (передние звуковые планы отданы перкуссионным эффектам) сопровождаются вокальными экзерсисами, изрядно смахивающими на депрессивные стенания андроида-дегенерата. 2) "Dance of Spirits" знаменует собой вычурный альянс канонического спейс-рока с элементами "новой волны". Запрограммированная поступь ударных наслаивается на флойдоподобные космические переливы клавишных и тягучие позывные гитарного синтезатора (ответственный - Дан Йонссон). 3) "3 Signs" в оригинале - традиционная нордическая плясовая, но усилиями тандема Брюнгельссон—Йонссон она переиначена в сугубо электронную вариацию на тему развитого маразма. 4) "Anima" – довольно сумбурная композиция, окрашенная в неопсиходелические тона. 5) В "Mogadir" заводила Петер Брюнгельссон наконец-то воскрешает навыки сочинения мистических гитарных инструменталов. Правда, дело портят заунывные синти-аккорды, периодически вклинивающиеся в монолог. Что поделаешь - на дворе восьмидесятые! 6) "Snowman" – преломление мелодических решений предыдущего трека в нововолновом ключе с манерным (читай - придурковатым) пением в придачу. Провальная попытка содеять нечто модное. 7) "192" – до крайности монотонный синтезаторно-урбанистский джаз-рок в футуристическом обрамлении. 8) "Turning Wheel" – венец этого безобразия, комплексно-отрешенная рок-медитация, в которой изредка проглядывают прогрессивные корни истинных Ragnarök. Однако полутанцевальный ритм поганит ситуацию и здесь...
Такая вот странная музыка. Дальше что, спросите? Восемь лет молчания. Осторожное зондирование почвы посредством альбома "Well". А потом вновь тишина. И лишь в 2008 г. недурственным релизом "Path" ветераны заявили о своем возвращении к истокам. Будет ли продолжение? Поживем - увидим.
N.B. Запись сделана с LP.

Various Artists - Colossus Projects "Dante's Inferno: The Divine Comedy - Part I" (2008; 4 CD)

"Кто платит, тот и заказывает музыку". По сложившейся традиции большинство транснациональных проектов финского прогрессивного сообщества Colossus финансируют итальянцы. Ну, а в данном случае сам Бог велел, ведь Данте Алигьери - солнце европейской средневековой поэзии. Очевидно, решение замахнуться на "ихнее всё" созрело в голове у продюсера Марко Бернарда до начала мирового экономического кризиса, ибо даже на фоне прошлых достижений "колоссов" это выглядит наиболее амбициозным. Хотя четыре полноформатных диска на тему Дантова Ада, по-моему, явный перебор. Относительно схематичного распределения композиций все было ясно заранее: половину материала сочиняют и прописывают известные (и не очень) музыканты с Апеннин. Остальное по максимуму закрепляется за именитыми в арт-роковых кругах ребятами со всех концов планеты. Словом, первая часть "Божественной комедии" - типичное вавилонское столпотворение звуковых идей в симфо-проговом варианте. Описывать действо досконально нет нужды: каждый, кто хоть раз слышал какой-либо из "колоссальных шедевров", вполне способен представить примерную картину очередного серийного акта. Посему выборочно пройдемся по "вкусностям".

Неожиданно приятным открытием для вашего покорного слуги, предвзято относящегося к "спагетти"-рокерам, стали соотечественники синьора Бернарда Nuova Era, сварганившие по-семидесятнически великолепный инструментальный микс с "Хаммондом", саксом, гитарой, шикарной работой ритм-секции и чуть заметным влиянием King Crimson. Россияне Маленькие Трагедии, как обычно, порадовали отсутствием банальности, безупречным вкусом и класной техникой исполнения. Голландские ветераны Lady Lake мощно и уверенно завладели воображением: мгновенно узнаваемый теплый симфонический фьюжн безвокального трио под управлением Фреда Розенкампа в меру деликатен, старомодно лиричен, где надо - тяжеловат и местами по-прежнему Camelобразен. Костяк других представителей Нидерландов - ансамбля Trion, сплотившись с друзьями-коллегами под вывеской Flamborough Head, выдал отличный ретро-номер "Daughters Of Night", умышленно обрывающийся на полуслове. Англичане Willowglass собственной темой "The Crossing" вновь доказали, что писать плохо попросту не умеют: очень характерная для многостаночника Эндрю Маршалла и вместе с тем стильная вещь. Крайне любопытный этюд продемонстрировали итальянские ностальгисты Wicked Minds, а их вокалист Джей Си Чинел - точная копия покойного Дэвида Байрона (Uriah Heep). По-хорошему удивил доселе неведомый мне голландец Маттийс Хердер, сотворивший жутко симпатичный инструментал в симфо-фолковом ключе "Brunetto": даст Бог, в будущем парень еще проявит себя. Не сдают оборотов и финны Groovector, закрывающие второй CD изысканным росчерком "Ainiaan Erhe". Необычным альянсом под маркой Ozone Player обернулось виртуальное сотрудничество клавишника/гитариста из Хельсинки Отсо Пакаринена с римскими ритмачами - басистом Гильермо Мариотти и перкуссионистом Давидом Гвидони: содеянный ими инструментал "Inferno XXI" - бесподобный жанровый коктейль с главенствующими классическими мотивами. Из оставшихся бойцов заслуживают внимания возродившиеся к жизни Суоми-прогеры Viima, симфонисты-"макаронники" Notabene, канадские старожилы Nathan Mahl, шведы Simon Says... Впрочем, на вкус и цвет товарищей нет. Так что, вперед, господа-меломаны. Вас ожидает "Inferno".

CD 1
CD 2
CD 3
CD 4

Asia Minor "Landscape Pictures In Rock" (1988)

В проговых кругах давно и прочно утвердилось мнение, согласно коему Asia Minor - это французский ответ Camel. Доля истины в том присутствует, однако не стоит забывать: все участники Малой Азии по происхождению являются отнюдь не французами, а турками. Корневые ближневосточные влияния, безусловно, нашли отражение и в музыке. Впрочем, основными ориентирами при создании композиций движущей силе ансамбля в лице закадычных друзей Сетрака Бакиреля (вокал, гитара, бас) и Эрила Текели (гитара, флейта) все же служили арт-роковые команды англо-саксонского звена. Таким образом, творчество Asia Minor произрастает из взаимопроникновения двух культур, и надо признать, что синтез у них получился на редкость удачным. Полные элегических, драматических и романтических мотивов пластинки "Crossing the Line" (1979) и "Between Flesh and Divine" (1981) пользовались умеренным успехом у интеллектуальной аудитории тех лет. И все таки для стабильного существования коллектива оного оказалось недостаточно... В 1990-е годы, благодаря стараниям лейбла Musea, широкая прогрессивная общественность открыла для себя заново светлые звуковые миры Asia Minor. Грустные сказки франко-турецкого конгломерата продолжали пленять и очаровывать очередное поколение меломанов. Но при этом мало кто догадывался, что музыкальное наследие группы не исчерпывается переизданной парой релизов. В тайных закромах времени хранилось и третье, сугубо инструментальное послание потомкам.
Мини-LP "Landscape Pictures In Rock" был записан спустя шесть лет после официального распада Малой Азии. Что побудило ансамблистов собраться вместе и выдать еще один чудный подарок слушателям - доподлинно неизвестно. Важно, что событие имело место в истории. Сетрак и Эрил при поддержке старых соратников - Роберта Кемплера (клавишные, бас) и Лайонела Бельтрами (ударные, перкуссия) решили воскресить славные тени прошлого, вспомнить счастливую пору молодости. И эти проявления ностальгии оформились в 25-минутный мелодический вояж. В виду отсутствия свежего материала бывшие коллеги обратились к проверенным годами "нетленкам". В итоге содержимое винила составили бессловесные версии избранных опусов с предыдущих программ. Попутно члены Asia Minor вздумали поиграть с поклонниками в эдакие стилевые шарады. На оборотной стороне конверта против наименований каждого из произведений заявлена принадлежность к тому или иному жанровому подвиду. Авторы словно предоставляют нам самим право выявить в структуре вещей сформулированные ими нюансы типа "джаз-рок волшебного свойства", "парение в воздухе", "хорошо темперированный фолк-рок", "загадка" и т. п. Но кому охота заниматься анализом, когда из колонок доносятся до боли знакомые трепетные соло флейты, звенят деликатные струнные переборы, таинственными тенями выскальзывают из тьмы невесомые аккорды электропиано, рассыпаясь о твердь кимвалов и гонгов? Сокровенные отзвуки Малой Азии касаются наших душ, дабы затем незаметно укрыться в толще десятилетий. Навечно ли? Кто знает...

XII Alfonso "The Lost Frontier" (1996)

Последняя граница - это Вал Адриана, каменная стена, возведенная римлянами в Британии, дабы предотвращать набеги каледонцев с северной стороны. Своеобразный рубеж меж цивилизацией и варварством. Данную аллегорию и взяли за основу братья Клеро - Филипп (гитара, бас) и Франсуа (клавишные, программирование), решившие воссоздать драматические эпизоды основательно забытой истории на первом альбоме проекта XII Alfonso. Вообще, дебютировать в арт-роке концептуальным альбомом - штука опасная; можно запросто сесть на мель. Но отважные инструменталисты знали, что делали. В итоге получилось весьма и весьма интересно. В творческий процесс были вовлечены специально приглашенные музыканты, средь которых оказалось немало именитых. Звукозаписывающую студию "Ле Донжон" (Бордо) почтили своим присутствием клавишник Микки Симмондс (Fish, Camel, соло), гитарист Дан Ар Браз, а также масса иных артистов, впоследствии продолжавших сотрудничать с мастермайндами XII Alfonso. Значительная часть полотна изначально задумывалась бессловесной. Ход правильный, поскольку композиционные способности у сочинителей действительно замечательные. В электрической и в акустической ипостасях Филипп с Франсуа чувствуют себя довольно уверенно. Так что и менестрельские гитарные наигрыши в изысканной кельтской манере, и симфо-проговые идеи выглядят здесь максимально выразительно. С оркестровыми аранжировками ребятам здорово помог еще один клавишный кудесник - Стефан Мерлин. Благодаря его стараниям и без того небанальные опусы XII Alfonso обрели яркие и мощные вторые планы. Внушительное полифоническое обрамление удачно оттеняет тонкую игровую подачу и хрустальный синтезаторный саунд, присущий большинству произведений авторского дуэта. Что касается редких вокальноориентированных номеров, текстовую часть которых написала поэтесса Лаура Ольтра, то в контексте пластинки они воспринимаются неоднозначно. На мой взгляд, ошибкой было ставить попсово-поверхностный "Hallo You" следом за масштабно-прекрасным интроспективным треком "Hadrian's Wall Overture". В то же время проникновенная воздушная баллада "Breathing, Scarcely (Respirer a Peine)" умело растворена в многослойной структуре "The Lost Frontier" (поёт в обоих случаях Каролин Лафу). К разряду огрех можно отнести и наличие в общей канве эпического повествования совершенно легкомысленного номера "Thirteen Winds (Treize Vents)", чьи ритмичные электронные эскапады отсылают куда-то в середину восьмидесятых. Впрочем, полтора минуса для длящегося 71 минуту релиза - это мелочи. Если же говорить о диске в целом, то большущим его достоинством стоит, пожалуй, обозначить кинематографическую образность: верно схваченный колорит и атмосферу старинных бретонских легенд.
Резюмирую: превосходный образец арт-рокового жанра, чуточку не дотянувший до уровня шедевра. Рекомендую.

Dan Ar Braz "La Mémoire Des Volets Blancs" (2001)

С возрастом велик сооблазн отдаться воспоминаниям. Особенно, если в жизни твоей было немало хорошего. Именно об этих светлых частичках памяти и повествует первый в новом тысячелетии альбом бретонского артиста Дана Ар Браза. Слова здесь не играют никакой роли. Внутренний монолог ведется от лица гитары, деликатным мелодическим языком, коим в совершенстве владеет Дан. Поскольку записывался диск в дублинской студии Windmill Lane, аккомпаниаторами маэстро Ар Браза являлись ирландские музыканты: басист Эоган О'Нил, ударник Рэй Фин, органисты Патрик Перон и Род МакВи, саксофонист Ричи Бакли. При необходимости в действие вовлекались члены Irish Film Orchestra под управлением Алана Смейла. Несколько фраз о музыке.
Яркое ностальгическое путешествие мьсе Дана прошло под девизом "достоинство и элегантность". Никакого скороспелого сумасшествия, прог-роковых заморочек и прочих наносных элементов. Каждый трек пластинки чист, размерен и отточен до кристального блеска. Столь любимая Ар Бразом кельтская стилистика истаяла на горизонте прошлого. "La Mémoire Des Volets Blancs" - предельно искренний и теплый фьюжн, рожденный в тихой акватории умудренного опытом отшельника. Надо быть Мастером с большой буквы, чтобы творить подобные этюды, где каждый гитарный обертон лаконично-зрел и одномоментно невероятно богат колористически. Лучшую вещь релиза выделить практически невозможно: все они спаяны в непрерывную, замкнутую на себя цепочку. Фактором объединения в данном случае выступает сильное гармоническое начало, определяющее настроение программы в целом. Пьесы-отражения и пьесы-размышления буквально купаются в красоте. Слияние звука с образом происходит на почти алхимическом уровне, непостижимом для простых смертных. Вслушайтесь в умиротворенно-чарующие пассажи "Le Mur de Pierres", попробуйте прикоснуться к уютной магии заглавной "La Mémoire Des Volets Blancs", прочувствуйте идущие от сердца щемяще-ласковые волны "Gwerz Rory", насладитесь акварельными образами морского пейзажа в "Kervel (Stories from the Shores)", уловите шуршание подгоняемой ветром осенней листвы ("Silent Heart in the Fall") и, быть может, тогда осознаете главное: только истинным кудесникам ведома тайна сопряженья нот - мистического акта, венцом которого становится божественно прекрасная МУЗЫКА. Перед нами один из избранных. Художник, чье восприятие мира кажется по-детски незамутненным. Скромный гений Дан Ар Браз, дарящий людям крупицы счастья.
... The door is still open. Welcome.

Flairck "The Emigrant" (1989)

Что ни говорите, а десять лет для музыкального коллектива - срок немалый. Отметить юбилей ребята из Flairck решили так, как и подобает любому уважающему себя ансамблю, - выпуском нового альбома. Благо, материала для этой цели хватало. Большую его часть по негласному правилу сочинил неизменный художественный руководитель группы Эрик Виссер (гитары, бузуки, банджо, Хаммонд-орган) на пару с возвратившимся в родные пенаты флейтистом Петером Викерсом. Остальное - на совести великолепной Сильвии Хаутзагер (виолончель, скрипка, арфа, аккордеон) и контрабасиста Стэна Столка. Без коронного хита "Sofia" дело не обошлось. Напомню, что означенная вещь в свое время явилась для Flairck своеобразной путевкой в жизнь; именно ее заводная бесшабашность и напевные гармонии покорили сердца голландской аудитории. Здесь этот драйвовый инструментал представлен в сокращенном варианте и новой аранжировке: перкуссионист Роланд Столк обеспечил ровное ритмическое сопровождение в манере диско, что позволило взглянуть на природу композиции под иным углом зрения. Тончайшей предзакатной красотой напоен номер "Andante Poco A Poco Presto Ma Non Troppo". На передний план тут выходит лирическая ипостась Эрика Виссера - мечтателя, поэта и щедрого душой человека. Невесомые пассажи струнных и духовых, сплетаясь воедино с гитарой, образуют совершенно дивный рисунок. Оригинальным прочтением отличается "New Dutch Dance Music", где отчетливые интонации барокко наслаиваются на вальсовую основу с фольклорным подтекстом. Недлинный этюд "The Milkman", написанный Петером в расчете на флейту, напомнил творения Тийса ван Лира (Focus), только вот настрой у "Молочника", невзирая на юморной посвист во вступлении, отчего-то полнится минором. Едва уловимый сарказм сквозит в расслабленно-мрачноватой "The Flemish Hangover": видимо, за прошедшие годы Flairck изрядно надоело погружать слушателя в радужную беззаботность. Пробил час для акустических путешествий на темную сторону Луны. И хотя звуковые ракеты фламандцев иногда берут старт с почти пионерским задором, все это лишь ширма, за которой бушуют настоящие драмы. Изумительно хорош заглавный опус традиционного свойства, заигравший свежими красками благодаря таланту маэстро Виссера. Сугубо басовая пьеса "The Toll" от Стэна Столка по внутренним кондициям находится в непосредственной близости от отдельных этюдов с сольника Тони Левина "Waters of Eden", и гипотетически вполне могла бы посоперничать с подобными ей микрожемчужинами. Ну, и чтобы развеять сгустившиеся было рефлективные облака, Flairck напоследок одаривают нас шуточно-цирковым "The Decennium March". Прекрасное завершение изысканного банкета.
Итог: очередное замечательное прибавление в коллекцию меломана. Пропускать не советую.

Karcius "Sphere" (2003)

Канадская прогрессивная сцена всегда славилась оригинальностью. В отличие от географических соседей представители ее старались брать не количеством, но качеством. Высочайшая техника исполнения, сложные многоуровневые композиции, необходимая доля агрессивности и при этом весьма своеобразный шарм - таковы условные составляющие, в различной степени присущие большинству команд данного региона. Инструментальный квартет Karcius, образованный франкоговорящими уроженцами Квебека в 2001 г., по праву можно назвать красой и гордостью лейбла Unicorn. "Sphere" - дебютное творение ребят, изначально существовавшее в виде "самопального" релиза, и лишь спустя три года, после заключения контракта с руководством вышеоговоренной компании, переизданное в профессиональном CD-варианте.
Содержимое альбома заслуживает исключительно добрых слов. Во-первых, поражает недюжинное мастерство новичков. Основы звуковой алхимии проистекают из многих источников, но главными ингредиентами здесь являются арт-фьюжн в традициях Brand X, UK и отчасти National Health, а также прогрессив-металл в безвокальной его ипостаси (прослеживаются аналогии с Planet X, Liquid Tension Experiment, Kopecky и им подобными). Отрадно, что дебютанты не стремятся воздействовать на сознание слушателя безудержно-заковыристым "пилиловом". Безукоризненное чувство меры, тонкий художественный вкус, замечательное владение искусством композиции и коллективной импровизации - в итоге получаем самобытный образец жанра.
Открывающий номер "Kunidé" - жутко хитрый микс из гипнотической расслабленно-восточной мозаики с акустическим флером и пространными клавишными оркестровками, колоритного джаз-рока, направляемого приятственными аккордами Fender Rhodes пиано и тяжелого "кримзанутого" прог-саунда. Линию на изощренную вычурность мелодического языка подхватывает "Liquid Meat": путанные хард-джазовые петли этой вещи - истинное удовольствие для интеллектуальных гурманов. Центральную часть пластинки занимает трилогия "Lunatik", гармонично сочетающая хэви-металлические ярость и напор с семидесятнической клавишной фьюжн-схемой. Гитарное сумасшествие, оттеняемое россыпями перкуссии и ходульными басовыми риффами, под занавес трансформируется в озорные морские пейзажи с наилегчайшими, переливчатыми пианиссимо. Зрелый фортепианный классицизм пьесы под названием "1111" сталкивается вплотную с шестью до предела наэлектризованными струнами. Этюд "Labyrinthe" - подлинный бенефис лязгающей и огрызающейся на все лады ритм-секции. Финальная 10-минутная "Absolute Decadence" поначалу удивляет неожиданно красивыми мотивационными экскурсами, ну а затем дело оборачивается примоченным драйвом, элементами фанка и безумно-экспрессивными соло гитариста.
Резюмирую: упертым поклонникам неопрога рекомендовать, пожалуй, не буду, а вот любителям экспериментов на почве прогрессива Karcius вполне способны доставить толику эстетического наслаждения.

Julian Jay Savarin "Waiters On The Dance" (1971)

Чернокожая суперзвезда вселенной, представитель Галактической Организации и Доминионов, космический человек Джаэль Адааман спускается с небес и оказывается в эпицентре свингующего Лондона... Согласитесь, не самая банальная завязка для научно-фантастической эпопеи. Если, конечно, не разуметь под личиной агента внеземных цивилизаций непосредственно Джулиана Джей Саварина, 27-летнего литератора и музыканта, мнящего себя потомком народа майя пополам с индейцами племени карибов. А предпосылки для подобного сопоставления очень даже имелись. К началу 1971 года мистер Саварин являлся автором недавно вышедшей из печати "Трилогии времени", а также создателем и ведущим композитором/исполнителем ансамбля Julian's Treatment. Как он успевал творить на всех фронтах разом - лично мне не очень понятно, но дело у паренька спорилось здорово. Правда, век Джулиановой Терапии оказался весьма скоротечен, тем не менее, уже спустя несколько месяцев маэстро вовсю репетировал с новой командой единомышленников - певицой Леди Джо Мик, гитаристом Найджелом Дженкинсом по прозвищу "Зед", ударником Роджером Оделлом и участником его прошлой банды, басистом Джон Довером. Результатом удачных игровых сессий стал альбом "Waiters On The Dance", концепция коего зиждется на первой части вышеупомянутой "Трилогии". В идейные дебри вычурных фантазий Джей-Джея углубляться не тянет. Посему остановимся на том, что заведомо ближе, - на музыке.
Композиционно пластинка служит великолепным продолжением диска "A Time Before This". Звуковая опора прежняя - массивные клавишные партии Джулиана. Органные стаккато источают мощь и величие, впечатляя не слабее манерных приемов Кита Эмерсона; соло, несмотря на явный проклассический базис, заряжены энергией рока. А уж когда на пару с мастермайндом в действие включается Зед, невольно вспоминаешь молодых Блэкмора с Лордом... Изобретательности "вселенскому супергерою" не занимать. Отталкиваясь от покуда милых сердцу психоделических мотивов, сэр Джулиан строит мостик к брезжущим на горизонте чертогам эпического арта с его внушительным арсеналом средств, покамест будоражащих новизной. Словом, в инструментальном варианте магнум-опус Саварина - серьезная заявка на звание полноценного прогрессив-акта. Впрочем, есть существенный нюанс: вокальные данные Леди Джо Мик, по-своему замечательные, придают работе ощутимый оттенок блаженного цветастого "шестидесятничества". Слушая ее, почему-то мысленно перемещаешься в окрестности Вудстока, откуда доносятся отголоски Jefferson Airplane и им подобных. Довольно характерная певческая подача, по отношению к вступившим в права семидесятым воспринимаемая как консервативная. Ладно, хватит брюзжать. В конце концов, релизу оно нисколько не вредит - и точка.
Вердикт: превосходный образец раннеанглийского прото-прогрессива. Рекомендуется поклонникам жанра, а равно и тем, кто делает первые шаги на пути к постижению сверкающих вершин мирового арт-рока.