29 мар. 2006 г.

Björn J:son Lindh “Svensk Rapsodi” (1989)

«Если бы горы могли петь», - помечтал в 1995-м норвежец Терье Рюпдаль. У шведа Бьорна Джейсона Линда поют. И не только горы. В каждой ноте – блестящие отточия небесных светил, протяжные гармонии скандинавского лета, благоухание трав над полночными водами далеких озер… Скуден язык. Беден до чрезвычайности. Как выразить словами ту совершенную красоту, что питает каждую композицию на альбоме? Как обозначить хотя бы набросками уникальную целостность и самобытность образов? Линд – счастливец. Ибо сумел прикоснуться к хрупкой субстанции вечности, не отрываясь от корней, от священных истоков, имя которым – Швеция. Оригинальный флейтист, пианист и композитор, он в едином порыве создал нечто по-настоящему уникальное. Здесь светлая нордическая грусть соседствует с колоритными аранжировками традиционных мелодий, эфемерные возвышенно-ирреальные отзвуки гармонично вплетаются в канву симфо-роковых оркестровок. Бесподобная инструментальная мозаика, которую Бьорну помогли воссоздать бас-гитарист Сэм Бенгтссон, ударник Аке Сюндквист, скрипачи Ян Уганд и Лина Виллемарк (в паре треков можно слышать ее чарующий голос), гитаристы Хенрик Янсон и Янне Шаффер – закадычный друг маэстро Линда (их, начавшееся еще в 1970-е гг. сотрудничество продолжилось в рамках легендарной команды Isildurs Bane, где оба постоянно фигурируют со времен эпохального альбома “Cheval - Volonte de rocher”).
Бесконечно чарующая музыкальная сказка.

Merit Hemmingson "Balsam" (1975)

Женщины в интеллектуальном роке - явление штучное. Но и такое имеет место быть. Знакомьтесь, Мерит Хеммингсон - "Queen Of Swedish Hammond Folk Groove", как ее величают поклонники. Музыкальную карьеру начала в 1960-е, играя в разнообразных девичьих ансамблях. Однако известность у себя на родине и в ряде европейских стран снискала в качестве сольного исполнителя, композитора и арранжировщика. В основе творчества Мерит - фольклорные традиции Скандинавии, преломленные сквозь призму таких направлений как джаз, классика и арт-рок. Многие именитые шведские музыканты почитали за честь работать с ней. Вот и на данной пластинке в качестве гостей засветились не менее уважаемые трубач Руне Карлссон, флейтист/клавишник Бьорн Джейсон Линд, гитарист Янне Шаффер и ряд других деятелей нордического прогрессива. Двенадцать треков, наибольший из которых длится порядка шести минут. И подобная лаконичность, пожалуй, единственный упрек к содержимому диска. Все остальное заслуживает похвалы: необычный коктейль из симфонического рока, неторопливого уютного фолка, джазовых обертонов, элементов босса-новы, оттеняемый весьма приятным вокализом самой госпожи Хеммингсон. Как ей удается столь гармонично сочетать эти жанровые кусочки в единое целое - загадка. По меркам прогрессивного рока вещи не отличаются головоломной закрученностью, но оно здесь и не требуется. Атмосферный, местами печальный, но удивительно теплый по звучанию орган, красивый женский голос, выводящий бессловесные протяжные рулады, мгновенно узнаваемый уникальный почерк флейты Бьорна Линда. Можно сплавить Баха с аккомпанирующей джазовой трубой, добавить оркестр, толику северной грусти - и никто не обвинит в вычурности. Все очень естественно, как и должно быть в природе. В природе настоящей музыки, которую дарит нам Мерит Хеммингсон.

Opeth “Ghost Reveries” (2005)

После выхода шедевра меланхоличного арт-рока – альбома “Damnation” с шведами случилось много всяких разностей. Во-первых, распрощались с лейблом Music for Nations. А заодно и с продюсером-«дикобразоведом» Стивом Уилсоном. Перешли под крыло Roadrunner Records. И самое главное – обзавелись постоянным органистом, увеличившись, таким образом, до размеров квинтета. Ладно, это все внешняя сторона дела. С музыкой что, спросите? Хм… С музыкой непросто. Ясно одно: прогрессируют, черти. Раздвигают, понимаешь, рамки жанров по самое некуда. В Лунном Городе (именно так расшифровывается название коллектива, почерпнутое из фантастического романа Уилбера Смита) вновь заработал металлопрокат. Только уж весьма необычный. Death / art-rock / prog-metal… Новобранец Пер Вайберг, отвечающий за аналоговое звучание, облагораживает ретро-палитрой зычный гроул Микаэля Окерфельдта (впрочем, соотношение «рыкающего» вокала с чистым равное – 50 на 50). Последнее, пожалуй, единственный элемент экстрима на диске. В инструментальной части особо жестких рифов не наблюдается. Музыка стала разнообразнее, колоритнее, интереснее. Нашлось место даже астральному блюзу – такой вот элемент неожиданности. Один из лучших релизов года.

Lethe “Lethe” (1981)

Lethe – одна из жемчужин голландского прогрессивного рока, яркий и самобытный коллектив, чей единственный инструментальный альбом совсем немногим уступает опусам именитых соотечественников – Focus, Finch и Supersister. Костяк группы составили три школьных приятеля, некогда участники симфо-прогового ансамбля Mirror: Philip de Goey (piano, oboe, flute, cor Anglais), Johan Saanen (bass) и Kees Walravens (guitar, classical guitar). Доукомплектованный парой музыкантов (Thuur Feyen – organ, piano, strings; Hans Lambers – drums, percussion, xylophone, vibraphone, strings) состав приступил к репетициям в 1978 г. А спустя три года невеликая армия рок-интеллектуалов получила роскошный подарок.
На диске четыре композиции. Открывающаяся птичьими трелями и журчанием воды камерно-акустическая “Lethe” настраивает на вполне безмятежный лад. Фортепиано, классическая гитара, английский рожок, гобой, прозрачное струнное обрамление – никакой электроники. Все дышит красотой и покоем. Расслабляешься, готовясь к аналогичному продолжению. Но, как говаривал старый мудрый ребе в известном анекдоте, не дождетесь. “Avebury Circle” – подлинная «обманка». Поначалу джазовое пиано ведет умиротворенный диалог с маскирующимся под сакс английским рожком, чуть погодя в их беседу вклиниваются глубокие басовые нотки и негромкие электрогитарные обертоны. А дальше – истинное пиршество для любителей зажигательного симфонического фьюжн-прога. Точеные партии каждого инструмента, необычные звуковые решения (чего стоят короткие хард-блюзовые вспышки на фоне клавесина). Полистилистика изумляет. Бесконечное разнообразие сменяющих друг дружку в рамках одного трека музыкальных тем. В третьей вещи под названием “Cold in fingers” слушателя подстерегают классный «Хаммонд» и флейта в духе Jethro Tull, бесподобные басовые пробежки и колоритная гитара. Заключительная “Le Tombeau II” – терпкий изысканный фьюжн, способный с лихвой удовлетворить аппетиты гурманов и ценителей жанра. Золотой фонд прогрессива, нестареющая классика.
N.B. В CD-формате запись не выпускалась. Копия произведена с LP.

Pluto "Voyage Into A Dreamer's Mind" (1980)

Молодая (на тот момент) норвежская бригада, исполнявшая приятный для уха среднестатистического прогера мягкий "негрузный" симфо-арт-рок с космическим налетом и неплохой мелодикой. Ближайшие жанровые ориентиры - Nektar и Pink Floyd. Для всего альбома в целом характерны полное отсутствие быстрых ритмов, редкие вокальные вкрапления и наличие красивых (местами - печальных) гитарно-флейтовых интерлюдий. Резких звуков не наблюдается, музыка плавно струится янтарным бальзамом, обволакивая слушателя оттенками "a pleasant mood". Невольно закрываешь глаза, и безвоздушное околоземное пространство становится уютным и обитаемым. Из вещей запоминающихся выделю композиции: "The Struggle", отсылающую к Camel времен "Миража"; "Encounter" с явными фолковыми корнями (ускорить бы раза в три, добавить тяжести - и готов полноценный металлический хит); ну и, пожалуй, замыкающую "Au Revoir", синтезаторные переливы которой воскрешают в сознании знаменитый советский мультфильм "Тайна Третьей планеты". Треки на пластинке по меркам стиля довольно непродолжительные, самый затяжной - 7 минут. Воспринимается альбом крайне легко, под такие удобно коротать снежные зимние вечера (норвежцы ведь!). Четверо из квинтета в 1990-х образовали команду Electric Wonderland, по подаче материала во многом схожую с Pluto. А вообще-то все ребята из ансамбля с богатым послужным списком, успевшие варягом поиграть в самых разных составах; органист Freddy Ruud и вовсе светился одно время в рядах Kerrs Pink.
Подводя итог: мило. Не то, чтоб восхитительно, но мило.

Terpandre “Terpandre” (1981)

Единственный альбом французского прогрессивного ансамбля имени Терпандра – античного поэта и музыканта, одного из лучших исполнителей на кифаре, которому приписывают усовершенствование этого инструмента, а также создание высокого нома (особого жанра религиозной музыки), застольных песен и всякого другого. Очень мягкие и светлые по звучанию полотна коллектива несут в себе заряд мечтательности. Джаз-роковый драйв соседствует с лирической задумчивостью зрелого арта. Двое из участников секстета играют на синтезаторах, электропиано и меллотронах. С этой клавишной полифонией крайне удачно сочетаются скрипичные и редкие гитарные партии. Вокал отсутствует. Весьма приятный для уха симфонический прогрессив-фьюжн, без особых наворотов, зато со своей индивидуальной окраской.

Orphaned Land "Mabool: The Story of the Three Sons of Seven" (2004)

Металлических команд из Израиля до сего времени я, признаться, не слышал. Тем интереснее было знакомиться с альбомом, работа над которым заняла целых семь лет. А причина кроется в монументальности замысла: сотворить эпическое полотно на тему Потопа (именно так переводится слово Mabool), густо замешанное на ветхозаветных сюжетах и мистическом символизме каббалы, с привлечением многочисленного традиционного для народностей Ближнего Востока инструментария (saz, buzuki, oud и др.), еврейского хора и симфонического оркестра. В общем, размах впечатляет. Корни музыки Orphaned Land лежат в дэт-металле, однако в сравнении, скажем, с теми же Opeth звучат ребята гораздо мягче. Соотношение гроула и чистого вокала примерно равное. Прибавьте сюда национальный колорит, лирику на английском, иврите, латыни и йеменском (тексты взяты из Книги Бытия, поэзии Рабби Шалом Шабази и книги "Halel"). Результат - концептуальный этнический прог-металл, до крайности самобытный и привлекательный. Если первый трек еще вызывает ассоциации с прогрессив-дэтовыми коллективами скандинавской школы, то последующие композиции несут на себе четкий ориентальный отпечаток, с редкими вкраплениями индастриала (что в отдельные моменты придает израильтянам схожесть с ранними альбомами Pain of Salvation). Цельная, хорошо продуманная, глубокая работа. Если и не шедевр, то весьма близко к этому.

Jade Warrior “Way of the Sun” (1978)

Jade Warrior из тех странных ансамблей второго эшелона британского прог-движения, к которым нельзя подходить с одинаковой степенью восприятия. На своих ранних пластинках они сочетали экзотическую псевдо-восточную психоделическую размытость с пасторальными балладами и довольно прямолинейными рок-н-ролльными номерами. Подобная эклектика у одних находила горячий отклик (подозреваю, что таких меньшинство), у других вызывала стойкое неприятие. В схожем ключе команда проработала до 1974 г., когда встал законный вопрос: что дальше? Результатом переосмысления музыкальных приоритетов явился отличный альбом "Floating World", обозначивший новую веху в деятельности команды. Его стилистические находки участники коллектива постарались развить на последующих релизах - "Waves" (1975) и "Kites" (1976). Однако смена стилистики пришлась по вкусу не всем. Умственные разброд и шатания привели к сокращению состава до двух единиц. Таким образом, “Way of the Sun” записывался уже творческим тандемом Джон Филд (флейта, клавишные)—Тони Дьюиг (гитары) при гостевом участии друзей. Как и три диска-предшественника, "Way of the Sun" представляет собой всецело инструментальный альбом, подчиненный единой концепции. Филд и Дьюиг вновь обращаются к восточной тематике, только на сей раз "неазиатского" происхождения. Навеянный египетскими мистериями, неспешный, несколько меланхоличный «Путь солнца» демонстрирует прекрасную в своей целостности картину. В звучании много воздушных моментов, колоритных «эфирных наслоений». Однако ритмическая связка ударных и баса вкупе с гитарными выкрутасами не позволяют музыке окончательно оторваться от земли. Масса красивостей, сопровождающих, главным образом, светлые акустические фрагменты. Замыкающий трек “Death of Ra” – тягучее хитросплетение гитар и флейты – порождает размышления на вечные темы. Можно по-разному относиться к творчеству Нефритового Воина в целом, но “Way of the Sun” достоин быть услышанным.

28 мар. 2006 г.

Taal “Skymind” (2003)

- И «Зеленого» переплюнете?
- А чего ж…, - ответили музыканты Taal, почесав в затылках, и задумчиво удалились в студию.
Дебютный альбом французов “Mister Green” (2000) во всех отношениях стал шедевром. И чтобы превзойти его… Но, черт подери, они это сделали! «Небесный разум» отличается не только повышенным содержанием англоязычного вокала, но и революционностью музыкального материала. Все фирменные «фишки» ансамбля на месте (единственное, элементов цирковой клоунады поубавилось). Уникальное в своей гармоничности хитросплетение жанров: арт-рок, джаз-рок, R.I.O., отголоски творчества французских уличных музыкантов, местами чуть ли не оперетта, прогрессив-металлические скорости при удивительной прозрачности всей структуры. Наконец, камерно-симфоническая составляющая, за которую отвечает приглашенный струнный квартет. Taal вновь обескураживают слушателя. Остается гадать, что преподнесут бравые парни в следующий раз. Впрочем, бессмысленная это затея, все равно не раскусишь.

Age Of Silence “Acceleration” (2004)

Очередной совместный проект норвежских мастеров металлической культуры. Под знамена Эпохи Молчания встали участники таких прославленных в «экстремальной» среде коллективов, как Arcturus, Winds, Mayhem, Solefald, Borknagar. Чего можно ожидать от этой развеселой гоп-компании? Умопомрачительной быстроты и резкости блэковых запилов? Спешу разочаровать поклонников «чернухи». Парни играют прогрессив. Играют замечательно. Отголоски прошлого можно уловить разве что в эпизодических бласт-битах «адского молотобойца» Яна-Акселя фон Бломберга да в скоростных клавишных проходах. Гитаристов два: один отвечает за риффы, второй разбавляет упорядоченную структуру композиций авангардно-хаотичными элементами. Обильное оркестровое сопровождение обеспечивает Энди Винтер – органист с классической фортепианной техникой, мастерски использующий разнокалиберные клавишные и синтезаторы. Исполнено все на уровне, но один существенный – и довольно значительный – минус: вокал. Чистый. Однообразно-унылый. Сродни ядовито-бледной обложке неутомимого Трэвиса Смита. Ну, позвали бы Винтерзорга, или там Ларса Эрика Си из Winds – материал бы лишь выиграл. Так нет же, взяли поганца Лазаря. Зря. Очень зря. А музыка интересная.

27 мар. 2006 г.

Iona “Open Sky” (2000)

Красота, как известно, страшная сила. Это убедительно доказывают британские музыканты, ведомые композитором-мультиинструменталистом Дэйвом Бэйнбриджем, на своем седьмом по счету полноформатном альбоме. Удачное слияние традиций кельтского фольклора, не слишком закрученного арт-рока в духе отдельных прогрессивных работ Майка Олдфилда и мотивов бретонского поп-рока а-ля Clannad & Enya. Здесь есть шикарные гитарные соло, пронзительно-нежные партии флейты, электроакустическое звучание скрипки – то драйвовой, лихо наяривающей нечто, замешанное на ирландской джиге, то лиричной, парящей над вершинами Аваллона. Но главный козырь диска все-таки красота. Красота мелодии, голоса, атмосферы... Музыка Iona подобна пейзажу, нанесенному акварелью: сквозь широкие водянистые красочные мазки пробивается тончайшая витиеватость замысла, подлинная звуковая поэтика. Бесподобный вокал Джоанны Хогг возносится к угрюмым северным небесам. А пронзив их насквозь, уходит дальше, заодно увлекая и слушателя в запредельный метафизический вояж… Что добавить? Внимайте. Блаженствуйте. Мечтайте.

Pt. 1
Pt. 2

Overhead “Metaepitome” (2004)

Скандинавское прогрессивное нашествие продолжается. На очереди - молодой финский коллектив Overhead, готовый осчастливить меломанов вторым по счету альбомом. Диск содержит шесть номеров. Открывающая композиция “Metaepitome” – 20-минутный эпик, без проблем вобравший в себя элементы классического арт-рока 1970-х, озрикоподобного спейс-фьюжн, фолк-рока и современного прогрессива. Остальной материал выдержан в схожем ключе. Не очень частые партии флейты, за которую отвечает вокалист Alex Keskitalo, сочный гитарный звук, клавишное разнообразие (меллотрон, рояль, классные органные пробежки в “Butterfly’s Cry”), добротная работа всех музыкантов. Из общего ряда выпадает замыкающая 16-минутная вещица под незамысловатым названием “Dawn”. Ровная, пространно-меланхоличная рок-медитация, приближает слушателя к территориям, застолбленным в свое время легендарными германцами Tangerine Dream. Несмотря на этот чужеродный «имплантант», слушается программа крайне свежо и весьма интересно. Так держать, Суоми.

Ulver “Lyckantropen Themes” (2002)

Допустим, вы – режиссер. Снимаете короткометражку на тему ликантропии (не знаете терминологии – марш к словарям). Актерский состав набран, команда сколочена. Дело за музыкой. А кто сумеет лучше всех вжиться в шкуру зверя и передать нюансы его настроений, нежели норвежская группа с говорящим названием Волки? Вероятно, так мыслил кинематографист Стив Эрикссон, приглашая к сотрудничеству вожака стаи – клавишного кудесника Гарма, прославившего свое имя в рядах легендарных Arcturus.
Ulver образовались на заре 1990-х. Какое-то время исполняли блэк-металл, пусть не совсем типичный, но все же. Однако состав менялся, схема трансформировалась. Блэк—пост-блэк—металлический авангард—… Что дальше? Дарк-эмбиент. EP-диск, продолжительностью в 36 мин., наполнен синтезаторным звучанием с кучей эффектов. Рок-атрибутикой, то бишь живыми инструментами, здесь не пахнет. Но, скажу я вам, сие не в ущерб, а на пользу. С возложенной задачей Гарм справился блестяще. В саунде нет отстраненной холодности, свойственной многим электронным проектам. А что есть? Загадка. В атмосфере царит интрига. Слушая “Lyckantropen”, не знаешь, чем будет наполнено последующее мгновение. При всей лаконичности материала красок хватает. А, учитывая, что это все-таки саундтрек без претензий на полноценный Ulverовский релиз, констатирую: очень хорошо.

Quantum Jump “Barracuda” (1977)

Второй альбом британского коллектива под управлением органиста/вокалиста Руперта Хайна появился на свет год спустя после дебюта. Все та же оригинальная смесь арт-рока с фанком. Драйва чуток поубавилось, возможно, по причине ухода великолепного гитариста Марка Уорнера. Эту потерю музыканты компенсировали за счет приглашенных гостей: мультиинструменталиста Джеффри Ричардсона, гитариста Пола Киоуга, перкуссиониста Рэя Купера, а также знаменитого струнного ансамбля The Penguin Café Orchestra. В результате к привычным звуковым структурам добавилось симфоническое сопровождение, заметно освежив творения группы. В большинстве композиций наличествует элемент балладной расслабленности, свойственный поздним сольным опусам Руперта. Как обычно превосходная работа всех участников, однако при прослушивании явственно ощущаешь: не хватает главного - щепотки былого юмора, той заразительной искорки, что заставляет непроизвольно отстукивать ногой ритм, про себя восхищаясь фантазией и одухотворенным мастерством ребят. В целом же альбом довольно хорош и в качестве финального релиза команды смотрится вполне прилично. В 1978 Хайн выпустил диск “Mixing”, содержащий ремикшированные версии треков с обоих альбомов, и с тех пор никаких вестей от Quantum Jump не поступало.

Isildurs Bane "Mind Vol. 5: The Observatory" (2005; DVD)

В последнее время главный композитор и органист уникального шведского коллектива Матс Юханссон, рассуждая о своем любимом детище, все чаще употребляет слово "альтернативный". И это неспроста. Легенда скандинавского симфонического арт-рока давно уже переросла рамки жанра. Ныне это по-хорошему современный, местами "ершистый" прогрессив, впитавший достаточное количество разностилевых элементов. Эволюция группы, начинавшей с довольно стандартного, окрашенного в сказочные тона симфо-прога, прошедшей через джазовые эксперименты с медной и духовой секциями, шикарные оркестровые работы к сегодняшней оригинальной ипостаси, в чем-то созвучна процессу развития King Crimson. Команд такого уровня в мире даже не десятки, единицы. Что наглядно демонстрирует данная программа. Основу концертного выступления IB составили треки с альбома "Mind Vol. 4: Pass" (2003), в какой-то степени явившегося новой точкой отсчета в творчестве шведов. Сосредоточение на песенной структуре композиций требует привлечения вокалистов. Здесь их три: Christof Jeppsson (acoustic guitar, add. percussion), Mariette Hansson (electric guitar), Linnea Olsson (cello). Поют замечательно, но все же не этого ждешь от Bane, а музыки. И она звучит во всей красе. Особенно на длинных инструментальных темах с шедеврального диска "The Voyage - A Trip to Elsewhere" (1992). Похоже, над оттачиванием различных нюансов этого произведения Юханссон может трудиться бесконечно. И нет предела совершенству. По сравнению с альбомной версией саунд более жесткий, существенно возросла роль гитары, в чем немалая заслуга виртуоза 6-ти струн Юнаса Кристофса (в группе с 1997 г.). Удачно подобран и визуальный ряд, иллюстрирующий музыку. Стилизованные под ретро кадры позволяют нам лицезреть тот самый дом для умалишенных в Берне, где творил Adolf Wőlfli (1864 – 1930), чокнутый гений, вдохновивший ребят из IB на создание "The Voyage". Из бонусов выделю два: импровизацию "The Asylum", записанную на арт-роковом фестивале 2004 г. в Португалии (органист Юханссон в этой вещи помимо клавишных задействует терменвокс), а также эпическую "Celestial Vessel", где заглавную партию ведет джазовый трубач Фредрик Дэвидссон. Плюс аудиоматериал, представляющий из себя четыре новые композиции, развивающие мелодически-песенную линию, взятую ансамблем. Без преувеличения роскошный релиз.

26 мар. 2006 г.

Jan Hammer “The First Seven Days” (1975)

Сын чешского джазмена (а впоследствии – музыкального критика) Ян Хаммер эмигрировал в США, где и приобрел известность в начале 1970-х, играя в составе The Mahavishnu Orchestra. Сольная карьера органиста развивалась весьма удачно. Непрестанно экспериментируя с музыкальной формой, маэстро, тем не менее, всегда оставался коммерчески успешным артистом. Этому в частности, способствовало его сотрудничество с ТВ в 1980-х, а с развитием 3-D технологий Хаммер переключился на мелодическое оформление компьютерных видеоклипов, не забывая о выпуске фьюжн-альбомов. Данная программа – концептуальная инструментальная сюита в 7 частях, стилистически попадающая в разряд «прогрессивная электроника». Как можно догадаться из названия, речь идет о библейской истории сотворения мира. Серьезная работа, базирующаяся на многообразии клавишного саунда (муг, меллотрон, электрическое пиано, синтезатор Оберхайм с его оркестровыми красками и др.). На нескольких треках эпизодически участвуют скрипач Стив Киндлер и перкуссионист Дэвид Эрл Джонсон. В звуковой палитре интересным образом сочетаются эпический размах, психоделические моменты, классический арт-рок, вкрапления этно-фьюжн и прочее.
40 минут интригующе-загадочной музыки.

Алексей Козлов “Genesis” (2002)

«Избранное за сорок лет» - такой подзаголовок украшает коллекционное издание записей именитого музыканта, композитора, джаз- и рок-просветителя и просто замечательного человека. Двойной CD содержит 21 пьесу. Композиции разбиты по хронологии и наглядно демонстрируют пресловутый генезис творческого пути маэстро. От чисто джазовых номеров «доарсенального» периода («Осенние размышления», «Гороскоп») сквозь мощные прогрессив-фьюжн полотна («Сюита Ля-бемоль мажор», «Посвящение Махавишну», «Свет на пути» и др.) к синтезу с академической камерной музыкой («Вспоминая “Эстрелиту”», «Памяти Николая Заболоцкого») и Арсеналу образца XXI столетия («Эхо – вальс во французском стиле», «Небесный голос»). Мастерство, вдохновение, профессионализм. Высочайшее качество материала. Во всех отношениях превосходный релиз.

Pain of Salvation & The Orchestra of Eternity “BE” (2005, DVD + CD)

Замороченное концептуальное творение PoS, ставшее одним из ярких прошлогодних событий в мире прогрессива, обрело достойное сценическое воплощение. Назвать это действо обычным концертом язык не повернется. Похоже, шведский квинтет взял за правило быть оригинальным во всем, начиная выпуском нестандартных unplugged-альбомов и заканчивая еще более нестандартными живыми выступлениями. Безумный спектакль с периодическими переодеваниями фронтмена – харизматичного вокалиста/гитариста Даниэля Йильденлева, в окружении группы (участники которой, за исключением ангелоподобного органиста Фредрика Херманссона, выглядят словно посланцы ада) и оркестра классических музыкантов. Не буду расточать восторженные вопли по поводу артистизма Даниэля – такое лучше увидеть самим. В двух словах о музыке. Жанровый спектр разнообразен: арт-рок в чистом виде, на удивление незначительная металлическая дозировка, блюз-рок, фолк, некое подобие псалма (“Oh Lord…”) – эдакий «белый госпел» в миноре, и обильное симфоническое сопровождение. Редкий случай, когда оркестровки звучат столь уместно и убедительно. Вокал Йильденлева силен и гипнотичен до безобразия. Смотрится и слушается все на одном дыхании. Плюс приложение в виде компакт-диска с аудио-версией шоу. PoS рулят, и дай им Боже…


Tribal Tech “Rocket Science” (2000)

Возможны ли математически просчитанные импровизации? Если – да, то здесь, пожалуй, имеет место быть как раз такой случай. Квартет американских ветеранов-виртуозов джаз-рокового лагеря под управлением гитариста Скотта Хендерсона исполняет инструментальный космический техно-фьюжн. Перечисление разнообразных примочек для гитар, баса и клавишных занимает страницу в буклете. Совершенно уникальный почерк ансамбля лишает возможности проводить явные параллели (как насчет симбиоза Allan HoldsworthOzric TentaclesThe Mahavishnu Orchestra? Фантазирую, однако). Кстати, название для диска подобрано довольно точно. Кажется, весь этот холодный прогрессивный коктейль приготовлен на борту межпланетной станции в окрестностях Марса, но уж никак ни на Земле-матушке. Тягуче-навороченная музыка, обладающая странной, неестественной притягательностью. Добро пожаловать на борт.

Steve Hackett & The Underworld Orchestra “Metamorpheus” (2005)

Новый альбом легендарного музыканта стилистически продолжает линию “A Midsummer Night's Dream” (1997), то есть нечто далекое от рок-территории, зато крайне близкое к симфонической классике. Акустическая гитара маэстро в обрамлении компактного оркестра из восьми музыкантов. В основе концепции диска древнегреческий миф об Орфее. По способу подачи материала данная работа Стива Хэкетта имеет некоторое сходство с программами корифеев жанра – Андреса Сеговии, Джона Уильямса и др. Спокойное, местами драматичное произведение, сочиненное и сыгранное размеренным английским джентльменом при поддержке коллег. Не знаю, насколько сие интересно поклонникам Genesis, но любителям гитарной классики определенно.

Jon Lord “Beyond the Notes” (2004)

Ох уж эти неугомонные старики, чьи имена – эпоха. Кажется, были славные дни в Deep Purple, замечательные сольные альбомы 1970-х, по праву вошедшие в золотой фонд симфо-рока. И можно с чистой совестью удалиться на пенсию, тихо-мирно стричь английский газончик у себя в саду и почивать на лаврах, изредка предаваясь блаженным воспоминаниям… Какое там! Знаменитый органист по-прежнему полон творческих замыслов, подтверждением чему служит данный альбом. Десять красивейших симфонических композиций, записанных при поддержке аккомпанирующей группы и норвежского оркестра The Trondheim Soloists. Энергией игрового рока условно отмечены лишь три вещи: романтичная “Miles Away”, где партию флейты ведет мастермайнд голландцев Focus Тийс ван Лир; великолепная “Cologne Again”, вызвавшая в памяти ассоциации с Groovector; драйвовая симфо-фолковая “The Telemann Experiment”. Еще три композиции – оркестровые баллады, где вокалистами выступают известные лица: Сэм Браун с ее уникальной хрипловато-придыхательной манерой пения (вспомните хит “Stop”, в начале 1990-х щедро крутившийся на всех радиостанциях и ТВ-каналах), Фрида из легендарной шведской четверки ABBA, после 17-летнего перерыва вернувшаяся в музыку. Но лучше всех, на мой взгляд, проявил себя блюзмен Миллер Андерсон, чей голос идеально вписался в лиричную “November Calls”. Из оставшихся четырех номеров три являются посвящениями: трогательная “I’ll Send You Postcard” – памяти Тони Эштона, друга и соратника Лорда, “A Smile When I Shook His Hand” – для Джорджа Харрисона и “Music for Miriam” – чистой воды симфоническая классика, адресованная супруге маэстро. В большинстве случаев Лорд использует фортепиано вместо привычного «Хаммонда», но об этом как-то не вспоминаешь. Настолько хорош “Beyond the Notes” – удивительно гармоничное творение Мастера, дающее душе столь необходимое отдохновение.

Tool “Lateralus” (2001)

В начале своей карьеры калифорнийский квартет исполнял довольно яростный тяжелый альтернативный рок. Однако стремление к эволюции не позволило бравым американцам замкнуться в узких рамках жанра. И слава богу.
“Lateralus” представляет собой оригинальную смесь эпического прогрессивного металла, «индастриал» и психоделии. Композиции развернутые, звучание плотное, несмотря на отсутствие клавишных. Крайне изобретательная и виртуозная работа ритм-секции. Вокал простирается от меланхоличного до умеренно-злобного. Частые переходы от агрессии к тягучим гитарным соло медитативного характера. Явная самобытность материала привлекла внимание самого Роберта Фриппа. В результате – совместные турне с King Crimson, а также приглашение бас-гитариста и ударника команды к сотрудничеству с Эдрианом Белью над его сольным альбомом.

25 мар. 2006 г.

Terje Rypdal “Q.E.D.” (1993)

Аббревиатура расшифровывается как Quod Erat Demonstrandum. Опус 52 одного из самых неординарных музыкантов ХХ – XXI столетий. Если Фриппа, пусть и в шутку, обвиняют в пособничестве пришельцам, то Рюпдаль и есть сущий инопланетянин, для которого отсутствует понятие канонов и границ. Гений иль безумец? Бог ведает. Он движется особым, присущим лишь ему путем, незатейливо вторгаясь в чертоги жанров и стилей, смешивая их в невообразимый коктейль, коему имя – творчество Терье Рюпдаля. По аналогии с фри-джазом, данный шедевр симфонического авангарда можно окрестить фри-классикой. Состав инструментов: electric guitar, flute, clarinet, bassoon, 2 french horns, piccolo trumpet, 2 violins, 2 violas, 2 celli, fretless bass/contrabass, gran cassa. Воспроизводимый этим академическим великолепием хаос не поддается описанию. Из пяти частей шизофренической сюиты просветление наступает лишь в четвертом (жаль, коротком) эпизоде, где, собственно, и звучит то, что так долго ждешь от этого норвежца и за что, в принципе, любишь отдельные его альбомы. Однако подлинная жемчужина диска – семнадцатиминутная Largo (op. 55. “Tresfjord spirits”), мистическое звучание которой поистине бесподобно. Звуковая алхимия маэстро поражает своим над-уровневым пониманием музыкальных процессов. Ясно ощущается лишь одно: искусством проявления гармонии он владеет в должной мере. Однако до создания абсолютной работы (после которой можно вообще ничего не писать), свободной от сомнений и метаний, Терье Рюпдалю оставалось еще десять лет, когда в 2002 г. на его горизонте наконец-то забрезжил «Вечный Свет».

Fruupp “The Prince of Heaven’s Eyes” (1974)

Третий альбом в дискографии ирландского симфо-прогового квартета. По сути, бенефис органиста-гобоиста Стивена Хьюстона (им сочинена львиная доля композиций на диске). В результате имеем самый мягкий по звучанию материал в активе команды. Концептуальная музыкальная сказка, основанная на старинной ирландской легенде, развивается скорее по законам мюзикла, нежели стандартного арт-рокового альбома. Басист-вокалист Питер Фарелли, по примеру тезки Гэйбриэла (Genesis), в каждой песне старается наделять собственным характером всякого персонажа, от лица которого вещает (кстати, голосовые тембры обоих Питеров весьма схожи). Клавишные аранжировки отличаются виртуозностью и каким-то удивительно изящным «моцартианским» привкусом. Наряду с синтезаторами Хьюстон обильно использует чистое фортепиано, чье взаимодействие с гитарой Винса МакКаскера вызывает аналогии с Queen. Изысканная палитра альбома сочетает в себе различные стилистические элементы: вальс, рок-опера, ритм-н-блюз, симфоническая классика и пр. Масса нюансов, оттенков и настроений. Яркий, образный калейдоскоп эпического свойства.
Еще до официального выпуска пластинки композитор и органист Хьюстон покинул ряды Fruupp, объяснив это просто: в рамках коллектива он успел реализовать все, что хотел. Данный факт сильно повлиял на остальных участников ансамбля. Альбом “Modern Masquerades”, поступивший в продажу в 1975 г., получился неровным и по большому счету вымученным. Продолжения не последовало.

Vangelis “Earth” (1973)

Всякий большой художник в своем творчестве проходит через различные стадии самовыражения. Вангелис Папатанассиу не исключение. Помпезный протопрогрессив, исполнявшийся на рубеже 1960–70-х ведомой им командой Aphrodite’s Child, сегодня по большому счету воспринимается довольно наивно. Чего не скажешь о данном альбоме. Концептуальное арт-роковое полотно даже спустя тридцать с гаком лет слушается свежо и оригинально. Не в последнюю очередь благодаря яркому и сочному звучанию. Маэстро синтезаторных грез здесь играет в компании гитариста-вокалиста Аргириса Коулуриса и бас-гитариста-вокалиста Роберта Фитоусси. Короткое хард-роковое интро “Come On” заставляет удивленно вскинуть бровь, ибо подобного меньше всего ожидаешь от этого музыканта. А дальше распахивается удивительная картина в стиле полупсиходелического этнического арт-рока, изобилующая спецэффектами природного характера, перемежаемая распевами африканских племен, шаманским камланием, звуками большого города и прочим. Образы поразительно живые, колоритные и почти зримые. Ближе к финалу калейдоскоп из серии «Вокруг света» уступает место бесподобной балладе “My Face in the Rain” и не менее красивой “A Song”, в которых явственно ощущается стилистика последующих работ исполнителя. Превосходный релиз.

Eris Pluvia “Rings of Earthly Light” (1991)

Толкинутое название альбома и невнятно-радужное оформление пробудили в душе гамму подозрений: мол, хорошего ждать не стоит. Слава богу, ошибался. Итак, итальянцы. Поющие на английском. Вы еще здесь? Ладно, продолжим. Заглавный 17-минутный эпик исполнен в лучших традициях симфо-прога (ассоциаций тут две: Genesis / Camel; главным образом, последние) с налетом джаз-рока (обильное использование саксофона) и фолк-рока. На последующих композициях картинка, в принципе, не меняется, разве что элементы джаза сводятся к минимуму, а симфо-фолковая составляющая крепнет. Вполне приятный мужской вокал, достойный уровень подачи материала. Не шедевр, но весьма и весьма хороший альбом. Есть мнение, что творчество коллектива повлияло на возникновение знаменитых Finisterre и производных от оного.

Porcupine Tree “Warszawa” (2004)

Один из последних концертов PT в классическом составе, состоявшийся 6 апреля 2001 в Варшавской студии Агнешки Осецкой (ударник Крис Мэйтленд покинул группу в марте 2002 г.). Представленный материал в основном состоит из песен с двух альбомов – “Stupid Dream” и “Lightbulb Sun”. Голос Уилсона немного подсел, однако магнетизма и драматических интонаций в нужных местах не утратил. Звучание слаженное, мощное, саунд прописан великолепно. На закуску пара старых номеров – первая фаза “Voyage 34” и замыкающий представление ударный боевик “Signify”. С собственной классикой Стив обращается несколько небрежно. Гитарное соло в «Вояже» (кажется, уже въевшееся в мозг до мельчайших обертонов) отличается от оригинального. И вообще, рисковая затея – отыгрывать вживую навороченный электронный психодел сугубо студийного розлива. В целом же, впечатление от прослушивания самое благоприятное. Всем поклонникам группы настоятельно рекомендую не пропускать.

24 мар. 2006 г.

Mandalaband “Mandalaband” (1975) / “The Eye of Wendor” (1978)

Коллектив имени Мандалы (графическое орнаментальное изображение системы мироздания в представлении тибетских народностей, если кто не в курсе) стал предтечей группы Sad Café. Однако в музыкальном отношении он явился значительно интереснее последователей.
Основателем и главным композитором проекта стал органист (по совместительству звукорежиссер) Дэвид Рол, чья музыкальная карьера началась в 1967 г. с подростковой команды Sign of Life. Впрочем, это совсем другая история. Поэтому вернемся к Mandalaband.
Вышедший в 1975 году созвучный названию группы альбом открывала сюита в четырех частях “Om Mani Padme Hum”, в которой тесно переплетались оркестровый арт-рок, восточный мистицизм с псевдо-тибетским вокалом Дэвида Дюранта и виртуозные джаз-роковые проходы. Остальной материал представлял собою достаточно крепкий симфонический прогрессив в лучших традициях жанра с великолепной игрой всех музыкантов.
В 1978 увидела свет пластинка The Eye of Wendor: Prophecies”, записанная совершенно другими людьми. В коммерческом отношении она оказалась куда успешнее дебютной работы, и причина кроется в масштабности проекта, конкретнее - прогрессивной рок-оперы, принадлежащей перу Дэйви Рола и реализованной силами участников таких команд, как 10 CC, Barclay James Harvest, членами Лондонского The Halle Orchestra и прочих. В качестве вокалистов задействованы Эрик Стюарт, Грэм Гулдман, Мэдди Прайор, Джастин Хэйуорд, Пол Янг - небезызвестные в арт-роковом мире личности. Сюжет малость «толкинутый», и названия композиций типа “Almar’s Tower”, “Witch of Waldow Wood”, “Funeral of the King” также свидетельствуют о фэнтэзи-тематике произведения. Впрочем, музыка очень достойная, хоть и чуточку пафосная (так ведь опера!), электрический инструментарий замечательно уживается с оркестром, а певцы вполне справляются с возложенной задачей. Для конца семидесятых весьма и весьма.
К великому сожалению, на этой мажорной ноте завершилась история Mandalaband. Великолепные музыканты, осознав, что новое время требует иных жанров, предпочли заняться прихардованным помп-роком в составе вышеупомянутых Sad Café.

The Aleatorica Orchestra “Vacavilia” (1993)

Оркестр Алеаторики – детище главы лейбла Boheme Music гитариста и композитора Андрея Феофанова. Один из немногочисленных и недолговечных российских коллективов начала 1990-х годов, ориентированных на интеллектуального слушателя. Альбом содержит девять инструментальных композиций в стилистике прогрессив-фьюжн с налетом психоделии и чего-то неуловимо восточного. Отдаленные аналогии можно провести с творчеством Алексея Козлова и группы Арсенал, а также с Djam Karet периода “The Devouring”. Несколько выбиваются из общей канвы две вещи – “March” и “Liakhn Lia” (фрагменты балета), сочетающие элементы симфонического авангарда с гитарным джаз-роком. Крайне необычный релиз, заслуживающий пристального внимания любителей серьезной музыки.

a-ha "Memorial Beach" (1993)

Немного истории.
1994 год. "Левая" польская аудиокассета. В магнитофоне играет урезанный на пару треков (выяснилось позднее) альбом покуда малознакомых мне норвежцев. Дослушав, переворачиваю и завожу снова. Черт возьми, что за магия кроется в этих мелодиях, звуке, уникальном, покрывающем диапазон в пять октав голосе Мортена Харкета? Кто бы знал...
Шли годы. Менялись обстоятельства, люди, вкусы (в том числе и музыкальные). Любовь оставалась. Почему? Не знаю. Наваждение, не иначе. Интересно другое: отчего коммерчески успешная группа, год за годом выдающая стопроцентные поп-хиты, вдруг плюет на все и выпускает альбом, бесконечно далекий от синтезаторного нью-вэйва, альбом по-настоящему роковый, с вязкими гитарными риффами и ностальгическими органными тембрами по рецепту своих тайных кумиров - The Doors.
"Memorial Beach" сложно классифицировать традиционными терминами. На ум приходит словосочетание "фьорд-рок". Север наполняет вас вечерней печалью и обреченностью в "Cold as Stone", красиво переливается акустическими бликами в "Angel in the Snow" (эх, жаль, не присовокупили в качестве бонуса ее оркестровый вариант, сопровождающий титры концертного видео "Live in South America"), и демонстрирует иные грани собственной сути: страсть к яростному разрушению устоев ("Dark is the Night for All"), ядовитый психоделический морок ("Locust"), сарказм ("How Sweet It Was", "Lamb to the Slaughter"), склонность к рефлексии ("Memorial Beach")...
Неприятие большинством фэнов a-ha этой пластинки понятно: не того ждали. Музыки для танцев не получилось. Зато для души - в самый раз. Еще раз. Еще много-много раз...

The Future Sound of London “The Isness” (2002)

«Осмелюсь доложить…» - помнится, именно этой фразой начинались рапорты бравого солдата Швейка, вызывавшие головную боль и тотальное умопомрачение начальствующих инстанций. Осмелюсь предположить, что последний на сегодняшний день альбом английского дуэта TFSOL способен донести светлые идеи ранних Pink Floyd не в пример адекватнее тех же Porcupine Tree. Вычурные мысли божественных Пинков вновь бередят умы обитателей промозглых Британских островах, невзирая на смену эпох и декораций. В данном случае «привет от Баретта» настиг известный электронный коллектив в момент глубокого переживания стагнации любимого ими жанра. Уловив импульсы конца 1960-х, забив их в свои восхитительные цифровые чудо-машины, доукомплектовав сэмплами, лупами, радиочастотными помехами, аналоговыми синтезаторами и стандартным рок-набором при некоторой поддержке экзотических инструментов, ребята разродились очень интересной программой. Ясно, что столь радикальная смена ориентиров не пришлась по вкусу «кибернетически продвинутой» молодежи, из уст которой послышались презрительные реплики: «арт-рок», «старье», «заумь». Что ж, каждому свое. Однако, если Звук Лондона Будущих Эпох таков в действительности, лично я ничего не имею против. Скорее, наоборот. Ибо музыкальный коктейль, предлагаемый командой, вполне достоин прослушивания меломаном с некоторым наличием мозгов и отсутствием предвзятости по отношению к пограничным направлениям в искусстве создания звукообразов. Готическая отрешенность Dead Can Dance, гипнотизирующая психоделия в духе Ozric Tentacles, оркестровые пассажи и деликатные обертоны фьюжн-гитары, хаммондные призвучия и футуристические кластеры, акустические переборы вкупе с вокалом "под Уотерса", шумы и щелчки радионастройки, соло на саксофоне, вкрапления эйсид-джаза, игра на ситаре… Как видно, в однообразии нынешних The Future Sound of London навряд ли упрекнешь. И, вероятно, благодарить за это следует музу, что надежно сокрыта Темной стороной Луны.
Словом, замечательный и странный альянс старомодного арт-рока с эмбиент-электроникой. Для тех, чье сознание не замыкается в рамках стиля и открыто эксперименту.

Camel “Footage” (DVD; 2004)

Шикарный подарок всем поклонникам творчества Энди Лэтимера и К° преподнесла компания Camel Productions. Данный DVD является по сути неким обозрением ключевых моментов в истории группы, проиллюстрированных выступлениями разных лет и в разных составах. Никаких интервью, закадровых бесед и комментариев. Только музыка. Особо стоит выделить найденные в архивах BBC отменно сохранившиеся пленки, запечатлевшие команду в исконном оригинальном формате: Лэтимер, Барденс, Фергюсон, Уорд, вдохновенно исполняющие "Never Let Go" (1973), "The Snow Goose", "Friendship", "Rhayader Goes to Town" (1975, в сопровождении духового квартета). Далее следуют композиции, отыгранные в 1977, 1981, 1984, 1992 (любительское видео времен гастрольного тура с "Dust & Dreams". Состав: Лэтимер, Бэйс, Симмондс, Бёрджесс. Отмечу поразительную энергетику и мастерство, с которыми действовали ребята. Реакция публики говорит сама за себя) и в 1997 годах. А на закуску в качестве бонуса забавный хард-блюзовый студийный джем, в котором после десятков лет разлуки воссоединились ветераны «верблюжьего движения» Эндрю Лэтимер, Дуг Фергюсон и Энди Уорд. Как говорится, без комментариев.

White Willow “Ignis Fatuus” (1995)

О разновидностях скандинавской меланхолии впору кропать серьезное научное исследование. У норвежцев, судя по всему, она проявляется куда прозрачнее и светлее, нежели у шведов с их суровой депрессивностью и едва сдерживаемой яростью. Итак, что имеем?
Дебютный альбом ныне довольно известных в прогрессивных кругах музыкантов из холодного края снегов и фьордов. Коллекция записывавшихся на протяжении двух лет (1992–94) композиций. По настроению – идеальный релиз для прослушивания дождливым осенним вечером (собственно, самый красивый инструментал на диске красноречиво озаглавлен “Lines on an autumnal evening”). Обстановка почти камерная: флейты, скрипки, гитары, арсенал аналоговых синтезаторов, негромкие ударные. Кажется, убери в звуке электричество – и никто не заметит. Настолько гармонично взаимодействуют инструменты друг с другом. И с вокалами. Особенно женским, прелести неописуемой. Его больше (мужской явлен лишь в паре вещей). Впрочем, процентов на шестьдесят альбом все равно инструментальный. И очень-очень приятный. Местами напоминает творения англичан Karda Estra, только с фолковым уклоном. Премилая песня “Now in these fairy lands” так вообще могла бы недурно смотреться в активе Genesis периода средних семидесятых. Короче, не всем, но избранным рекомендую.

23 мар. 2006 г.

Эдуард Артемьев «Картины-настроения. 1976—83» (1984)

Думаю, нет нужды пояснять значимость фигуры Эдуарда Артемьева для советской и российской музыкальной культуры ХХ столетия. Пионер отечественной электронной музыки, один из признанных столпов жанра, всемирно известный композитор, исполнитель и аранжировщик. Данный альбом по сути своей – сборник инструментальных дорожек к кинофильмам разных лет и абсолютно различных жанров (от масштабной эпопеи А.С. Михалкова-Кончаловского «Сибириада» и фантастического блокбастера «Лунная радуга» до малознакомых широкой аудитории «Инспектор Гулл» и «Жаркое лето в Кабуле»). Несмотря на имеющий место факт компиляции, пластинка производит впечатление полноценной работы, записанной коллективом единомышленников, в числе которых верный соратник Э. Артемьева, оператор синтезатора «Синти-100» Юрий Богданов, возглавляемый им рок-ансамбль «Бумеранг», а также Симфонический оркестр Госкино СССР п/у Ю. Серебрякова.
Все же есть на свете нестареющие полотна. В этом лишний раз убеждаешься, слушая материал двадцатилетней давности, нисколько не утративший актуальности и сегодня (прямым подтверждением тому может служить хотя бы факт прошлогодней обработки британскими ди-джеями композиции «Поход» с ее яркой мелодикой. А я то грешным делом полагал, что автор хита – Вангелис!). Здесь нет эффектов ради эффектов. Создание настроений – вот основополагающая задача. И она реализуется на двести процентов. Масса рельефных образов, столь несхожих по структуре, порожденных равноудаленными жанровыми спектрами (космическая электроника, арт-рок, этника), и в то же время удачно дополняющих друг дружку. Особо хочется выделить «Колыбельную» (к/ф «Ночь рождения») – трогательное воплощение абсолютно земной нежности. Впрочем, все треки достойны восхищения, ибо несут на себе печать высшего мастерства, коим владеть суждено единицам.

Taal “Mister Green” (2000)

Французская прог-сцена бурлит и множится, рождая на свет такие самобытные коллективы, что диву даешься.
«Товарищ Зеленый» – истинный шедевр, настоятельно рекомендуемый к прослушиванию всем без исключения, будь вы ярый поклонник King Crimson, Yes, The Mahavishnu Orchestra иль Группы Александра Костарева – не важно. Вполне может статься, что данная работа этих парней со временем будет восприниматься вехой, подобной легендарному “Hybris” шведов Anglagard (имеется ввиду значимость, а не стилистика альбома). Вдохновенный коктейль из прогрессив-рока с налетом ретро, мощнейшей гитарой и фортепианными пассажами, джаз-роковых гармоний, симфонической неоклассики, вкраплений РИО и zeuhl с ревущей ритм-секцией а-ля Magma, моментов вокально-инструментальной клоунады в духе Фрэнка Заппы и Samla Mammas Manna. В общем, море восторга и долгожданное ощущение свежего бриза, раздувающего латанный парус жанра.

Winds “The Imaginary Direction of Time” (2004)

Предыдущий альбом этой норвежской четверки “Reflections of the I” (2002) был принят и критиками, и слушателями весьма благожелательно. Окрыленные успехом участники проекта решили не отступать от заданного дебютом направления – симфонический прогрессив-металл – и данный релиз показывает рост и развитие материала. Музыка коллектива заметно усложнилась, звучание стало разнообразнее. Это касается и гитарных партий Карла-Августа Тайдеманна и клавишных Энди Винтера, красивейшим фортепианным проходам которого на альбоме отводится больше места. По-прежнему на равных с группой выступает струнный квартет. Скорость и мощь тяжелого рока удивительным образом сливается в нерасторжимое целое со сдержанным симфо-академизмом. Глубокая философская подоплека текстов, оглашаемых певцом и бас-гитаристом Ларсом Эриком Си. Виртуозная работа знаменитого ударника «Хеллхаммера» - Яна-Акселя фон Бломберга (Arcturus, Mayhem). «Ветры» продолжают дуть, соническими волнами охватывая слушателя и унося его в воображаемую вселенную.

Vangelis “El Greco” (1998)

Альбом-откровение. Для меня, во всяком случае. Признанный мастер электронного нью-эйджа и успешный кинокомпозитор Вангелис посвятил данную работу гениальному испанскому живописцу Доменику Эль Греко, выходцу с острова Крит. Концептуальное драматическое полотно в десяти главах (именно так), на 98 процентов инструментальное (вокальные партии принадлежат Монтсеррат Кабалье (4-й трек) и Константиносу Палиатсарасу (7-й трек). Главное достоинство альбома – атмосфера. Нечто завораживающе-темное, объемно-симфоническое и в то же время утонченное, как и одухотворенные шедевры великого художника. 73-минутный музыкальный экскурс в жизнь Эль Греко неотрывно держит слушателя в напряжении. Мрачное трагическое ощущение соседствует с нежностью, на смену сгусткам тьмы приходит задумчивый лиризм. Вангелис поистине гениален в каждой своей ноте. Более добавить тут нечего.

Devil Doll “Dies Irae” (1996)

Вероятно, самая амбициозная работа словено-итальянского коллектива под управлением Мистера Доктора – «человека с 1000 голосов», как его называют поклонники. Судя по всему, «День Гнева» - лебединая песнь одной из оригинальнейших команд современности, ибо почти десять лет от них никаких вестей. Но к делу. Как всегда уникальный сплав оперы, готики, симфо-металла, арт-рока. И конечно самобытные вокальные экзерсисы лидера группы, чьи «байки из склепа» удачно оттеняются нежнейшим сопрано певицы Норины Радован. Еще искуснее и изобретательнее сделались аранжировки. Правда, гитара и ритм-секция продолжают звучать в традициях хэви-агрегатов 1980-х, но и в этом своя «изюмина». Музыка вплотную приблизилась к неоклассике (благо и без того немаленькому составу инструменталистов помогает Словенский филармонический оркестр). В паре-тройке треков задействован церковный орган, весьма к месту. Звучание полифоническое, многослойное и чуточку помпезное. Шедевр? Не без этого.

SBB “Szczęśliwi Z Miasta N.” (1979; DVD)

Warszawa, Sala Kongresowa. “Jazz Jamboree ‘79”
Живое выступление польских мастеров прогрессивного спейс-фьюжн. Привычное трио Скшек – Антимос – Пиотровски на сей раз превратилось в квартет: добавился гитарист-виртуоз Славомир Пивовар. Программа состоит из пяти продолжительных композиций, включая два убийственных «эпика» - "Ze slowem biegne do ciebe" (21:41) и "Going Away" (30:49). Завершающая 14-минутная импровизация дает возможность всем участникам развернуться в полную силу, демонстрируя свои многогранные и недюжинные таланты. Несмотря на несколько усталый вид мастермайнда – клавишника Юзефа Скшека и серьезно-озабоченный гитариста Апостолиса Антимоса, сознаешь, что момент для съемок был выбран крайне удачно: группа находилась на пике своей карьеры. В общем, великолепный экскурс в славную историю восточноевропейского прогрессива. В качестве бонусов прилагаются интервью с Скшеком, фрагменты выступлений SBB образца 2003–04 гг., биография и дискография группы + многое другое.


Camel “A Live Record” (1978; 2 CD)

Двойной компакт диск иллюстрирует концертную деятельность знаменитого британского коллектива в их наиболее удачный период. Если отыгранные классическим составом в 1974 г. “Ligging at Louis” (номер из сольного наследия Пита Барденса) и неизменная “Lady Fantasy” звучат довольно привычно, то композиции с “Rain Dances”, “Monnmadness”, а также “Never Let Go” с дебютного альбома, исполненные в 1977 г. при участии Ричарда Синклера (бас-гитара, вокал) и Мела Коллинза (саксофон, флейта), воспринимаются как прогрессивный джаз-рок. На втором диске разместился классический опус команды – «Снежный Гусь», записанный в The Royal Albert Hall в октябре 1975 г. при поддержке Лондонского филармонического оркестра под управлением Дэвида Бедфорда (+ 2 бонуса – “The White Rider” и “Another Night” с выступления Camel в Hammersmith Odeon в 1976 г.). Надо сказать, в такой аранжировке знакомое до деталей произведение слушается необычно. От клавишных партий Барденса, деликатно оттеняемых оркестром, веет поразительной нежностью и тонкой грустью. В одном эпизоде он вдруг выдает неожиданное энергетическое органное соло на «Хаммонде». Ставший со временем каноническим гитарный проигрыш Энди Лэтимера в “Rhayader Goes to Town” звучит совершенно иначе. Не сказать, что лучше, просто по-другому. Да и ритм-брейки Уорда претерпели изменения. В общем, своего рода эксперимент. Удачный. По мнению некоторых прогрессивных обозревателей, одна из лучших концертных записей всех времен.

Pat Metheny “Secret Story” (1992)

Одаренный музыкант-виртуоз, ставший в 16-летнем возрасте преподавателем гитары в престижном американском колледже Беркли. Его композиционное мышление необычайно пластично. Пэт Мэтини с равным успехом воплощает свои идеи в столь разных жанрах как этно-фьюжн (world music), симфоническая музыка, джаз, рок. Уникальный гитарист со своей манерой игры. Особенно впечатляет использование Пэтом такого инструмента, как 42-струнная гитара Пикассо, сконструированного по чертежам самого маэстро. Но ближе к теме. На «Тайной истории» обрели воплощение разные ипостаси музыканта. Здесь есть и ритмичные вещи с этническим колоритом, за который отвечают участники Pinpeat Orchestra (Королевский балет и хор Камбоджийского императорского двора), искрящиеся солнцем джаз-роковые номера, тихие задумчивые акустические вальсы редкой красоты, исполненные при поддержке Лондонского симфонического оркестра. Гамма красок, настроений, образов. Альбом пропитан лирической интонацией, отражающей воздушный и теплый мир Пэта Мэтини – потомка индейцев, озорного сказочника с доброй улыбкой.

Isildurs Bane “Mind. Vol.4: Pass” (2003)

Серия музыкальных путешествий в область человеческого воображения, начатых прошлыми работами команды, похоже, достигла апогея, выкристаллизовавшись на новом уровне. Переход от обильного оркестрового звучания к песенным основам симфо-прога приятно удивил. Слава богу, это не регресс, не шаг назад. Напротив. «Изильдуры» умудряются даже здесь звучать оригинально. Активное использование клавишником и основным композитором группы Матсом Юханссоном лупов и сэмплов наряду с меллотроном и мугом вносит в музыку дополнительные краски. Весьма приятный мужской вокал достойно вписывается в общую картину, как, впрочем, и женский, напоминающий по тембру Кейт Буш. Замечательная работа, требующая неоднократного вдумчивого прослушивания.

Opeth “Orchid” (1995)

Дебютный альбом шведов – прогрессивный донельзя дэт-металл с частыми сменами ритмического рисунка и мелодических ходов, короткими заездами на джаз-роковые территории, усилившимися на последующих творениях Opeth. Пулеметные скорости чередуются с вылетами в заdoomчивый астрал, и вновь скандинавская меланхолия и акустическая атмосфера печальной замкнутости разбивается о ярость берсерка Акерфельдта, сипло рычащего в микрофон лирику пейзажно-мистического характера. После энного прослушивания начинаешь улавливать в структуре композиций (особенно выделяется в данном отношении “In Mist She Was Standing”) отголоски нордических фольклорных мотивов, тщательно маскированные дисторшированным гитарным звуком. Шесть номеров, 65 минут эпического прогрессив-дум-дэта. Шедевр, одним словом.

Mekong Delta “Visions Fugitives” (1994)

Данная работа, в каком-то смысле, рубеж в творческой карьере немецких прогрессив-металлистов. Команда первопроходцев германского техно-трэша под руководством бас-гитариста Ральфа Хуберта (он же Бьорн Эклунд) всегда тяготела к чему-то большему, нежели умопомрачительные запилы с бесконечными сменами ритмики и сомнительная радость прослыть европейским ответом Watchtower. Знаток и большой почитатель симфонической классики прошлого (а также британского арт-рока 1970-х) Хуберт, являвшийся основным композитором в группе, постепенно вводил в программные творения своей банды обработки сочинений Хачатуряна, Хинастеры, Мусоргского, Genesis среднего периода, как бы подготавливая слушателя к определенной фазе, знаменующей новую ипостась «Дельты Меконга». «Visions Fugitives» - огромный скачок вперед. Из десяти композиций альбома лишь четыре попадают под определение «прогрессив-трэш». Остальное – эпическая «Сюита для группы с оркестром», продемонстрировавшая недюжинные таланты сочинителя Хуберта. Оркестровое звучание, намертво спаянное с тяжелыми гитарами и виртуозной ритм-секцией, чередуется с тихими акустическими вставками, дабы затем снова ввергнуть меломана в атмосферу мрака, где вкрадчивая поступь переходит в яростный натиск. Выбор в пользу классики был сделан окончательно.
И достойным завершением легенды стало последующее творение группы – “Pictures of the Exhibition” (1996), представляющее на суд общественности бессмертное произведение М.П. Мусоргского, сыгранное полностью аж в двух вариантах: 1) для группы и 2) для группы с оркестром. Но это уже совсем другая история.

22 мар. 2006 г.

Quantum Jump “Quantum Jump” (1976)

Британские арт-роковые коллективы второй половины 1970-х, за редким исключением, особой оригинальностью похвастаться не могли. Все же переплюнуть гениальных первопроходцев и титанов жанра – задача, прямо скажем, не из легких. Участники коллектива под названием «Квантовый скачок» невыполнимых целей пред собой не ставили. Они просто шли нетореной тропой остроумного синтеза разудалого фанка с игровым прогрессив-роком и легкими вкраплениями элементов чего-то мексиканского. Получалось свежо, разухабисто и виртуозно. Душой и мозгами проекта был опытный музыкант, композитор и клавишник Руперт Хайн, отметившийся ранее сольными альбомами, исполненными в жанрах прото-прога и авангардного симфонического арт-рока, эпизодическим участием в записях Caravan и других прогрессив-актов, а впоследствии занимавшийся продюсированием разнообразных хороших групп (назову хотя бы Camel). Композиции собственно Quantum Jump достаточно короткие по меркам известного стиля (в среднем от 3-х до 6-ти минут), однако нашпигованы виртуозными пассажами по самое никуда. Игра всех участников коллектива (помимо Хайна, это Джон Джи Перри, известный сессионный бас-гитарист, отменный ударник Тревор Моруа и гитарист Марк Уорнер) выше всяких похвал. В качестве перкуссионистов «засветились» Рэй Купер и Моррис Перт. В общем, довольно занимательно, зажигательно и крайне приятно.

Anthony Phillips “Slow Dance” (1990)

«Медленный танец» вполне может претендовать на звание лучшего альбома в сольной дискографии первого гитариста легендарных Genesis. Подчеркнуто камерное звучание, обеспечиваемое духовым квинтетом (кларнет, гобой, флейты, тромбон, рожок), синтезаторами, перкуссией. Гитары на удивление немного, как, в общем-то, и «роковых» моментов. Да оно и к лучшему. Ибо от этого шедевра Энтони Филлипса веет тихой красотой, невинностью, тонким очарованием. Программа полностью инструментальная, состоит из двух монументальных опусов (24 и 26 минут). И если в первой композиции «Медленного танца» царит атмосфера сдержанного академизма, то во второй его части усиливается влияние электроники, местами звук становится просто «эмбиентным». Однако автору удается на удивление гармонично свести разностилевые фрагменты к общему знаменателю, подчинить полярные музыкальные течения единому замыслу. И в этом - композиторский гений Филлипса, повзрослевшего романтика, мечтателя и философа.

Anthony Phillips & Harry Williamson "Tarka" (1988)

Одна из самых удивительных симфонических работ 1980-х. Два музыканта, стоявшие у истоков таких разных, но без преувеличения равновеликих групп, как Genesis и Gong, объединились для воплощения в звуковую реальность трогательной истории о выдре по имени Тарка, сочиненной Гарри Уильямсоном.
Акустические гитары, клавиши, флейта и саксофон, перкуссия, оркестр... В числе приглашенных инструменталистов довольно известные личности: Lindsay Cooper, Didier Malherbe, Guy Ewans и другие. Никаких певцов, только музыка, говорящая сама за себя.
Здесь Энтони Филлипс вплотную подобрался к рубежу, за которым открывается иррациональное пространство чего-то бесконечно волшебного. Человек, постигший магию музыки и сумевший донести ее до людей, наверное, должен чувствовать себя очень счастливым, ибо отголоски этого счастья плещутся в каждой сыгранной ноте. Вдохновение, красота, гармония - вот краткая характеристика этого шедевра.

21 мар. 2006 г.

Michael Nyman “Gattaca” (1997)

Я не большой любитель саундтреков (если только речь не идет о мастерах отечественной музыкальной культуры: Альфред Шнитке, Эдисон Денисов, Микаэл Таривердиев, Исаак Шварц и др.), но это тот самый случай, когда мелодический звуковой ряд обретает собственную жизнь, благодаря таланту (если не сказать гениальности) композитора, пианиста и дирижера Майкла Наймана. Маэстро, известный своими минималистскими творениями, в данном случае дал крен в сторону эмоционального, скажем так, импрессионизма. Эта музыка способна создать настроение или попасть в настроение – не важно. Она обладает удивительным притяжением, несмотря на присущий оттенок космической отстраненности (но не холодности). Звучание целиком построено на использовании струнных, с небольшими аккомпанирующими (чуть ли не фоновыми) партиями фортепиано (исключение – виртуозная “Impromptu for 12 fingers” на тему Шуберта). В общем, весьма и весьма. Добро пожаловать в завораживающий мир Гаттаки.

Roine Stolt "Fantasia" (1979)

Многостаночник шведского прогрессив-рока, будущий Цветочный Король Всея Скандинавии после ухода из Kaipa не сидел без дела. Изрядно поработав сессионным гитаристом и продюсером, заведя массу полезных знакомств, Ройне созрел для претворения в жизнь сольного альбома. Что и воплотил в результате.
По большому счету это арт-поп-рок с массой приглашенных музыкантов и вокалистов, голосящих исключительно на шведском. Первый трек - "Nytt Blod" - жизнерадостный до идиотизма, с простецкими игрушечными клавишными, блюзовой гитарой и не шибко впечатляющим пением некоего Янне Ахмана. Правда, уже ближе к завершению вещи отчетливо проступают черты будущих The Flower Kings (меллотроновый фон с соло-проходами Ройне). Следующая композиция исполнена в арт-фолковом ключе, маэстро лабает на всех инструментах самостоятельно, а дуэт женского и мужского голосов повествует какую-то бесхитростную историю на родном языке. "Samhallets Olycksbarn" - по началу типичный TFK, но дальше слушать становится не очень занятно из-за дурацкой вокальной манеры Маттса Лофгрена. Куда лучше дело обстоит на "Dodens Ansikte" с неожиданно драматичным голосом вышеупомянутого Ахмана, симфоническими клавишами, фишками "бодинского" розлива и знакомой до чертиков гитарой. Конечно, звучит все не столь шикарно, но коль хотите понять, откуда растут ноги у Цветочных Королей (в частности, у одноименного альбома "The Flower King"), стоит ознакомиться с этим. Оставшуюся часть пластинки занимают пасторальный инструментальный симфо-арт-поп-фолк, плюс мелодичные вещи с вокалом, выпуклым безладовым басом в джаз-роковой стилистике, ударными и перкуссией а-ля диско, саксофоном и очень мажорным, чуть ли не новогодним настроением.
Вердикт: для поклонников Столта новой эры - полезно, остальным - по вкусу.