31 авг. 2008 г.

СВ "До свидания" (1993)

Россия начала 1990-х. Время во всех отношениях смутное, неудобное. "Не дай Вам бог жить в эпоху перемен", увещевали древние китайцы. А уж творить в эту самую эпоху - занятие крайне неблагодарное. Однако отцы-основатели рок-лаборатории СВ, закаленные долгим противоборством с изменчивой фортуной, невзирая на трудности, продолжали действовать, открывая для себя новые горизонты в рамках нестареющих жанров.
Музыкальный материал альбома «До свидания», полностью сочиненный Александром Чиненковым на стихи различных авторов (в том числе писателя Варлама Шаламова и философа Владимира Соловьева), удивляет не столько профессионализмом воплощения (тут уж грех сомневаться), сколько чистотой и проникновенной мудростью. Многоопытный и разносторонне талантливый Чиня, как его называют друзья, сумел гармонично объединить сокровенную лаконичность текстов с изысканным полифоническим звучанием, чему поспособствовали коллеги из основной группы, а также давние знакомцы из Аракса и Воскресения. Композиционное поле искрится вариативными, зачастую несхожими элементами: тут и религиозная глубина православной литургии («Молитва» вступительная), и битловские интонации, звучащие своеобразным парафразом знаменитой “Eleanor Rigby” («Скрипач»), и экзистенциальная арт-н-блюзовая драма («Степной волк»), и минорно-созерцательная пьеса, вполне сгодившаяся бы в качестве саундтрека к экспериментальным видео-инсталляциям гениального Збигнева Рыбчиньски («Милый друг»). На поразительной по красоте «День лугов» отметился уникальный певец Александр Виста (к слову сказать, в 1995 г. он попал в финальную тройку претендентов на вакантное место вокалиста в составе Genesis). Загадочный опус «Роса» в исполнении самого Чиненкова – еще одна ярчайшая жемчужина диска. А венчает это великолепие совершенно ирреальная кода («Молитва» заключительная), замечательная прежде всего дуэтом голосов Андрея Сапунова и Николая Парфенюка. Достойный образец таланта, вдохновения и мастерства, заслуживающий быть услышанным.

СВ "Московское Время" (1984)

На протяжении восьмидесятых-девяностых СВ являли собой музыкальную лабораторию, в составе которой профессионалы своего дела записывали абсолютно нестандартные по советским меркам пластинки, отличные друг от друга как в стилистическом, так и в смысловом отношении. Фьюжн, фанк, неоклассика, арт-рок – всякий раз эксперимент, вечный вызов себе.
«Московское время» – сюита в джаз-роковых тонах на стихи Юрия Левитанского, Арсения Тарковского, Григория Поженяна, Алексея Романова. Оговорюсь: любителю так называемого «русского рока» здесь ловить практически нечего, ибо музыкальная составляющая диска требует от слушателя определенной подкованности. Гитарист-виртуоз Вадим Голутвин, прошедший хорошую школу в рядах ансамбля Аракс, сумел композиционно объединить довольно необычную лирику с еще более непростой мелодикой. Мало того, в структуре сюиты задействован и столь редко встречающийся у наших исполнителей прием как мелодекламация. Открывающая альбом вещь «Вот начало» выдержана в ключе Canterbury art rock и местами напоминает спокойные гармонии Camelовского “Rain Dances”. Однако далее следует полный джаз («Лето») с трубой А. Чиненкова и мастерскими гитарными эскападами маэстро Голутвина. Известные стихи Арсения Тарковского «Вот и лето прошло», в свое время озвученные с экрана Сталкером (А. Кайдановским) и легшие в основу эстрадного хита Софии Ротару, спеты Алексеем Романовым (Воскресение) на фоне озорных фанковых ритмов. И снова джаз – то сумрачный, то прозрачно-изнеженный, то залихватски-хмельной… Романовская «Спешит моя радость», включенная в репертуар его основной команды, подается в обертке фьюжн с прифанкованной ритм-секцией. Замыкающая «Беглец», принадлежащая перу Майлза Дэвиса, своего рода бенефис Александра Чиненкова, демонстрирующего яркий талант духовика.
Уникальная по замыслу, великолепно исполненная и аранжированная пластинка; один из весьма немногочисленных шедевров отечественного интеллектуального рока.

28 авг. 2008 г.

Channel Light Vessel “Excellent Spirits” (1996)

Эклектичная целостность. Такое вот парадоксальное, казалось бы, определение приходит на ум при знакомстве с музыкой Channel Light Vessel. Данный интернациональный конгломерат исполнителей возник по воле клавишника Роджера Ино - брата знаменитого экспериментатора, родоначальника стилистики ambient Брайана Ино. К сотрудничеству инициатор затеи привлек не менее достойных людей: лидера арт-роковой команды Be Bop Deluxe Билла Нельсона (гитары, бас, лупы, перкуссия, пиано), участницу интересного лондонского поп-трио The Dream Academy Кейт Сент-Джон (вокал, гобой, саксофон, фортепиано), американского этнического артиста Ларааджи (он же Эдвард Ларри Гордон, он же Ларааджи Нанананда; вокал, калимба, ситар, гитара), басиста Йена Лиза, ударника Джона Спенса и японскую виолончелистку Маюми Тачибана. Дебютный релиз проекта - "Automatic" (1994) - сперва задумывался как сольный альбом Роджера (коммерческий фактор: имя-то раскрученное). Однако впоследствии все было оформлено должным образом, программа обрела коллективный статус. Что касается непосредственно "Excellent Spirits", то эта пластинка, к сожалению, явилась финальным аккордом в дискографии Channel Light Vessel. Обидно, поскольку их творчество по-настоящему любопытно и многопланово. Вероятно, в предстартовой стадии мистер Ино нацеливался на жанр world music, но результат вышел гораздо объемнее. Каждый из новобранцев привнес в композиционную ткань что-то свое. В итоге мозаичная по сути структура обрела образную, "кинематографическую" выпуклость. Электронные элементы то ли техно, то ли трип-хопа плавно соединились со звучанием рок-гитары Нельсона, характерные для индо-японской этники мотивы влились в атмосферный дрим-поп, расслабленный романтический лаунж-фон замысловатым образом состыковался с явной пародией на эстрадный джаз. Пара бонус-треков ("Decode Me Baby" и "Clear Controls Confirmed") уместно дополняет общую картину. Если первый из них - своеобразная насмешка над рокабилли, то второй - эдакая пейзажно-секвенсорная псевдо-восточная рефлексия, служащая неплохой концовкой для диска.
Итог: крайне самобытный материал. Может понравиться и любителям прога, и поклонникам этно-эмбиента, и всем, кому по душе хорошая оригинальная музыка.

26 авг. 2008 г.

Hidria Spacefolk "Symbiosis" (2002)

Хоть Гидрия - народец космический, прописка у них очень даже финская. Впрочем, на музыку это не распространяется. Ибо ураганный инструментальный коктейль, который предлагает нам квинтет под управлением клавишника Янне Лоунатвуори, начисто лишен географической привязки. Жанр? В целом, прогрессивный спейс-рок. С одним большим НО. Их творчество заведомо шире любых стандартов. И поименовав альбом словом "симбиоз", ребята попали в яблочко. Абсолютно колдовские космизмы синтезаторов, недюжинный драйв, творимый ритм-секцией, хитросплетение гитар - где тягучих, а где и залихватски-риффующих - с проворными наигрышами флейты. Арабские мотивы наслаиваются на шаманящие гортанные звуки диджериду (духовой причиндал австралийских аборигенов), сквозь закольцованные электронные сэмплы просачиваются дурманящие гибкие петли ситара и не менее экзотические арпеджио яванской арфы. Стремительный водоворот мелодий сродни многократно ускоренному дрейфу материков, что неизбежно влечет за собой смену стилевых полюсов, а значит, сонический апокалипсис не за горами. Несмотря на определенную модерновость саунда Hidria Spacefolk, их корни по большому счету в семидесятых. Gong, Khan, Стив Хиллидж - яркие новаторы, начинавшие на пороге "золотой эры" интеллектуального рока. Вот они-то и проторили дорожку уникумам из грядущего поколения. Не случайно наряду с цифровыми клавишными изобретательный малый Янне использует чистое фоно, орган и электропиано. Ну, и конечно, близкие по манере исполнения Ozric Tentacles и Korai Öröm, хотя в сравнении с теми же "озриками" финны выглядят более разнопланово, вводя в палитру помимо вышеперечисленного арсенала мандолину, вибрафон и маримбу. В финале эпического трека "Pangaia" бешеные техногенные пульсации окончательно уходят в сторону, уступая авансцену представителям сугубо академических направлений. Гипернасыщенная ритмика сдается на милость акустических рулад скрипки с виолончелью, меланхолично вальсирующих в околоземном пространстве...
Итог: отличная пластинка, заражающая своим вдохновенным задором, неуемным мастерством и живыми искрами куража. Горячо рекомендую всем без исключения.

24 авг. 2008 г.

RA "Wake" (2007)

RA - совместный проект англичан Роберта Эндрюса и Стива Хиллмена. Оба этих артиста, представляющих лейбл Cyclops Records, доселе творили сольно, каждый в своей уникальной манере. Клавишных дел мастер Хиллмен снискал известность развернутыми научно-фантастическими опусами в диапазоне от пространной краут-стилистики до прогрессива. Что до Роберта, то его всегда тянуло к более традиционным проявлениям арт-рока, - мелодическим пасторалям в духе Стива Хэккетта. И хотя на собственных альбомах мистер Эндрюс выступает прежде всего как первоклассный гитарист, в рамках RA ему пришлось переключиться на бас, поскольку за гитарные партии здесь несет ответственность его коллега Дэвид Гроувз. Усадив за ударную стойку Дэя Риса, участники ансамбля пустились в свободное плавание по волнам инструментальной музыки.
"Wake" - очередная дань эпохе семидесятых. Модерновые элементы в саунде сведены к минимуму. Мягко рокочущие "хаммондные" пассажи маэстро Хиллмена выдают в нем убежденного поклонника Джона Лорда (Deep Purple, соло), Тийса ван Лира (Focus) и Пита Барденса (Camel, соло). Наряду с органом Стив использует синтезаторные сэмплы, копирующие звук меллотрона и муга. Напевные басовые проходы Роберта красноречиво свидетельствуют: исполняющий их человек - гитарист по призванию. Яркая лирическая подача Дэйва Гроувза напоминает Энди Лэтимера (Camel) - лишний повод для радости поклонникам симфо-прога. Вообще, ткань альбома неоднородна. Особенно это касается первой половины пластинки, пять или шесть треков которой являют чередование классически ориентированных арт-композиций с вещами, структурно близкими хард-року (однако, ходульные рефрены последних лишены свойственной жанру жесткости, из-за чего и воспринимаются, как нечто оригинальное). Прибавьте сюда факт раздельного авторства (коллективных произведений на диске немного), что, впрочем, нисколько не портит картины в целом. Вторая часть программы содержит более единообразные, утонченно-проникновенные пьесы. Дополнительный колорит вносит гостевое присутствие скрипача Фила Моргана. Настроение релиза приобретает легкий элегический оттенок. Грозовые шумы, открывающие финальный этюд "At Last", отдаляются, уступая место птичьим трелям. И на этой возвышенно-чистой ноте действо постепенно сворачивается...
Итог: хороший альбом. Рекомендую.

21 авг. 2008 г.

Trion "Pilgrim" (2007)

Семидесятые forever! Так, пожалуй, можно охарактеризовать вкратце творчество голландцев Trion. По признанию музыкантов, их оформление в виде самостоятельного проекта - случайность. Эдо Спаннинга (орган, меллотрон, фортепиано), Менно Бумсма (ударные, перкуссия) и Эдди Малдер (гитара, бас-гитара) вполне вольготно чувствовали себя, играя в родных командах: ударник - в интересном инструментальном ансамбле Odyssice, а клавишник с гитаристом - в известной неопроговой группе Flamborough Head. Однако, божественные пути музыки неисповедимы. И вот уже новоявленное трио на всех порах записывает диск "Tortoise" (2003) - сказочную оду аналоговой эпохе. К несказанному удивлению трионовцев, их дебютное творение вызвало приличный резонанс в международной арт-роковой аудитории. Cтраницы печатных изданий и сайтов запестрели хвалебными рецензиями, меломаны из различных уголков планеты атаковали вопросами о концертах. Даже финское прогрессивное сообщество Colossus, пробудившись от зимней спячки, пригласило фламандское трио к сотрудничеству над очередным тематическим "блокбастером" (это ли не свидетельство успешного старта?), и те с радостью приняли предложение, сочинив бессловесную пьесу "Frank" для концептуального cборника "The Spaghetti Epic". Словом, после такого ожидание второго полнометражного опуса от Trion казалось делом вполне закономерным. И парни не подкачали. "Pilgrim" (2007) - очередное ретроспективное обращение к прог-истокам. Тринадцать треков, включая бонусы ("Out There Somewhere" + свежая 23-минутная версия вышеупомянутой вещицы "Frank"). По сравнению с предшественником в звуковой палитре усилилась роль акустических красок. Причем, манера исполнения Эдди Малдера на классической гитаре довольно многолика: от пространно-фоновой, подчеркивающей колоритное клавишное великолепие маэстро Спаннинги, до барочных интерлюдий ("How We Used to Go") в духе Яна Аккермана (ex-Focus). В структурном отношении нельзя не отметить один существенный момент: Trion обрел собственное лицо. Если "Tortoise", при всем его вдохновенном блеске, воспринимался по большому счету как некий дежа вю-коктейль, содеянный по старинным рецептам (возьмем Camelоподобную основу, добавим щепотку Genesis, немного Pink Floyd, чуть сдобрим эссенцией из King Crimson, остальное по вкусу), то "Пилигрим" - произведение целостное и в общем-то оригинальное. Каноны, вероятно, остались прежними, но вот переосмыслены они в довольно любопытной форме. По характеру эта пластинка вышла куда более спокойной, размеренно-умудренной. В саунде много воздуха, балом правит трогательная, ностальгическая по сути мелодика. "Плесните волшебства в хрустальный мрак бокала"... Оно и есть. Зрелый романтизм обыкновенного чуда, дошедшего из Страны тюльпанов. Наслаждайтесь.

19 авг. 2008 г.

Thieves' Kitchen "The Water Road" (2008)

Лидер TK Марк Роботэм как всякий хороший стратег умеет вовремя выявить собственные слабые места, дабы в последующем не наступать на те же грабли. С момента выхода диска "Shibboleth" минула пятилетка. Тогда, если помните, Thieves Kitchen, изначально причисляемые рецензентами к непрогрессивному движению, ударились в замысловатый арт-фьюжн. Оставалось только догадываться, какие шаги предпримут в будущем бравые экспериментаторы. Но вряд ли кто верил, что Роботэму достанет смелости на кардинальную смену имиджа группы. Просчитались. Марк перехитрил всех и совершил ход конем. Место выбывшего клавишника Вольфганга Киндла, доселе верой и правдой служившего ансамблю, занял не кто-нибудь, а сам Томас Юнсон, органист легендарных шведских симфо-прогеров Änglagård. Однако дальновидному руководителю TK и этого показалось недостаточно. Из той же Скандинавии он выписал пару флейтисток - коллегу Юнсона по Änglagård Анну Хольмгрен и Стину Петтерссен. За компанию позвал старого знакомого, духовика Пола Бичэма (гобой, саксофон). Остальные члены команды - гитарист Фил Мерси, басист Энди Бонэм и певица Эми Дарби - свои посты сохранили. В таком вот усиленном составе Thieves Kitchen и отправились в студию.
С первых же мгновений становится ясно: "The Water Road" перекрывает прошлые достижения коллектива. Приток "свежей крови", несомненно, пошел на пользу. Благодаря приверженцу аналогового ретро-звучания Томасу слушатель имеет возможность погрузиться в хаммондно-меллотроновую истому, украшаемую минорным придыханием флейты. Получается весьма любопытный симбиоз типа U.K. + Änglagård: прогрессивно-джазовые структуры гитары и ритм-секции англичан наслаиваются на проклассический базис, прикрываясь типично нордической атмосферой в ее исконном меланхолическом воплощении. Голос вокалистки виртуозно подстраивается под непростую композиционную основу. Если в открывающем 21-минутном эпике "The Long Fianchetto" академическая манера Эми слегка напоминает Энни Хаслам (Renaissance), то далее она возвращается к свободной интимно-камерной подаче, свойственной предыдущей работе TK "Shibboleth" (2003). Жемчужина релиза - волшебная "When the Moon is in the River of Heaven" с неспешным развертыванием мелодической картины, где все зиждется на полутонах. Короткая, репризного свойства "Plaint" - бенефис мисс Дарби; здесь она не только поет, но и играет на арфе. А вообще слабых эпизодов на "The Water Road" попросту нет. Маэстро Роботэм и К°, быть может, того не подозревая, изваяли шедевр - тонкий, настроенческий, полный тихого, скромного очарования. Рекомендую.

18 авг. 2008 г.

Chance "Escape to Horizon" (2000)

Все течет, все изменяется: люди, времена, технологии... А полку мечтателей, как и прежде, не убывает.
Спустя шесть лет с момента записи "Dunes", Лоран Симоннэ решил вновь напомнить слушателям о себе. Если дебютный альбом маэстро с друзьями реализовывал собственными силами и фактически самиздатом, то с началом Миллениума ситуация для Лорана значительно улучшилась. "Escape to Horizon" писался в студии, принадлежащей редактору фэнзина "Harmonie" Жан-Клоду Граньону. Выпускающий лейбл - обитель мирового прогрессива компания Musea - учтя пожелания мсье Симоннэ, любезно предоставила в его распоряжение четырех гитаристов, двое из которых хорошо известны любому современному арт-рокеру: лидер шведских симфо-ретро-прогрессивистов The Flower Kings Ройне Стольт и ведущий музыкант проекта Minimum Vital Жан-Люк Пейссан. Остальные мастера струнных дел - Патрис Барре и акустический гитарреро Джордж Пинилла. Партии клавишных, ударных и баса Лоран взял на себя. Морская тематика "Dunes" по старой памяти сквозит лишь в первом треке "Aquatic Fiction", сыгранном на пару с верховным Цветочным Королем "всея земнаго шара". Следующий за ним нежный этюд "Ilona" заботливый муж и любящий отец Симоннэ посвятил дочурке Илоне. Возвышенный лиризм, навеваемый синтезаторно-фортепианными пасторалями и рефлексивными соло-проходами электрогитары Ройне, эмоционально окрашивает 11-минутную "From Here to Infinity". До предела мелодические построения обоих исполнителей и впрямь кажутся устремленными в бесконечность. "The Dreaming Zone" - сольный номер мастермайнда проекта с фиксацией на многоликом саунде клавишных. Сменяет его трехчастный опус "The Time Human Machine" с весьма узнаваемыми менестрельскими переборами Жан-Люка Пейссана, чуть резковатым саундом инструмента Патриса Барре, красивыми мотивационными линиями и полифоническим обрамлением от самого Лорана...
Заключение: на мой взгляд, "Escape to Horizon" вышел целостным и где-то даже более романтичным, нежели "Дюны". Остается лишь удивляться той юной чистоте души, какую демонстрирует зрелый волшебник Симоннэ, продолжающий вдохновенно творить в свое удовольствие. Маленький шанс на чудо для избранных. Не упустите.

17 авг. 2008 г.

Jaén Kief "Las Hadas No Vuelan Mas - I. Vagas Nubes" (2006)

География арт-рока прирастает новыми территориями. К делу создания музыкально-интеллектуальной мифологии подключились колумбийские сказочники Jaén Kief. Образовавшись в начале 1990-х, эти бойцы долгое время существовали как некий творческий конгломерат исключительно сценического свойства, да к тому же без названия. Материал у ребят имелся собственный, и в процессе его шлифовки стала вырисовываться претензия на концептуальность замысла. После всех пертурбаций состава определились, наконец, и с именем коллектива (по признанию гитариста Хуана Карлоса, наименование отыскали чуть ли не методом "тыка" при помощи малого энциклопедического словаря Larousse: словом "Jaén" обозначается один из сортов винограда, выращиваемого в Испании, в то время как термин "Kief" выражает популярную в Древнем Востоке идею "абсолютного счастья"; отсюда, кстати, и распространенное у нас жаргонное "кайф"). Дебютная работа "Райской ягоды" (прошу прощения за вольный перевод) представляет собой неожиданно интересный и довольно самобытный симфонический прогрессив. Альбом, по мысли участников группы, первая часть волшебной истории про то, что "Феям больше не летать". Оставив в покое текстовую подоплеку, обратимся к музыке. Здесь все очень и очень неплохо. Соединение фольклорных мотивов с заимствованиями из области оркестровой классики и собственно рок-конструкциями в целом себя оправдало. Насыщенное полифоническое звучание поддерживается за счет аж трех гитар, духовых, клавишных, ритм-секции, дуэта вокалистов противоположного пола и эпизодического включения хора. Синтезаторные мелодические линии тяготеют к псевдо-барочным виньеткам, выразительные флейтовые пассажи кому-то, быть может, напомнят Jethro Tull, но лично мне на ум приходят более близкие по духу нашим героям испанцы Gotic. Что касается электрогитарных соло, то их истоки явно лежат в наследии корифеев жанра типа Pink Floyd. Певцы воспринимаются как типичные "эстрадники" (особенно, в момент совместного вокалирования в заключительной фазе трехчастной композиции "Duerme bien", где диско-ритм соседствует с брасс- и рок-секциями). Хорош замыкающий 9-минутный номер "Brujo negro", монотематизм которого обыгрывается различными стилевыми приемами - от фолка до фанка, джаза и симфо-арта. Большинство используемых Jaén Kief ходов по-своему оригинально и в драматургическом контексте пластинки выглядит по меньшей мере свежо.
В общем, потенциал у амигос есть, и остается пожелать им дальнейших успехов на избранном поприще.

16 авг. 2008 г.

Chance "Dunes" (1994)

Видимо, Лорану Симоннэ на роду было написано стать художником. Творцом образов, воплощаемых в жизнь с помощью звуков. И в этом он преуспел.
Инструментальный проект Chance - любимое детище композитора/исполнителя Симоннэ. Будучи импрессионистом по душевному складу, да к тому же романтиком по натуре своей, Лоран и в помощники старался подбирать похожих на него мечтателей. В итоге единомышленники подобрались что надо: басист Жан-Люк Фабр, ударник Игорь Молчанов, три гитариста - Патрик Амар, Кристиан Лагард, а также лидер бельгийской прог-команды Now Винсент Фис. Некоммерческий характер музыки Chance вполне очевиден. Шесть пролонгированных треков, от семи до тринадцати минут длиной, являют собой арт-рок в его наиболее мелодическом варианте. Мотивы гаснущих огней и далеких дюн, морских пейзажей и выплывающих из тумана маяков... Отсутствие вокала компенсируется тематическими диалогами, разыгрываемыми гитарой и клавишными. Синтезаторные структуры Лорана тяготеют к теплой атмосферности саунда, как бы омывающей конкретику звучащих струн. В определенной степени его подход близок к артистам нью-эйджевого толка, однако остальные участники коллектива все-таки принадлежат к рок-лагерю. Композиционные линии строятся достаточно деликатно. Догмой выступают два основных пункта: тембральная красота и кинематографическая выпуклость, "осязаемость" каждой ноты. Подобная элегантность манер роднит французов с ансамблями южноамериканского звена, при желании можно даже провести некоторые аналогии с бразильцами Tempus Fugit. Ворожба над мельчайшими элементами сонических ландшафтов вызывает ассоциации с Camel начала 1980-х. Впрочем, это все детали. Творчество Chance в целом самодостаточно и каким бы то ни было сравнениям не подлежит.
Не ищите здесь концептуальных глубин, замысловатых пассажей, технически изощренных партий... Музыка Симоннэ для людей с воображением, уставших от разрушительно-негативных будничных реалий. Так что делайте выводы.

15 авг. 2008 г.

Coste Apetrea "Rites Of Passage" (2006)

Этот человек, внешне похожий на Фрэнка Заппу, по сути своей является не меньшим экспериментатором, нежели легендарный создатель The Mothers of Invention. Румын по происхождению, Костэ обрел мировую известность в середине семидесятых как гитарист культовых шведских прог-рокеров Samla Mammas Manna. Однако то лишь вершина айсберга. В творческом активе маэстро Апетреа по меньшей мере дюжина проектов разной стилевой направленности. Но сейчас речь пойдет не о них.
"Rites Of Passage" - пятый на сегодняшний день сольный альбом удивительного музыканта. Семь по большому счету инструментальных треков, в головоломно-напористое содержание которых вряд ли получится "въехать" при первом знакомстве. Трудно поверить, что разменявший шестой десяток лет Костэ способен на подобное. И тем не менее: горячий, атакующий, заковыристый прогрессивный фьюжн обрушивает ударную мощь на голову меломана без лишних экивоков. Виртуозная гитара стремительно пересекает границы жанров, то вторгаясь на территории джаз-роковых богов Mahavishnu Orchestra (характерные дуэли со скрипкой и звукоизвлечение а-ля Джон МакЛафлин в композициях "Romana Lucia" и "Conversation with Santiago"), а то и вовсе осуществляет набеги в области, традиционно закрепленные за прогрессив-металлическими кумирами Dream Theater. При этом всю основную работу Апетреа проделывает самостоятельно, также отвечая за партии бас-гитары, клавишных, ударных и перкуссию. Периодически к действу подключаются и другие профессиональные исполнители: скрипач Сантьяго Хименес, басист Роберт Эй, саксофонист Андерс Польссон, духовик и пианист Бобби, ударники Оке Эрикссон и Петер Эйре. До предела насыщенное нюансами полотно "Rites Of Passage" по своим ритмико-мелодическим структурам напоминает творения заокеанских молодчиков Planet X. Впрочем, к гипотетическому слушателю Костэ относится не в пример более гуманно. Его музыка, невзирая на гиперкомплексность, остается эмоционально окрашенной, с завуалированной толикой юмора и оттенком лиризма в редких акустических эпизодах.
Итог: любителям спокойных мотивов рекомендовать этот диск я не буду. Тем же, кто не прочь окунуться в стремнину, советую приобщиться. Есть шанс получить удовольствие.

13 авг. 2008 г.

Narrow Pass "A Room of Fairy Queen's" (2006)

Марко Монтоббио свою музыкальную карьеру начал на заре 1980-х. Именно тогда и был созван первый состав Narrow Pass, в силу обстоятельств распавшийся, не реализовав ни одной пластинки. Сам же мастермайнд влился в ряды славного (и ныне уже легендарного) ансамбля Eris Pluvia. Однако покинул его до записи "Rings of Earthly Light" - альбома, увековечившего имя этой итальянской формации в истории мирового прогрессив-рока. Тем не менее творческие разногласия не отразились на личных отношениях с экс-коллегами. Посему, когда перед Марко обозначилась возможность возродить собственное детище, он без колебаний обратился за помощью к двум бывшим соратникам по Eris Pluvia - духовику Эдмондо Романо (также The Ancient Veil, Höstsonaten, соло) и певице Валерии Каучино. Несмотря на тот факт, что синьор Монтоббио - мультиинструменталист-многостаночник, проект Narrow Pass по своим характеристикам является полноценным составом. Помимо вышеозначенных персон, в числе участников фигурируют: бас-гитарист Роберта Коста (в конце 1970-х играл в команде Orchestra Njervudarov), певец Алессандро Корвалья (La Maschera Di Cera, Höstsonaten), ударники Альфредо Вандреси и Саверио Маласпина.
Итак, "A Room of Fairy Queen's" - то есть "Обитель королевы эльфов". Волшебная тематика диска предполагает наличие красивых тематических решений. Таковых хватает. Как композитор Марко отлично чувствует мелодию. Воплощенные под его руководством мотивы отличают, с одной стороны воздушность и деликатность, а с другой - полифоническая комплексность (иными словами, "оркестровость звучания"). Клавишные партии, ведомые маэстро, как бы растворены в общей богатой палитре, но в то же время именно они цементируют соническое пространство всей работы в целом. В плане гитарной техники Монтоббио выступает явным последователем Стива Хэкетта и Энди Лэтимера: здесь его подача варьируется от лаконично-ненавязчивой до выразительных соло-проходов. Отсюда и легкие реминисценции с Camel периода 1990-х. Флейтово-саксофонные пассажи Романо, как и ожидалось, безукоризненны: мастерство, отшлифованное до скромного блеска. Вокалосодержащая часть хоть погоды и не делает, но и картины, слава богу, не портит: возвышенный и нежный голос Валерии очень хорош; что до хрипловатых тембров Алессандро, то они навевают некоторые ассоциации с представителями эстрадных жанров. Впрочем, бессловесных пьес тут все равно больше.
Итог: приятный альбом. Без претензий на шедевральность и "прогрессивность", без новаторских открытий. Но приятный. Рекомендую поклонникам мелодического арт-рока и прочим любителям изысканно-утонченной музыки.

12 авг. 2008 г.

4/3 de Trio "Ers4t3" (2004)

С первых же тактов – ощущение дежа-вю. До боли знакомый минорный «напев» меллотрона... Не иначе, Änglagård перебрались во Францию, решил я, разглядывая сумбурное оформление компакта. И действительно, начальная композиция на втором по счету альбоме «гарных лягушатников» – косвенная отсылка к творениям стокгольмских классиков жанра. Впрочем, ничего удивительного тут нет. Просто четверо инструменталистов из Гренобля тоже обожают ранних King Crimson. И это, несомненно, им в зачет, равно как и насыщенный аналоговый саунд, придающий определенную теплоту весьма заковыристым сочинениям 4/3 de Trio. В двух словах, перед нами современное переосмысление канонов симфо-рока, джаз-рока и, в незначительной степени, прог-металла, выраженное средствами ретро-прогрессива (сам не понял, что написал). Удачно задействовав струнную группу на вступительном треке "Solimhinärm" (а название-то шведское!), и тем самым зацепив слушателя на крючок, ребята начинают разруливать ситуацию по полной. Идущий следом номер "Ers4t3" объединяет проклассические элементы с ядреным арт-роком эталонного качества. "Bleu Cerise" – сочетание авант-джазовых мотивов (к делу подключается саксофонист Рафаэль Картелье) с мелодической конкретикой. На "Ayahusca" элегический посыл чудным образом перетекает в терпкий фьюжн высшей пробы. Все до крайности виртуозно, написано и исполнено с чертовски хорошим вкусом, тактично и аккуратно. Белой вороной смотрится лишь фламенкообразный акустический этюд “Ocean”, сыгранный в традициях Эла Ди Меолы. На почти 17-минутном эпике "Kossmokardak" разнокалиберные линии сходятся в одной точке: тут вам и яркий гитарно-органный драйв в духе Finch, и практически цирковая инструментальная эквилибристика, и много чего еще. Меланхоличный "La Blonde" –единственный опус на диске, содержащий вокальные партии, причем, сдвоенного образца: вместе с гитаристом Гийомом Фенуа поет специально приглашенная Эльза Клайнберг. Особняком стоят два бонуса, представляющих безбашенное прогрессив-металлическое наяривание драммера-мультиинструменталиста Дидье Пежерона, трагически погибшего незадолго до выхода релиза в свет...
Дивная, увлекательная работа, за прослушиванием которой совершенно не замечаешь времени. Хочется выразить отдельную благодарность компании MALS, издавшей в России по лицензии один из несомненных шедевров нового тысячелетия.

4/3 de Trio

10 авг. 2008 г.

Lito Vitale Quinteto "Un Solo Destino" (2003)

Аргентинский музыкант Лито Витале (р. 1961) - весьма уважаемая персона у себя на родине. В 14-летнем возрасте вместе с сестрой Лилианой он создал симфо-артовую команду M.I.A. (Músicos Independientes Asociados), чье наследие ныне по праву входит в "золотой фонд" латиноамериканского прогрессив-рока. Сольная дискография Лито довольно обширна. Блестящий и разносторонний пианист, одаренный композитор, этот человек не замыкается в рамках какого-либо жанра, непрерывно двигаясь вперед, решая задачи различной степени сложности. В итоге "копилка" его работ насчитывает как спокойные нью-эйджевые пластинки, так и эксперименты с фольклором, джазом, роком, неоклассикой...
"Un Solo Destino" - первый альбом формации Lito Vitale Quinteto, в которой, помимо самого маэстро, участвуют гитарист Эрнесто Снайер, басист Гвидо Мартинез, ударник Даниэль "Пипи" Пьяццолла (внук знаменитого Астора Пьяццоллы), перкуссионист Мартин Гонзалес и духовик Диего Клементе. Полностью инструментальный (если не брать в расчет эпизодические бессловесные вокализы Лито), необычайно яркий, насыщенный нюансами диск исполнен в манере, обычно обозначаемой размытым термином "world music" (согласно общепринятой международной классификации). На деле синьор Витале с поразительной пластичностью соединил наиболее удачные находки прошлых работ, смешал многое из того, что сам он любит в музыке. И в результате получилось изысканное кружево, тончайшее по рисунку, но вместе с тем удивительно прочное. К глубинной комплексности арт-рока Лито добавил мощный фолк-фьюжн (на переднем плане флейта и клавишные), приправил щепоткой страстного аргентинского танго (а как иначе, если у тебя в составе играет Пьяццолла!), ввел фламенкообразные позывные гитары, нанес легчайшие оркестровые мазки и ... Закрутился радужный калейдоскоп, словно отсвет волшебного фонаря. По степени эмоционального воздействия "Un Solo Destino" не слабее "The Grande Passion" (2000) великолепного Эла Ди Меолы, по красоте и элегантности образов сопоставим разве что с "Secret Story" (1992) Пэта Мэтини. Словом, перед нами чертовски роскошное полотно, сотворенное подлинным Мастером. Так что, дорогие господа меломаны, не теряйте времени понапрасну. Просто прибавьте громкость и окунитесь в захватывающую звуковую вселенную Квинтета Лито Витале.

9 авг. 2008 г.

No-Man "Schoolyard Ghosts" (2008)

Редкий пример чистого искусства. Единение музыки и текстов. Удивительное сопряжение загадочно-романтического названия альбома ("Призраки школьного двора") с не менее интригующим содержимым диска. Плюс практически совершенная целостность и законченность звукового полотна...
Дуэт No-Man - это Тим Боунесс (вокал, лирика) и многостаночник Стивен Уилсон (гитара, клавишные, программирование) - специалист по Дикобразоподобным деревьям и прочим странностям. За время своего существования (без малого двадцать лет) ребята успели выпустить множество разнообразных по качеству релизов, в которых экспериментировали с жанрами и мелодической подачей; мешали компоненты в различных пропорциях, пытаясь добиться идеальной сбалансированности всех элементов. И тут, похоже, они вплотную приблизились к искомому "золотому сечению".
Без помощников No-Man, как правило, не обходятся. В прежние годы с ними сотрудничали такие "монстры", как Роберт Фрипп (King Crimson), Мел Коллинз (ex-Circus, King Crimson, Camel etc.), неразлучные товарищи Стив Дженсен и Мик Карн (оба - ex-Japan)... На сей раз к процессу совместного музицирования Стив Уилсон привлек проверенных бойцов из стана Porcupine Tree - басиста Колина Эдвина, ударника Гэйвина Харрисона, а также уважаемого в арт-роковых кругах духовика Тео Трэвиса (Gong, The Tangent и др.), виртуозного барабанщика Пэта Мастелотто (King Crimson), ну, и для солидности пригласил Лондонский Сессионный Оркестр во главе с Дэйвом Стюартом. В общем, неплохая подобралась компания. Однако, те, кто ждут от сборища вышеозначенных достопочтенных джентльменов взрывов энергии, будут разочарованы. No-Man - это все-таки не PT с их склонностью к металлизации саунда. Здесь иная расстановка акцентов. Изысканность и лаконичная мудрость, где каждые слово и обертон на вес золота. Невесомо-чистый голос Тима воспаряет в разреженной атмосфере, творимой кудесником Уилсоном. Меланхоличные аккорды наполнены ожиданием видения незамутненной красоты небес. Любой электронный шорох, всякое перкуссионное движение или перезвон колокольцев продуманы до мелочей, заряжены смыслом. "Schoolyard Ghosts" - это зрелая красота осени, игра светотени в парке викторианской эпохи, летящие к горизонту птицы и тонкая вязь заката. Крайне привлекательная с точки зрения колорита картина, оформленная с недюжинным мастерством.
Один из лучших релизов 2008 года.

Эдуард Артемьев "Тепло Земли" (1980)

Утверждать, что "Тепло Земли" - сольный альбом Эдуарда Артемьева, не совсем справедливо. Все-таки музыкальный материал писался им на заказ, специально для певицы Жанны Рождественской (ведущие женские партии в рок-операх Алексея Рыбникова «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты», «Юнона и Авось»), одной из самых неординарных вокалисток в истории отечественной музыки. Так что пластинка эта - своего рода двойной бенефис - композитора и исполнительницы. Лирической основой диска послужил стихотворный цикл «Кто я» известного чукотского писателя Юрия Рытхэу. Что касается главного - инструментальной части, то ее воплощать доверили ансамблю Бумеранг: Ю. Богданов (синтезатор "Синти 100", электрическая и акустическая гитары), А. Закиров (бас-гитара), С. Богданов (ударные), И. Лень и С. Савельев (клавишные). Такая, как говорится, петрушка. Но бог с ней, с подоплекой творения. Обратимся непосредственно к музыке.
В содержательном отношении это по-настоящему прогрессивный рок, гармонично впитавший различные веяния. Тут вам и собственно арт, и модная тогда электроника (в наилучшем смысле термина), и джаз-роковые решения Кентерберийской направленности, и даже легкие эстрадные вкрапления (те же «Рэккены» – чем не чукотское диско?). Синтезаторные космизмы раннего Артемьева удачно взаимодействуют с присущей Ж. Рождественской эмоциональностью (филигранное мастерство, с которым эта женщина поет открытые ноты, достойно отдельной рецензии) и полноценной рок-составляющей от ансамбля Бумеранг под управлением Юрия Богданова. Густо замешанный сплав настроений: ambientобразный холод Севера, сквозь который пробивается акустическая нежность; мечтательные, устремленные к звездам созвучия; стремительные хардовые ветры и деликатно-отстраненный space fusion. Сонический эксперимент, в итоге оправданный на тысячу процентов. Уникальная штука, ни с чем не сравнимая; самобытный образец советского прогрессива.
Made in USSR.

8 авг. 2008 г.

Druid "Toward The Sun" (1975) / "Fluid Druid" (1976)

К этому английскому коллективу признание пришло запоздало, спустя десятилетия после распада. Но, как известно, лучше поздно, чем...
А начиналось многообещающе. В 1971 году старые школьные друзья Дэйн Стивенс и Седрик Шарпли, объединившись с бас-гитаристом Нилом Брюэром, сколотили трио Druid. Несколько лет кряду ребята активно выступали в лондонских клубах, и в итоге, по опросам читателей газеты Melody Maker, победили в номинации "лучшая неподписанная на лейблы группа". В то же самое время к троице присоединился выпускник Лондонского музыкального колледжа органист Эндрю МакКрори-Шэнд. И это было очень кстати, поскольку приз от Melody Maker включал в себя не только возможность получения новых музыкальных инструментов, но и контракт на запись альбома, чем, конечно же, парни воспользовались. В июле 1975 г. первенец Druid, озаглавленный "Toward the Sun", вышел в свет.
Во всех отношениях крепкая и профессиональная работа, под завязку наполненная отличными мелодиями, мастерски скроенными аранжировками, мощной и уверенной игрой дебютантов. Однако, многие слушатели не преминули отметить тот факт, что звучанием "Toward the Sun" подозрительно смахивает на YES. Справедливости ради скажу: касается сие в основном вокальных гармоний. Высокий контр-тенор гитариста Дэйна и впрямь напоминает Джона Андерсона (местами - один в один), да и красивое хоральное многоголосие навевает ассоциации с грандами. Впрочем, подобным сходством, на мой взгляд, можно и нужно гордиться. Тем более что большинство композиций с альбома - вещи вполне фирменные, сугубо Друидовские (особенно замечательна связка "Red Carpet for an Autumn"/"Dawn of Evening" с ее возвышенно-хрупкой балладностью, прозрачными оркестровками и солидным тематическим развитием, сквозь нежнейшие элегические пасторали подводящим к бравурному рок-финалу). Превосходный релиз, одна из жемчужин золотой эпохи прогрессива.
Второй полноформатный опус "Fluid Druid" (1976) продолжил заданный курс, но, странное дело, - в открывающей песне "Razor Truth" голосовая подача Дэйна Стивенса практически до мельчайших нюансов дублирует оную у Гедди Ли (Rush). Вероятно, случайность, поскольку канадские монстры хард-н-арта на тот момент еще не успели прогреметь. В остальном Druid остаются друидами и ворожат в собственной уникальной манере. Правда, волшебство, достигнутое на "Toward The Sun", заметно потускнело. Отдельные сочинения и вовсе воспринимаются, как нечто надуманное (инструментал "FM 145" и пафосно-попсово-сумбурная "Crusade"). В саунде добавилось жесткости и напору, но вот на пользу ли оно - вопрос. Есть и по-своему забавные эксперименты: так, "похмельная" вещица "Barnaby" - вывернутое наизнанку рэгги, в котором вместо солнечных бликов сквозят мрачные тени. Типично йесовские интонации проклевываются в прогрессивно-драйвовой "Kestrel", а идущая следом светлая и драматичная одновременно "Left to Find" (лучший номер на диске) решена в Genesisоподобном ключе. Небезынтересный арт-роковый акт, достойный ознакомления.
Итог: для любителей прога 1970-х - a must have. Да и прочим тоже рекомендую. В наш век суррогата настоящая музыка всегда в цене. Так что не упустите шанс прикоснуться к ней.

6 авг. 2008 г.

Steven Wilson "Cover Version I,II,III,IV" (2002—2006)

Стив Уилсон напоминает царя Мидаса. Кажется, все, к чему прикасается этот человек, автоматически превращается в золото (будь то сверхуспешный прогрессивный ансамбль Porcupine Tree, поп-артовый проект Blackfield, эклектичный дуэт No-Man или откровенно экспериментальные затеи типа Bass Communion и Incredible Expanding Mindfuck). Однако, за мнимой легкостью созидания - годы упорнейшей работы. Истинный self made man, без устали шлифующий собственные композиционно-исполнительские таланты, он вполне заслуженно добился мирового признания и обожания сотен тысяч поклонников, в глазах которых Уилсон - гений. Наряду с гигантской занятостью в своих многочисленных авторских предприятиях (не считая продюсерской деятельности, начиная от Opeth и заканчивая Аней Гарбарек), неугомонный маэстро успевает мимоходом записывать песни для души. "Кавер-версии" - достаточно любопытная грань его творчества. Своеобразная компиляция музыкальных откровений Стивена, оформленных за период с 2002 по 2006 гг. Подобные ипостаси в той же Британии принято обозначать термином singer/songwriter.
Так что же скрывается под вывеской "Cover Version I,II,III,IV"? Прежде всего, атмосфера. Доверительно-интимная, обманчиво безыскусная, но в то же время проникнутая чем-то особенным. При минимуме средств "одинокий волк" Уилсон достигает максимального эффекта, демонстрируя нам безграничный космос души. Неистребимая пространная меланхолия и редкостный мелодизм, так хорошо знакомые почитателям ранних PT, и здесь имеют место быть. Восемь песен длиною от 3 до 7 минут тяготеют к камерному формату. Звучание, в основном, акустическое - фортепиано и гитара. Электричество в строго дозированных порциях, лишь там, где необходимо. Исключения - треки "Cover Version III" и "The Unquiet Grave". Первый из них эдакий вокальноориентированный транс-эмбиент, эпизодически воскрешающий манеру другого уилсоновского проекта - I.E.M. Что касается "Неспокойной могилы", то ее уникальные медитативно-электронные рефлексии скроены по принципам рок-сонористики, преследующей "имагинативность" саунда. По-домашнему теплый голос Стивена на фоне пульсирующей темной бездны, в которой плещется неопределенная гамма, создает совершенно определенное НАСТРОЕНИЕ. Оно-то и есть главная ценность релиза, идеального для прослушивания дождливым осенним вечером. Рекомендую.

Four Trees Down

John G. Perry "Sunset Wading" (1976)

Прежде, чем приступить к обзору релиза, хотелось бы выразить благодарность британской фирме Esoteric Recordings - дочернему подразделению лейбла Cherry Red Records, за переиздание (2008 г.) этой чудесной пластинки. Ремастированный с мастер-лент, восстановленный в своем исконном художественном оформлении CD "Sunset Wading" - превосходный подарок для настоящих меломанов. Моя мечта услышать его в отличном качестве наконец-то исполнилась, за что еще раз огромное спасибо ребятам с Esoteric. А теперь к теме.
Джон Джи Перри - легендарная фигура на Кентерберийской арт-роковой сцене. В 1970-е он являлся одним из самых востребованных в Англии сессионных бас-гитаристов. В активе маэстро совместные работы с Caravan, Энтони Филлипсом, Curved Air, массой других артистов. С 1978 - участник основанного Миком Роджерсом (Manfred Mann's Earth Band) коллектива Aviator. Однако лучше всего Джон проявил себя в составе великолепного арт-фанкового ансамбля Quantum Jump, с которым записал два достойных альбома. Сольное творчество Перри (по крайней мере дебютный релиз) отличается от всего, сделанного им "на стороне". Максимум оригинальности, минимум сравнений с кем бы то ни было. "Sunset Wading" невозможно охарактеризовать одним-двумя терминами. Это некий водораздел жанров, звуковое поле, сотканное из различных элементов по законам, ведомым лишь его создателю. К работе над пластинкой Джон привлек старых друзей и коллег: ударника Майкла Джайлза (ex-King Crimson), органиста Руперта Хайна (Quantum Jump, соло), перкуссиониста Морриса Пирта (Brand X), альтиста/флейтиста Джеффри Ричардсона, духовика Элио Д'Энна, гитариста Каррадо Рустиччи, а также камерный арт-роковый квинтет Penguine Cafe Orchestra под управлением Саймона Джеффса. Гостевым присутствием отметился здесь и многоуважаемый Роджер Гловер (Deep Purple, Rainbow), сыгравший в композиции "A Rhythmic Stroll" на синтезаторе A.R.P. 2600.
О музыке. Это не похоже на сольник басиста, это вообще ни на что не похоже. Прозрачные натурфилософские зарисовки, множество саунд-эффектов, трели струнных, воздушные наслоения клавишных, деликатная гитара, неброская атмосферная психоделия, пара резвых треков в манере игрового прогрессив-рока... Эдакий микс из мотивационных настроений конца 1960-х—первой половины 1970-х, образующий целостную, прелестную в своей глубине и ненавязчивости картину. Пример удивительной прозорливости, ибо Джону Джи Перри, одновременно с Jade Warrior (я не случайно называю это имя в контексте данного опуса; "Sunset Wading" вызывает определенный резонанс с творениями означенных экспериментаторов), в чем-то удалось предугадать черты только еще зарождающейся стилистики new age. Очень симпатичный, полный образных нюансов альбом, рекомендуемый всем без исключения.

4 авг. 2008 г.

Khatsaturjan "Aramed Forces of Simantipak" (2006)

"Как вы лодку назовете, так она и поплывет". Не уверен, что финским музыкантам знакома данная формула, однако, выбирая имя группе, мелочиться они не стали. В результате симфо-проговая бригантина с гордым логотипом Хачатурян (да-да, в честь незабвенного Арама Ильича) в 2000 году взяла курс в открытое море современного арт-рока. Поскольку амбициозные представители Суоми были всерьез "повернуты" на классике, их первый релиз в виде мини-альбома "Aramsome Sums" (2002), помимо оригинального материала, содержал обработки бессмертного произведения Модеста Петровича Мусоргского "Ночь на Лысой горе" и "A March to the Scaffold" Гектора Берлиоза. К июню 2004 года отчаянные скандинавские ребята созрели для записи полноформатного диска. И буквально пару лет спустя "Вооруженные силы Симантипака" увидели свет благодаря руководству французского лейбла Musea.
Пластинка демонстрирует определенную верность традиции: влияние "серьезных" академических жанров в творчестве финнов по-прежнему имеет место быть. Это прослеживается и в клавишных партиях, сочетающих звучание чистого фоно с синтезаторными "пролетами", и в использовании виолончели с альт рекордером (чего стоит одна лишь неоклассическая "Advent Rise", в которой псевдо-барочное интро в клавесинно-органных тонах, оттеняемое оркестровкой, перемежается с ломаной прогрессивной ритмикой и торжественными хоралами). Композиционное строение зачастую выглядит довольно эклектичным. Возведенный в догму симфонизм растворяется то в мимолетных джазовых элементах, то в энергетических сгустках хард-рока, сопровождаемых распевным многоголосием (не как у Queen, но что-то вроде), а то и вовсе погружается в пространные акустические переборы, заставляющие вспомнить разом и Пэта Мэтини, и Аллана Холдсуорта. В виду отсутствия свободных вокалистов, трое участников квартета, примеряя на себя маски певцов, стараются осуществлять голосовую подачу в драматическом ключе. Иногда такое увлечение приводит к курьезному (с моей точки зрения) сходству с американцами Shadow Gallery времен "Tyranny". Но это эпизодически, да к тому же субъективно. В целом же Khatsaturjan - умная и самобытная команда, успевшая занять свою нишу в эшелоне прог-движения нового тысячелетия. Шансы "выстрелить по-настоящему" у них, очевидно, есть. Главное - не спасовать в дальнейшем и продолжать гнуть собственную линию. Удачи вам, "хачатуряне".

3 авг. 2008 г.

Esperanto "Danse Macabre" (1974) / "Last Tango" (1975)

Этот разношерстный по национальному составу конгломерат исполнителей обязан своим появлением бельгийскому скрипачу Раймону Венсану. На протяжении лет последний вынашивал мысль о создании полноценного рок-оркестра. После встречи с концертирующим пианистом из Брюсселя Бруно Либером затея начала обретать физические контуры. Энтузиазм - штука заразительная. И в скором времени на зов бельгийцев откликнулись профессиональные исполнители из Австралии, Новой Зеландии, Англии, Италии, Франции и даже с острова Мэн.
Первый "блин", претенциозно озаглавленный "Rock Orchestra" (1973), как и положено, вышел "комом". Несмотря на внушительный арсенал средств, итоговый продукт напоминал лоскутное одеяло: по отдельности компоненты смотрелись привлекательно, но вместе срастаться им - увы! - что-то мешало. Тем не менее, в дебюте Esperanto явственно ощущался приличный потенциал. И слава богу, он не замедлил раскрыться.
Альбом "Danse Macabre" (1974) - блистательный образчик настоящего симфо-рока. Хитроумная композиционная основа, оформленная по всем правилам академической музыки, обрела поистине феерическое воплощение, благодаря органичному взаимодействию классического консерваторского инструментария с электрическими аналоговыми клавишными и мощной ритм-секцией. В этом отношении весьма показательна открывающая пластинку вещь "The Journey", во многом предвосхитившая более поздние "прозрения" шведов Isildurs Bane. За вычетом гитары (не считая нескольких треков, где без специально приглашенного рок-гитариста не обошлось) основная нагрузка ложится на струнные. Помимо лидера проекта, за виртуозное скрипичное и виолончельное наполнение отвечают Тони Харрис, Тимоти Кремер и Годфри Солмон. Фрагментарно возникающие вокальные партии варьируются от фоновых оперных до балладных, пространно-драматических и эстрадных (в духе The Alan Parsons Project). Удивительно, как авторам материала Венсану, Либеру, а также поэтам Гленну Шорроку и легендарному Питу Синфилду (King Crimson, ELP) в рамках одной программы удалось соединить такое количество стилевых наслоений: прогрессив, оркестровая классика, камерный авангард, элементы поп-музыки... И все это спаяно в нерасторжимое целое. Отдельных слов заслуживает атмосфера диска. Буквально за несколько дней до записи участники Esperanto посетили с экскурсиями ряд старых усадебных имений в окрестностях Лондона и древних замков Уэлльса, дабы проникнуться духом мрачного величия прошлого. И это замечательно повлияло на конечный результат. Словно каждый звуковой закоулок "Danse Macabre" населен своим собственным призраком. Отменная работа, претендующая на право называться шедевром.
Финальный релиз Esperanto "Last Tango" (1975) поначалу писался в лондонской студии, а затем - в шато Геровилль близ Парижа, где до них уже бывали Jethro Tull, Элтон Джон и другие артисты. Прощальный подарок Раймона Венсана и К° поклонникам получился поистине королевским. Шесть продолжительных опусов во главе с совершенно изумительной кавер-версией битловской "Eleanor Rigby". Знакомый сызмальства любому меломану мотив спрятался в глубине симфонических аранжировок, обладающих центробежной яростной энергетикой. И если бы не канонический текст, вложенный в уста вокалисток Ким Мур и Брижитт Дюдо, узнать эту милую песню было бы сложновато. Номер "Still Life" пышет первородной силой рок-н-ролла, преломляемой сквозь оркестровую призму; здесь же довольно отчетливо проглядывают признаки еще не вошедшего в моду диско. "Painted Lady" - эдакий прог-поп в манере раннего творчества голландцев Earth & Fire. Красивейшая баллада "Obsession", сочетающая мелодическую яркость с изысканным полифоническим обрамлением, будто бы специально предназначена почитателям Electric Light Orchestra. "The Rape" - шикарный эксперимент по скрещиванию футуристического саунда синтезаторов, прекрасных женских голосов (чьи тембры заключают в себе как космическую отрешенность, так и земную страсть) с прогрессивными филармоническими тенденциями. Венчающая пластинку заглавная композиция - очередной микрошедевр, действительно решенный в стилистике танго. Характерные фортепианные аккорды, знойные эскапады струнных, обильная перкуссия и, конечно же, вокальный дуэт Ким и Брижитт...
В общем, друзья мои, такое надо слушать. Желательно, не раз. И наслаждаться. Потому как перед нами доподлинно благородное искусство, коему имя МУЗЫКА.

2 авг. 2008 г.

Diablo Swing Orchestra "The Butcher’s Ballroom" (2006)

Слушая их, невольно вспоминаешь оксюморон "комедия ужасов". Собственно, творческая "кухня" Diablo Swing Orchestra как раз таки и зиждется на тождестве противоречий (чего стоит одно лишь название диска - "Бальный зал мясника"!).
История этого оригинального шведского коллектива начинается в 16 веке. По легенде, существовал в то время оркестр, чьи сочинения вызывали нарекания со стороны власть имущих. В конце концов, музыкантов оклеветали, ложно обвинив в серии ритуальных убийств (тогда судебные процессы над чернокнижниками приобретали стихийный характер), и приговорили к смерти через повешение. Однако, незадолго до казни каждый из оркестрантов успел составить завещание, в коем обязал потомков по прошествии 500 лет возродить неугодное правителям детище. Воля предков - закон. Реинкарнация ансамбля состоялась в 2003 году, благодаря инициативе гитариста/вокалиста Даниэля Хаканссона (он же - единоличный автор материала). Но не стоит думать, будто восставшие из пепла Diablo Swing Orchestra ринулись исполнять аутентичный репертуар бог весть какой давности. Напротив, дебютная пластинка шведов поражает свежестью и крайним разнообразием соединяемых в целое элементов. Не имеющий аналогов жанровый калейдоскоп содержит многое: благородство неоклассики (скрипка, виолончель, флейта, фортепьяно, труба) и экстремально-металлические гитарные риффы; пряный аромат фламенко и стилизованный под ретро джазовый свинг; изобретательные микрохроматические арабески и электронные спецэффекты из области "техно" (ответственный - второй гитарист, по совместительству клавишник Понтус Мантефорс). Главное украшение альбома - настоящая оперная дива Аннлуис Лёглунд. Ее сильный пластичный голос практически не умолкает на протяжении всего действа, окрашивая в академические тона царящее вокруг шутовское безумие. По признанию лидера Diablo Swing Orchestra маэстро Хаканссона, основной замысел "The Butcher’s Ballroom" в том, чтобы подарить слушателю иллюзию яркого театрализованного шоу. Если так, то затея удалась на славу. Мрачноватый "висельный" юмор Дьявольски Свингующего Оркестра, быть может, понравится не каждому, но ознакомиться с ним я все же рекомендую.

Neil Campbell & Nicole Collarbone "Fall" (2006)

Музыка стремительных облаков и желтеющих листьев, остывающей земли и равнодушных ко всему рек. Что это, нью-эйдж? Отнюдь. Произведения несколько иного сорта.
"Осень" - альбом одного из наиболее интересных современных гитаристов Великобритании Нила Кэмпбелла, записанный в содружестве с виолончелисткой Николь Колларбон, его коллегой по ансамблю The Neil Campbell Collective. Истоки творчества маэстро коренятся в классическом прогрессивном роке 1970-х, английском песенном фольклоре, а также джазе, краут-роке и целом ряде сугубо академических направлений (минимализм, пост-минимализм, тотализм). Все эти элементы успешно воплощаются на пластинках основной группы Нила. Данный диск - нечто совсем иное. Собрание лирических композиций для гитары и виолончели. То есть исключительно акустический проект, суть которого в отдохновении от электронной тьмы, возврате к камерной чистоте и прозрачности. В мастерски живописуемых этюдах, пронизанных осенней меланхолией, чувствуется истинная поэзия - та, что успешно обходится и без слов (хотя в паре вещей Нил все-таки поет, но его голос, подобно лунному отражению в озере, лишь усиливает колорит, прибавляя пейзажу необходимую завершенность). Гитарные арпеджио Кэмпбелла многолики: они то струятся неспешно, полные внутреннего достоинства, то, напротив, срываются с места в карьер, описывая головокружительные пируэты (как, например, в изумительной "Delay Tactics", большая часть которой - демонстрация скоростного и в то же время крайне тщательного звукоизвлечения, по своим характеристикам способного тягаться с закольцованными цифровыми сэмплами). Размеренные пассажи Николь Колларбон служат внушительным обрамлением легкокрылых аккордов Нила, придавая глубину и многозначительность даже таким романтическим эпизодам, как балладная "November Song" (здесь очень кстати задействованы гармонические фоновые вокалы Стюарта Тодда и Клэр Джонс)...
Резюмирую: этот великолепный струнный дуэт, без сомнения, придется по вкусу тем, кто ждет от музыки тонкой красоты звучащих образов.