Stackridge "The Man in the Bowler Hat" (1974)

Спонтанность - ключевой фактор, определивший многое в истории этой пластинки. Взять хотя бы название. Всех пятерых участников Stackridge устраивал изначальный вариант - "Дорога в Венесуэлу". Но попавшийся кому-то на глаза портрет мужчины в котелке кисти Рене Магритта заставил в мгновение ока переиграть ситуацию. Отсюда и ироничное дизайнерское решение обложки (авторы - Джон Кош и Джон Суоннелл). Альбом записывался в июле 1973 года на базе лондонской студии Air. Руководил процессом легендарный продюсер Джордж Мартин, крестный отец The Beatles. И это уже отнюдь не случайность. Ведь формула творчества Stackridge покоилась на тех же принципах, что и у музыкантов ливерпульской четверки: эксцентричность - "англичанство" - невероятное стилистическое разнообразие. Преемственность традиций? Если угодно - да. И сверхопытный Мартин интуитивно распознал в талантливой молодежи родных по духу людей. Ну а Битлз... К ним у членов квинтета особое отношение. "Я прослушал "Revolver" порядка пяти тысяч раз, - признавался позднее гитарист/певец Джеймс Уоррен. - И увидев в ту летнюю сессию в доме Джорджа коробку с надписью "Revolver Demos", почувствовал, будто воскрес из мертвых в наиболее привилегированном сегменте поп-рая". Когда же репетировали трек "Humiliation" и Мартин предложил добавить струнный аккомпанемент в манере "Eleanor Rigby", Stackridge во главе с Уорреном и вовсе готовы были истаять на глазах от счастья...
Лонгплей открывается милой мелодичной вещицей "Fundamentally Yours", от которой веет едва ли не предрождественским мажорным настроением. Отличные вокальные линии вкупе с комплексной оркестровкой (клавишные Энди Дэвиса, скрипка Майка Эванса и партия фортепиано, ведомая самим Джорджем Мартином) - стопроцентно эффективная наживка для слушателя. А дальше происходит нечто совсем замечательное. В "Pinafore Days" теплый голос флейтиста Муттера Слейтера идеально гармонирует с насыщенной звуковой панорамой, имитирующей атмосферу представлений бродячего цирка. Блистательный перформанс "The Last Plimsoll" - мотивный арт-рок с немалой долей "театральщины". Лирическая оратория "To the Sun and the Moon" подкупает не только сюжетом, но и мастерски выстроенной полифонией. "The Road to Venezuela" - одна из любимых пьес Уоррена ("Полагаю, здесь я сумел оформить по-настоящему классную последовательность аккордов"), равно как и сингловый этюд "The Galloping Gaucho" ("Сумасшедшая песня, великолепно принимается публикой. Плюс чертовски превосходная аранжировка Джорджа"). Предельно сбалансированная структура "Humiliation" по форме напоминает симфоническую колыбельную; контрастирует с ней игровой "пробитловский" рок-номер "Dangerous Bacon" с зажигательными саксофонными пассажами Энди МакКея (Roxy Music). Очаровательные пианиссимо Мартина украшают акустическую пастораль "The Indifferent Hedgehog" авторства Дэвиса / Смита. Венчает действо инструментальная коронка "God Speed the Plough", чей занимательный внешний рисунок варьируется от чопорной камерности и драйвовых фолк-вкраплений до грандиозного филармонического размаха.
Резюмирую: захватывающий релиз, демонстрирующий исключительную фантазию его создателей. Живая классика британского арта. Пропускать не советую.

Comus "First Utterance" + maxi single (1971)

Имя Comus оттиснуто золотыми литерами в истории прогрессивного британского эйсид-фолка. Более авторитетной команды в столь необычном жанре, пожалуй, и не сыскать. Тому есть причины, но о них чуть позже. Пока же немного углубимся в прошлое.
Свое начало биография Comus ведет с 1967 года. Тогда в стенах Рейвенсборнского художественного колледжа (Бромли, графство Кент) познакомились два семнадцатилетних студента - Роджер Вуттон и Гленн Горинг. Оба увлекались гитарным фолк-роком в духе Pentangle, внимательно следили за происходящим на андеграундной "кислотной" сцене и мечтали о создании собственого коллектива. Вскоре к дуэту Роджера и Гленна примкнул учащийся того же заведения Колин Пирсон (скрипка, альт). С его подачи и было найдено оригинальное название бэнда. Обожающий историю английского средневековья Колин предложил заимствовать вывеску у драматического произведения "Comus", написанного в 1634 году Джоном Мильтоном как представление для театра масок. Идею с восторгом поддержали. Вдохновленный Вуттон принялся ковать репертуар, а в ряды ансамбля тем временем стекались свежие силы. Один за другим к ребятам примкнули басист Энди Хеллаби, певица / перкуссионист Бобби Уотсон и флейтист Майкл Бамми Роуз (последний пробыл в группе недолго, к марту 1970 г. его сменил клавишник/духовик Роб Янг). Благодаря усердию менеджера Криса Йоула Comus получили возможность поколесить по стране с концертами. После выступления в престижном лондонском зале Purcell Rooms новички попали в поле зрения шефов прогрессивного лейбла Dawn. В июне 1970 года с ними был заключен контракт, и завязалась кропотливая работа над первым лонгплеем Comus...
О своеобразии творческой манеры секстета можно судить уже по вступительному номеру "Diana". Сочиненная Пирсоном в одиночку, эта вещь наглядно демонстрирует фирменные черты состава: поддерживаемый многоголосыми распевками саркастичный вокал, полный нарочито театральных подвываний; ритмичный аккордовый бой Вуттона, обрамляемый слайдом Горинга; мощные пассажи струнных, идущие под аккомпанемент едва заметных клавишных и эмоционально заряженных ручных барабанов Роба Янга; плюс атмосфера всеобщего умопомрачения, граничащая со стихийным экстатическим юродством. Подлинная жемчужина альбома - 12-минутная акустическая пьеса "The Herald", оформленная в мягком пасторальном ключе; гитарно-флейтовые партии превосходно отражают колорит тенистых дубрав, населенных духами, эльфами и прочими мифологическими персонажами. В противовес ей вычурная зарисовка "Drip Drip" содержит немало агрессивных эпизодов, пропитанных почти что животной страстью. В "Song to Comus" традиционные менестрельские мотивы нанизаны на артистично-шизофреническое камлание языческого короля-колдуна Комуса. Не избавлена от признаков сумасшествия и фольклорная конструкция "The Bite", лишний раз экспонирующая высокий класс собравшихся здесь музыкантов. Инструментальным продолжением ее служит живописный сегмент "Bitten", выдержанный в ключе колюче-мрачного unplugged-авангарда. Финальная рапсодия "The Prisoner" - блистательный образец истеричного психоделического прог-фолка - дерзкого, самобытного, а где-то и гениального безо всяких скидок.
Резюмирую: безусловный арт-шедевр ранних семидесятых, чья эстетическая ценность с годами лишь возрастает. Рекомендуется искушенным мелогурманам, любителям необычного и тем, кто открыт новым формам.

Anima Morte "The Nightmare Becomes Reality" (2011)

Скандинавские последователи итальянского "хоррор-прога" продолжают щекотать нервы аудитории. Название их новой работы недвусмысленно намекает: мол, доселе были "цветочки", настоящая жуть только начинается. Уверенность членов Anima Morte подкрепляется отрадным фактом: продюсировать ребят взялся вездесущий Маттиас Олльсон (Änglagård, White Willow), имеющий на родине стойкую репутацию открывателя талантов. Под присмотром корифея шведского арта квартет выдал на-гора крепкую программу, развивающую мелодические каноны дебютного диска.
Как и прежде, главными источниками вдохновения для северян остаются творчество "кошмароведов" Goblin, саундтреки Фабио Фрицци и Эннио Морриконе, а также классические фильмы ужасов Лючио Фульчи и Дарио Ардженто. Но то лишь одна сторона медали. Другая, не менее важная составляющая музыки Anima Morte - немеркнущее наследие "винтажного" прогрессив-рока семидесятых. Результат подобного слияния вполне очарователен, невзирая на искусно насаждаемую зловещую атмосферу.
От короткого интро "Voices From Beyond", целиком выстроенного на основе "кинематографических" звуковых эффектов, четверка переходит к активному действию. Сочетание акустических гипно-арпеджио а ля Opeth и жестких дисторшированных партий электрогитары (Даниэль Каннерфельт) с меллотроном и обильными синти-подкладками (Фредрик Клингвалль), легким налетом рефлексивного "флойдизма" и довольно-таки изысканными скрипичными пассажами (гостевой участник Джерк Воог) производит исключительно положительное впечатление. Парни заметно прибавили в профессионализме - не только как исполнители, но и в качестве авторов тоже. Отсюда стройность и продуманность сочинений. В пьесе "The Revenant" центральным элементом сюжета служит минималистичный органный рифф, вокруг которого вращаются пространные гитарные соло и затейливые маневры ритм-секции (Стефан Гранберг - бас, Тэдди Мёллер - ударные). Клавишноориентированная зарисовка "Contamination" - явный респект Клаудио Симонетти и его компаньонам Goblin. Крайне нестандартен по замыслу и воплощению этюд "Passage of Darkness"; по сути, перед нами сбалансированный симфонический пост-рок, чье своеобразие подчеркивается практическим отсутствием гитары. "Solemn Graves" напоминает симбиоз эпик-арта в духе Рика Уэйкмана с традиционным мотивным хард-роком. В соническом пространстве "Delirious" находится место и для светлых аналоговых пасторалей, и для грозного металлизированного натиска. Хороши и оставшиеся фрагменты обширной панорамы: сложносочиненная по структуре "Feast of Feralia" с ее полифонической пестротой красок; титульный трек, базирующийся на фортепианно-синтезаторном перекрестном диалоге; шикарный дарк-вальс "Things to Come" и несколько аморфный эскиз "The Dead Will Walk the Earth", решенный в оригинальном doom art ключе.
Резюмирую: отличный релиз, способный приглянуться как любителям ретро, так и поклонникам инструментального модерн-прога. Рекомендую.

McDonald and Giles "McDonald and Giles" (1971)

Имена Иена МакДональда и Майкла Джайлза навеки занесены в семейную летопись King Crimson. И пускай участие этих джентльменов в прогрессивном мегапроекте ограничилось лишь дебютной пластинкой "In the Court of the Crimson King" (1969). Не стоит забывать, что превосходной мелодикой таких пьес, как "I Talk to the Wind" и "The Court of the Crimson King", мы обязаны непосредственно МакДональду. Разойдясь с Робертом Фриппом в видении дальнейших творческих перспектив, оба покинули группу в самый разгар американского турне. На дворе стоял декабрь 1969 года. Податься ребятам было некуда. Однако изнывать от тоски они также не собирались. Обсудив стратегию поведения, Иен и Майкл дерзнули претворить в жизнь совместную работу, максимально отражающую их текущие запросы. В помощники рекрутировали младшего из братьев Джайлз - Питера (бас) и авторитетного органиста Стива Уинвуда (Spencer Davis Group, Traffic, Blind Faith). За ударные отвечал, естественно, Майкл, а остальные инструменты (гитара, фортепиано, орган, саксофон, флейта, кларнет, цитра) взвалил на себя многостаночник Иен. Вокальные партии мастермайнды распределили, исходя из трезвой оценки собственных талантов. И понеслось...
Приглашением в причудливый мир МакДональда и Джайлза служит 11-минутная конструкция "Suite In C". Если вводная ее часть ("Turnham Green") решена в формате мотивной психоделии пост-битловского розлива, пропущенной сквозь призму блюз-рока, то последующее действо ("Here I Am and Others") осуществляется британскими фантазерами на обширной платформе игрового арта с задорными перекличками флейты, ударных и "Хаммонда", легкой джазовой сумасшедшинкой, чудесным оркестровым (струнные, духовые) аранжементом (дирижер Майк Грей) и резким маневренным саксом. Светлым лирическим настроем отмечен напевный поп-роковый этюд "Flight of the Ibis", сочиненный на стихи Д.Б. Фэллона. Приятная вещица без особых претензий; в арсенале - только клавишные, акустическая гитара, бас и перкуссия. С искренним чувством исполнена проникновенная псевдобарочная элегия "Is She Waiting?". Авторский почерк Иена раскрывается здесь с несколько неожиданной стороны; трудо устоять и не поддаться очарованию благородной грусти взыскующего любви менестреля... В комплексной зарисовке "Tomorrow's People - The Children of Today" оживает затейливый прото-прог с вплетениями позывных тромбона от приглашенного Майкла Блэйкасли, элементами сальсы, импровизационными ударными брейками Джайлза, изящными флейтовыми вензелями и прочими прелестями. Ну а наиболее внушительный презент для слушателя прибережен напоследок. Увесистая 22-минутная сюита "Birdman" олицетворяет здоровые амбиции конгломерата: тут и хоральные наложения, и пространные саунд-трипы + целая вереница разномастных стилевых сочленений, как то: мюзиклоподобные структуры, залихватский джаз-рок, пасторальная фольклорная размеренность, симфоническая полифония и т.д., и т.п.
В коммерческом отношении альбом провалился. Музыканты лишились поддержки лейбла Island и приняли решение расстаться. МакДональд обрел себя в рамках АОР-коллектива Foreigner, Джайлз начал карьеру сессионного артиста и кинокомпозитора. Что же касается тандем-релиза 1971-го года, то последний занял строго отведенное ему место в ряду образцовых достижений раннего английского арт-рока.

Änglagård "Epilog" (1994)

Сегодня имя Änglagård произносится меломанами с уважительным придыханием. Есть от чего. Шведам выпала честь примерить на себя роль реинкарнаторов классического прогрессива. А также положить начало новому культу. Дебютным альбомом "Hybris" (1992) cтокгольмский квинтет убедительно доказал: "винтажный" саунд семидесятых по-прежнему актуален. По сути, программа явилась квинтэссенцией наиболее удачных идейных схем, апробированных двадцатью годами ранее. Но едва ли стоило бы петь дифирамбы группе, будь ее единственной заслугой оживление музыкальных ретро-тенденций. Творческий облик скандинавского ансамбля богат оригинальными чертами. И одна из них - уникальное гармоническое мышление участников проекта. Ведь не только англоманская арт-рецептура сделалась эффективным оружием в руках северян, но и базовые элементы корневого нордического фольклора впитались в плоть и кровь их авторских композиций. И если в "Hybris" действие во многом подчиняется мощному напористому саунду, то для полностью инструментального диска "Epilog" характерны несколько иные звуковые аспекты. О них и поговорим.
Двухминутный "Prolog" задает минорную тональность процессу. Плачущий меллотрон Томаса Юнсона, тонкие акустические арпеджио гитариста Торда Линдмана, траурные партии от специально приглашенного струнного трио - все это максимально работает на атмосферу тотальной скорби. Тут следует отметить, что в CD-буклете имеются стихотворные тексты, отражающие смысл каждого из треков. Данная прелюдия сопровождается такими словами: "Есть солнце, что больше моей улыбки / Есть солнце, что больше моей ненависти / Есть солнце, что больше моей жизни / Но не солнце, что больше, чем я, погасит меня..." В структуре центральной эпической пьесы "Höstsejd" иллюстрируется природное противостояние живого летнего тепла ураганным ветрам наступающей осени. Отсюда обилие ветвящихся ритмических линий, пружинистых гитарных атак Линдмана и Юнаса Энгдегорда. Для общего развития темы своего рода контрапунктом служит клавишный пассаж Юнсона, последовательно воскрешаемый на разных уровнях в органном и фортепианном исполнении. Сама же картина состоит из целого ряда секций, в которых слушателя то щедро одаривают безумным шквалом страстей, то, напротив, ублажают изящными элегийными сюжетами электроакустического толка. Натурфилософская зарисовка "Skogsranden" открывается меланхоличным камерным дуэтом для флейты (Анна Хольмгрен) и рояля. По истечении двух с лишним минут неоклассическая красота в мгновение ока рассыпается под градом диссонансных кримзоидных риффов и мастерских сбивок ударника Маттиаса Ольссона. Но и тяжелое прогрессивное буйство длится недолго, уступая эстафету дивной пасторали с меллотроновыми хоралами, хрустальными переборами гитары, фоновым бэк-вокализом Ёсы Эклунд и совершенно очаровательной флейтой. Финал, впрочем, вновь скатывается в заряженный отрицательными ионами хаос; однако подобная деструкция вполне оправдана художественно. Схожего рисунка придерживается и вещь "Sista somrar", где наряду с отчаянной рок-энергетикой наличествуют приемы из области академического авангарда. Замыкает программу клавишная реприза "Saknadens fullhet", знаменующая собой постижение героем великой экзистенциальной мудрости, чьим сопутствующим фактором всегда выступает печаль...
Резюмирую: подлинный арт-шедевр и один из лучших прог-релизов девяностых годов прошлого века. Настоятельно рекомендую.

Rare Bird "As Your Mind Flies By" (1970)

"Желаете узнать правду? Что ж, я с детства ненавидел гитары. И это длилось до той поры, покуда не появились Эрик Клэптон и Джефф Бек; их-то я полюбил. Гитара хороша своим романтическим саундом, но не малоприятными тембрами. Нам же хотелось растормошить публику посильнее. Ведь, что ни говорите, электропиано с фуззом - это сущий ад!" Так откровенничал в одном из интервью ведущий композитор Rare Bird Грэм Филд (орган, клавишные). На рубеже 1960-х—1970-х группа купалась в лучах славы: хит-сингл "Sympathy" с дебютного альбома RB уже начал восхождение в музыкальных чартах Европы и Соединенных Штатов. Шестинедельный концертный тур по странам и континентам упрочил позиции ансамбля. Да и на родине, успешно выступая на радио и в телевизионных шоу, английский квартет снискал уважение аудитории. В общем, к процессу записи второго лонгплея наши герои подошли полными решимости и уверенности в собственных силах.
"As Your Mind Flies By" - наиболее зрелое творение Rare Bird. "Анти-гитарная" формула британцев обрела здесь свое оптимальное воплощение. Стартовая фаза в виде трека "What You Want to Know" выглядит традиционным полубалладным медляком с мелодическими органными пассажами и неприглаженным вокалом басиста Стива Гулда. Однако обращают на себя внимание усилившаяся поддержка со стороны клавишника Дэйва Каффинетти (пресловутые фуззовые партии электропиано) и замысловатые размеры в финальной части произведения. Интересно слушается своеобразное интермеццо "Down on the Floor", где на фоне вкрадчиво-нежной необарочной игры клавесина фронтмен Гулд проводит по нарастающей певческую линию, добиваясь в кульминационной точке поистине брутального эффекта. Боевая рапсодия "Hammerhead" насыщена острыми риффами, грозными раскатами "Хаммонда" и астрально-психоделическими эпизодами, придающими этой вещи довольно любопытный оттенок. Номер "I'm Thinking" - изобретательная гибридная зарисовка, в контексте которой сочетаются брачными алхимическими узами пышный неоклассицизм ренессансного свойства и размеренный ритм-энд-блюз, сопровождаемый эмоциональным надрывом певца. Впрочем, все вышеперечисленное можно отнести к "цветочкам". "Ягодка" же на пластинке одна. Это 20-минутная четырехчастная сюита "As Your Mind Flies By" - яркое свидетельство высокого авторского мастерства и неуемных исполнительских амбиций. Тут уж господа-"птичники" оторвались как следует, завязав в тугой узел наступательную рок-ритмику, монументальную симфоническую полифонию, торжественные хоралы и пространно-шумовые вставки, перемежаемые вокодированными возгласами. Словом, замечательный магнум-опус, предвосхищающий эпические шедевры грядущей арт-эры.
Резюмирую: исключительно сильный релиз, заслуженно удостоенный хвалебных отзывов в британской прессе. "Золотой фонд" классик-рока. Рекомендую.

Rare Bird "Rare Bird" (1969)

Октябрь 1969 года. Совсем недавно отшумел фестиваль в Вудстоке. Набирает силу хард-рок, начинает постепенно оформляться прогрессив... И в эту самую пору, когда мир дружно обнажает головы перед виртуозами-первопроходцами рок-гитары, находятся четверо безумных англичан, возомнивших, что и в отсутствие шестиструнных электрических агрегатов можно достичь вершины успеха...
Исходный состав лондонского квартета Rare Bird выглядел так: Грэм Филд (орган), Дэйв Каффинетти (электропиано), Стив Гулд (бас, лид-вокал), Марк Эштон (ударные, вокал). За короткий срок парни сумели расписать множество замечательных композиций, девять из которых в итоге попали на дебютный лонгплей Rare Bird. Старт новоявленных арт-мелодистов оказался чрезвычайно удачным. Их первенец одновременно увидел свет во Франции (тираж альбома был отпечатан местным отделением фирмы Philips), в Великобритании (выпускающий лейбл Charisma) и в США (звукозаписывающая контора Probe - филиал концерна ABC Records). Главная "изюминка" диска - мегахит "Sympathy", разошедшийся в виде сингла миллионом копий по всему земному шару. Однако, и помимо этой баллады в меланхоличных тонах, здесь было что предложить слушателю-меломану.
Пролонгированное вступление "Iceberg" - масштабное полотно, вобравшее в себя разом все наиболее сильные компоненты Rare Bird. Тут и плавно-печальная барочная интродукция, и ритмичные игровые эпизоды с органной бомбардировкой, и хитроумное петляние меж "лирикой" и инструментальными "боевыми действиями". Несколько сбивает с толку вокал Гулда: для подобного рода музыки он кажется неотесанно-грубым. Но и к нему привыкаешь достаточно быстро. Идущий следом номер "Times" - забавный опыт по смешиванию чопорно-благородных клавишных пассажей и рок-н-ролльных буйных проявлений. Любовная драма "You Went Away" - своего рода конек RB; вполне традиционная для них вещь с весьма узнаваемым почерком. В пьесе "Melanie" к певческой роли примеряется ударник Эштон, сам же этюд решен по формуле "прог + драйв + немножко вальса". Причудливые сюжетные перипетии трека "Beautiful Scarlett" отмечены театральным лицедейством: классицистический пафос в сочетании с неуемной энергетикой и пространно-интимными соул-отступлениями. На "Sympathy" останавливаться не будем; это произведение знакомо практически каждому. Не лишен приятности напевный ритм-н-блюз "Natures Fruit", разложенный на два голоса; легкое и цельное сочинение. Ну а дополняют картину непритязательно-архаичный эскиз "Bird on a Wing" и заключительная сага "God of War", в коей местами проступают едва ли не вагнерианские мощь и величие...
Резюмирую: недурственный и в целом привлекательный художественный акт, адресованный любителям мотивного британского прото-прога.

Tsuumi Sound System "Hotas" (2007)

"Вулканический", "ошеломительный", "захватывающий"... Какими только эпитетами не награждали критики финский бэнд Tsuumi Sound System. Понять их можно. Восторг - естественная реакция на феерические шоу группы. Но так было не всегда.
Изначально мини-оркестр под управлением аккордеониста Ханну Келлы являлся аккомпанирующим составом в рамках танцевального коллектива Tsuumi. То есть, по большому счету ансамблисты пребывали в тени звезд пластической труппы, что для балетного конгломерата закономерно. Однако упрямый маэстро Ханну не желал вечно существовать на вторых ролях. И посовещавшись с подопечными, учредил на базе своей музчасти полноценный инструментальный акт под названием Tsuumi Sound System. Профессионализм, ярчайший композиторский дар лидера Келлы (да и других участников TSS), идеальная ориентация в разнообразных жанровых плоскостях - все это работало на растущий авторитет команды. Развив приличную творческую активность, Ханну со товарищи за первую пятилетку Миллениума выдал четыре студийных диска. Пиковой же программой октета принято считать пятый лонгплей - "Hotas". О нем-то и пойдет речь сегодня.
Из двенадцати включенных в альбом треков лишь половина принадлежит перу мастермайнда. Остальные на совести скрипача Эско Ярвели, пианистки Пилви Талвитие и второго скрипача Томми Асплунда. Открывается действо традиционным фольклорным этюдом "Friskis & Svettis". Внешне - бодрая, незатейливая вещица, с упором на звучание струнных. Удивить ею, в общем-то, сложно (таких плясовых на любой деревенской свадьбе вдоволь). А вот дальше начинается кое-что интересное. Сочетание саксофонных пассажей Йоакима Бергхелля с фиддлом, гитарой, фисгармонией и ритм-секцией в пьесе "Casino" образует поразительно колоритное соцветие (и первая премия на джазовом фестивале в Нэшвилле, США, отнюдь неслучайна). "Korento (Dragonfly)" - эталонный пример chamber-фолка, отдаленно напоминающий свершения голландцев Flairck. Дуновение пряного восточного ветра врывается на заснеженные просторы Суоми в титульной композиции, очаровывая комплексными гармониями. Ностальгические вальсовые нотки в "Tuulin Ja Hannun Häävalssi (Wedding Waltz)" не препятствуют общему оптимистичному настрою, а после можно и подрыгать ногами под зажигательные мотивы короткой зарисовки "Pahna". Рефлексивной неги полон фортепианно-электрогитарный "Minuet", вслед за которым наступает черед для искрометного нордического джаз-танго ("Hässäkkä (Fuss)"). Обширен эмоциональный спектр сочинения "Huuma (Ecstasy)": здесь и рассудочная меланхолия, и легкая истома, и неуемный задор... Добрую, брезжущую ласковыми солнечными морщинками саунд-радугу "Valse Du Caribou" так и тянет сравнить с родными мелодиями отечественных сказочников Vermicelli Orchestra: определенное сходство налицо. Зато грозно-риффовый unplugged-номер "Meteor" вновь наводит на мысль о вышеупомянутых Flairck. В роскошном финале "Haave... (Wish...)" классицизм, фольклоризм и джазовость прорастают друг в друге гибкими, прочными побегами...
Резюмирую: замечательный, тонкий и умный релиз, воплощенный в жизнь виртуозами с поистине безграничной фантазией. Очень рекомендую.

Gösta Berlings Saga "Detta Har Hänt" (2009)

Удачливости этих шведских парней можно лишь позавидовать. За короткий срок инструментальный квартет Gösta Berlings Saga сумел войти в обойму лидеров скандинавского модерн-прога. Их дебютный диск "Tid Är Ljud" (2006) собрал урожай восторженных откликов в музыкальной прессе. Не остались в стороне и слушатели, проявившие повышенное внимание к северянам. Между тем ситуация внутри ансамбля складывалась не лучшим образом. Гитарист Маттиас Даниэльсон, руководствуясь личными амбициями, покинул коллег и замутил собственный прогрессив-бэнд Makajodama. На замену строптивому ренегату был взят Эйнар Бальдурссон - человек с абсолютно несхожей игровой техникой и принципиально иным подходом к композиции. В компании с новобранцем Gösta Berlings Saga засели за сочинение свежего материала, в итоге составившего содержание пластинки "Detta Har Hänt". Основная часть программы записывалась в принадлежащей участникам GBS студии "Пеликан". Наложение лупов и добавление различных аналоговых эффектов осуществлял Маттиас Ольссон из Änglagård. Микшировал альбом легендарный клавишник Йенс Юханссен (ex-Yngwie Malmsteen's Rising Force, Mastermind, Stratovarius, соло) на пару с органистом Давидом Люндбергом. Короче говоря, трудились профи высочайшего класса, и результат получился соответствующим.
Как и следовало ожидать, семидесятнические тенденции в саунде никуда не исчезли, зато тканевые структуры треков вышли на новый уровень. Благодаря жесткой диссонансной манере Бальдурссона GBS зазвучали более мрачно. О чем красноречиво свидетельствует название вступительной пьесы - "Kontrast", просеянной сквозь умозрительное сито ранних King Crimson. Замысловатое произведение "Sorterargatan 3" в своем развитии движется довольно интересным маршрутом: смелый синтез психоделических рефлексий с пост-роковой ритмикой, электронными примочками и густыми меллотроновыми слоями. Авангардный дарк-эмбиент "Svenska Hjärtan" в чем-то предвосхищает идейные находки оригиналов из Tonbruket (не зря Дан Берглунд лично оформлял буклет первенца GBS). Формулу этюда "Fem Trappor" можно было бы охарактеризовать словосочетанием "буря и натиск": органно-гитарные перекаты здесь заряжены энергией шторма. Грозовое наступление по всем фронтам сменяется рассудочным (поначалу) эпизодом "Nattskift", впрочем, и тут не обходится без моментов коллективного бесчинства. Развернутое полотно "Bergslagen" - ядреный замес из фриппообразных брутальных сентенций гитары, окаймляемых призрачной кисеей меллотрона, и клавишных психоделик-интерлюдий с едва угадываемым классицистическим подтекстом. Загадочная акустическая реприза "Innilegur?" плавно перетекает в финальный 11-минутный кунштюк "Västerbron 05-30", пронизанный ретро-настроением и отсылающий нас во времена, когда на нордической сцене царили гиганты прог-блюз-фолка...
Резюмирую: шикарное собрание исполнений, не напрасно номинированное на золотую награду, учрежденную Шведским Национальным Радио. Настоятельно рекомендую.

Asia Minor "Between Flesh and Divine" (1981)

Январь 1979 года. В состав Asia Minor вливается стародавний знакомый ударника Лайонела Бельтрами Роберт Кемплер. С ним в качестве бас-гитариста команда начинает серию промоушн-концертов в поддержку альбома "Crossing the Line". Ситуация для ансамбля складывается благоприятно, публика замечательно принимает арт-рокеров. Однако в разгар гастрольного сезона органист Николя Висенте покидает своих турецких коллег и возвращается в родную группу Grime. Не поддаваясь паническим настроениям, мастермайнд AM Сетрак Бакирель (вокал, гитара, бас) уговаривает Кемплера переключиться на клавишные. Роберт с неохотой соглашается. Выручив остальных участников коллектива, он автоматически становится полноценным членом AM...
Свою вторую программу "Between Flesh and Divine" ребята записывают в формате квартета: Сетрак, Роберт, Лайонел и Эрил Текели (гитара, флейта). Стилистически Asia Minor придерживаются выработанных ранее канонов. Разве что аранжировки делаются более изощренными и комплексными, а гармонические структуры композиций - разнообразнее и богаче. В открывающей диск пьесе "Night Wind" удачнейшим манером сочетаются драйв и энергия рока; этнические влияния, берущие исток в границах "малой родины" Эрила и Сетрака; светлая печаль (флейтовые соло частенько носят плачущий характер) и эпизодические тревожные всполохи. Одним словом, красиво. Да и продолжение выглядит не менее вдохновенным. "Northern Lights" с ее интродуктивной призрачной меланхолией, ритмическими финтами и острой струнной риффовкой в средней части, неожиданным растворением в эфемерно-астральной области и искусно сотканными синтезаторными "коврами" вряд ли оставит равнодушным почитателя ортодоксального симфо-прога. Мелодическая стройность невероятно лиричного трека "Boundless" вкупе с теплыми "космизмами" напоминает о существовании таких заслуженных мастеров арта, как Camel и Pulsar. И хотя в исполнительском плане Asia Minor, конечно же, не дотягивают до уровня старших товарищей по цеху, в умении вызывать у слушателя соответствующее настроение им не откажешь. Завидную изобретательность четверка демонстрирует в фреске "Dedicace", комбинируя хард-роковые ходы с мотивными "турецкими деликатесами" и пространной образностью клавишного space-жанра. Эффектное психоделическое обрамление (шум дождя, имитирующий работу часов перестук барабанных палочек) способствует воссозданию обособленной картины реальности, главные компоненты которой - ночь, льющаяся с небес вода и бредущий сквозь непогоду человек, заплутавший в собственных чувствах... Финалом пластинки служит 3-минутная нервно-колючая инструментальная зарисовка "Dreadful Memories", отчасти инспирированная опытами King Crimson, однако далекая от срывания в темную круговерть абстрактного хаоса...
Резюмирую: один из классических образцов закатной эры арт-рока. Доступный, но вместе с тем привлекательный релиз, без сомнения, обладающий художественной ценностью. Рекомендую.

Asia Minor "Crossing the Line" (1979)

Для начала факты: 1971 год. Стамбул, колледж Святого Иосифа. Трое студентов создают собственный (покуда безымянный) музыкальный коллектив. Ориентиры - британский рок и традиционные средневосточные мотивы. Спустя несколько лет основатели ансамбля Эрил Текели (гитара, флейта) и Сетрак Бакирель (гитара, вокал) играют под вывеской Layla. Однако на местной сцене амбициозным молодым людям тесно и скучно. Оба принимают решение о переезде во Францию... Гренобль, Париж, выступления в небольших театрах, университетах, парках... Фортуна не слишком ласкова к турецким артистам, но те не сдаются. Сменив имя на Asia Minor Process (и чуть погодя, урезав его на одно слово), они рекрутируют в коллектив 16-летнего драммера Лайонела Бельтрами. Креативная энергия новобранца вкупе с неплохой исполнительской техникой позволяет инструменталистам точнее определиться со стилем. За основу берутся прогрессивные открытия англо-саксов + пространная напевная меланхолия ностальгического свойства. Приведенная в действие формула постепенно формирует авторский почерк собственно Asia Minor. И в феврале 1978 года трио, при гостевом участии органиста Николя Висенте (Grime), записывает в студии Maïa дебютный альбом "Crossing the Line"...
Первое, что удивляет при прослушивании: откуда в этих знойных южных парнях столько мечтательной грусти? Видения туманных высокогорий, будто бы нехотя демонстрирующих свои очертания путнику, характерная "экзотическая" ритмика, минорные партии гитары и клавишных, плетущая невесомый орнамент флейта + трогательный искренний вокал Сетрака - такова примерная картина не только вступительного трека "Preface", но и ряда других композиций. Пьесы плавно перетекают друг в друга, образуя целостную, выдержанную в единой манере панораму. "Полночное" настроение спетой по-турецки "Mahzun Gözler" пронизано ощущением тревоги и грозовыми шквалистыми риффами; изящная бессловесная фреска "Mystic Dance", напротив, покоряет размеренностью и колоритным кружевом духовых. Ядреные марш-броски "Misfortune" сглаживаются легким налетом лирики, а загадочная корневая созерцательность сюжета "Landscape" во многом выигрывает за счет достаточно резких гитарных пассажей и округлых аккордов электропиано. Текстовая подача в "Visions" отличается долей наивности, впрочем, оно нисколько не портит сути, ведь любопытных мелодических прогрессий хватает и здесь... Электроакустическая исповедь "Without Stir" по внутренним кондициям напоминает отдельные вещи Camel: та же душевность и красота без грамма помпезности. На редкость хорош сугубо "малоазиатский" этюд "Hayal Dolu Günler Için" - своеобразное послание стамбульским друзьям и родственникам. Замыкающая миниатюра "Postface" ставит в повествовании логическую точку с явственно уловимым оттенком печали...
Резюмирую: прекрасная программа, воплощенная без громоздких аранжировок и виртуозных соло, зато с талантом, вкусом и тактом. Рекомендую.

Wiermann & Vogel "A Mão Livre" (2003)

Имена этих людей, без сомнения, хорошо знакомы любителям южноамериканского прогрессив-рока. Для лиц несведущих приведу небольшую справку: 1) Элиза Вайерманн - пианист, клавесинист, композитор. Постигала искусство игры на фортепиано, органе и клавесине в престижном учебном заведении UFRJ. Играла в камерных ансамблях, выступала с сольными концертами. Увлекшись техникой электронной аранжировки, переключилась на синтезаторы и аналоговые клавишные инструменты. В мире арт-рока обрела известность как лидер формации Quaterna Réquiem. 2) Клебер Фогель - скрипач, мандолинист, композитор. Выпускник музыкальной школы имени Эйтора Вилла-Лобос, участник ряда академических коллективов (среди них - Бразильский симфонический оркестр, Филармонический оркестр Рио де Жанейро и Камерный оркестр Федерального университета Рио да Жанейро). В 1992 году Фогель отметился на дебютном альбоме Quaterna Réquiem, а пару лет спустя организовал схожий по стилистике инструментальный проект Kaizen. В 2002 году парочка решила "объединить бренды". Таким образом, идея совместной пластинки Элизы и Клебера получила достойный шанс на реализацию...
В звуковом пространстве "A Mão Livre" счастливо скрестились талант и амбиции. К общему делу были привлечены члены Quaterna Réquiem, а также гобоист Франциско Гонсальвес из Kaizen, виолончелист Пауло Санторо и гитарист/альтист Роберто Кривано. Единственное, чего стоило ожидать от подобной компании, - симфо-рок "высокого штиля". Собственно, его и имеем. С поправкой на некоторые нюансы, о чем скажем ниже.
Открывается программа неожиданной для бразильцев средневековой кельтской пьесой "Give Me Your Hand" авторства Руайри Далл О'Катаин (1570-1650). Чарующая воздушная гамма переливается волшебными картинами широких валлийских равнин и вересковых лугов. В камерном полотне "Madrugada" величественные клавишные партии синьоры Вайерманн лирически обыгрываются пронзительными скрипичными соло Фогеля. Превосходна в своей мечтательной латинской ностальгии "Сantilena", продолжаемая атмосферным и невыразимо роскошным элегическим этюдом "Salas Vazias". Благородная стать католических соборов отражается в канве хрустальной зарисовки "A Loja dos Relógios", воплощенной Элизой без посторонней помощи. Оформленная Клебером "Tribo" условно делится на две составляющие: синти-роковую и мощную оркестровую, поддержанную гобоем, струнными и перкуссией. Энигматическими флюидами веет от рефлексивного эпизода "Mensageiro dos Ventos", сменяемого строгой красотой ренессансного типа в сюжете "Canto de Outono". В жгучем танце "Dança das Horas" оба мастермайнда отбрасывают степенность и наконец-то дают волю разгулу страстей. Ну а финал "Fugato", невзирая на ярко выраженную ритмику, тяготеет таки к минорному настрою, хоть и оживляемому в достаточной мере взрывной электрогитарой Роберто Кривано...
Резюмирую: недурственный инструментальный акт, рекомендуемый как почитателям Quaterna Réquiem, так и всем приверженцам музыкальных симфонических экскурсов.

Björn J:son Lindh & Staffan Scheja "Bridges" (1989)

Третий (и последний) опус из концепт-серии Europa. Внешне неизменный состав (Бьорн Джейсон Линд - флейта, клавишные, Стеффан Шейа - рояль), верный продюсер-композитор Лейф Карлквист. И вроде бы, нет поводов ожидать от сюжетов диска чего-то необычного. Однако именно здесь скрывается подвох. "Bridges" отличается от остальных работ цикла креном в смежную стилевую плоскость. И виновник нововведений (о которых чуть ниже) - единоличный автор музыки, уникальный маэстро Линд. Причину корректировки курса угадать несложно. Ведь параллельно с этим Бьорн трудился над дивным альбомом "Svensk Rapsodi", полным симфо-артовых красок и пасторальных фолк-панорам. Выпускать одновременно схожие по звучанию пластинки было бы нецелесообразно. И как человек в высшей степени творческий, Линд решил зайти с другого бока. За основу отдельных колористических схем "Bridges" он взял джаз...
Начальная пьеса "Across Forever" ни единой нотой не выдает тайного намерения мастера. Перед слушателем пока еще удивительная, воздушная, напоенная солнцем и соленым морским бризом камерная манера повествования с минималистичным нью-эйджевым оттенком. Тут все приятно - и аккуратные арпеджио Шейа, и фоновая оркестровка, и ненавязчивые флейтовые эпизоды... Но каждая последующая секунда приближает к нам момент истины. И вот наступает черед титульной вещи. В атмосферных клавишных пассажах выкристаллизовывается драматический подтекст, действие постепенно наводняется великолепно имитированными посредством синтезатора партиями трубы. Что до естественных проявлений духовых, то здесь им придан загадочный восточный флер, идеально сочетающийся с общим рисунком композиции. В треке "Night Baloons" успешно реализуется привычная для обоих исполнителей стратегия: пролонгированное рассудочное вступление - резкое погружение в ритмичную центральную часть, богатую перкуссионными эффектами (ответственный Пар Линдвалль) - прозрачная умиротворенная кода. "Archway" и вовсе тяготеет к благородному седому классицизму аристократического пошиба. Клавишный этюд "Northern Light" носит пограничный характер: выверенная точность академических ходов периодически разбавляется импровизационными джазовыми маневрами. "La Puerta", оправдывая название, декорирована знойными испанскими мотивами, тогда как расположенная рядом "Rainbow Shadow" - мечтательно-меланхоличная фреска с рефлексивным уклоном. Затейлив язык пятиминутной вещицы "Colombine": внедрять авангардные элементы в кружевную нью-эйджевую легкость - на такое способен лишь исключительный фантазер (а Линд, как мы знаем, из их числа). Фортепианная элегия "September Children" вполне сгодилась бы для программных филармонических штудий; неплохая заявка на неоклассику. Да и короткий финал "Darmstadt Goodbye" замечателен отступлением от прежних канонов: искуснейший авант-дуэт для флейты и рояля - ничего подобного они еще не играли...
Резюмирую: более чем удачное завершение "европейской" трилогии. Рекомендуется всем поклонникам Линда, Шейа, а равно и тем, кто жаждет приобщиться к подлинному искусству.