29 июн. 2010 г.

Finisterre "La Meccanica Naturale" (2004)

Для композитора/басиста Фабио Дзуффанти и его коллег понятие Finisterre - олицетворение музыки без границ, возможность беспрепятственного проникновения за пределы жанров. Однако для исследования различных звуковых и стилистических пластов одного лишь желания недостаточно. Подтверждением тому - вышедшая в 1994 г. безымянная дебютная работа коллектива. При всем энтузиазме и вдохновении участников, она по большому счету являлась прекрасным любительством, погоней за синей птицей удачей, которая не спешила попадаться в расставленные новобранцами силки. Впрочем, будущее продемонстрировало серьезность творческих устремлений итальянцев. От пластинки к пластинке наши герои росли духовно, попутно совершенствуясь в исполнительском мастерстве. А вскоре к собственно Finisterre прибавился и сторонний проект Höstsonaten, со временем обретший черты основного детища для маэстро Дзуффанти. Но то - совсем другая история, к которой мы как-нибудь вернемся. Пока же на очереди "La Meccanica Naturale".
Альбом, спродюсированный ударником PFM Францом Ди Чиоччо, стал осязаемым воплощением многолетних чаяний финистерровцев. Опытной рукой почтенный ветеран арт-рока расположил все составные саунд-компоненты, определяющие лицо группы, в единственно необходимой последовательности, добившись поразительно сбалансированного результата. Да и самим музыкантам представился случай показать себя с наилучшей стороны. Теплые, насыщенные нюансами мелодические ходы пронизывают интроспекцию "La Perfezione", где сразу два органиста - Агостино Макор (лидер Zaal) и Борис Валле - колдуют над элегическим ретро-бэкграундом, а трогательно-меланхоличный вокал Стефано Марелли ведет нехитрое повествование на родном языке. В "La Mia Identita" на первый план выходят хард-роковые гитарные риффы и энергетические соло аналоговых синтезаторов; причем резкая смена настроения претворена весьма искусно, без ущерба для стройности картины в целом. В "Il Volo" напевная балладность заключает альянс с ядреным фьюжн-проговым напором. Синьору Марелли наконец-то дают разыграться как следует, и его отточенные шестиструнные партии на фоне меллотроновых переливов искрятся почти что гилморовским очарованием. "La Maleducazione" - любопытный эксперимент по скрещиванию ритмичного электро-попа с нео-психоделией: очень даже недурственно, хотя "пуристам" от прогрессива подобный шаг вероятно покажется надуманным. "Ode al Mare" - пожалуй, наиболее проникновенный номер программы красоты неописуемой. Отдельное "браво" волшебнику Агостино, создавшему здесь поистине восхитительные клавишные ландшафты. Остальные треки также содержат немало "изюма": это и бессловесный космический симфо-джаз "Rifrazioni", и неожиданный модерн-рок в духе Muse ("La Fine"), и электронный эмбиент-пост-прог-что-то там еще ("Incipit"), и ... стоп.
Довольно никчемных фраз. Слушайте. Без предвзятости, без настороженности и недоверия. Просто слушайте. Оно того стоит.

26 июн. 2010 г.

Makajodama "Makajodama" (2009)

Шведы продолжают оригинальничать. Широкое арт-роковое поле, вдоль и поперек перепаханное местными ансамблями за последнее двадцатилетие, обогатилось интересным звуковым соцветием, коему имя Makajodama. Рулевой проекта, гитарист/органист Маттиас Даниэльссон прежде играл в прогрессив-банде Gösta Berlings Saga. Однако там его самобытные идеи не встречали нужного отклика. Покинув коллег, Маттиас на пару с тезкой, ударником Анкарбрантом (The Carpet Knights), объявил о формировании нового коллектива. С приходом струнного дуэта в лице виолончелистки Карин Ларсдоттер и скрипача (по совместительству клавишника) Юхана Клинта процесс комплектации состава завершился и началась собственно работа над материалом.
Решенный в инструментальном ключе безымянный дебют Makajodama демонстрирует слушателю достаточно неожиданные грани прогрессива. Субжанровый калейдоскоп открывается мрачноватой гипнотической фреской "Reodor Felgen Blues", в принципе не имеющей никакого отношения к блюзу. Закольцованные психоделические пассажи, переходящие в умопомрачительные тяжелые риффы в духе ранних King Crimson (недаром микшировал диск Никлас Баркер, гитарист культовых Anekdoten) и обратно в стадию умиротворения, отлично наслаиваются на академические партии струнных. Состояние шизоидного сумрака перерастает в оттеняемую мягким аналоговым звучанием меланхолию. Но ненадолго, ибо утихшая было ярость возвращается снова, отвоевывая лидирующие позиции на эмоциональном фронте. Образной красоты исполнена чудесная эпическая пьеса "Buddha and the Camel", во второй части которой к действию подключается специально приглашенный флейтист Тобиас Вальстедт. Восточным колоритом пропитан загадочный акустический этюд "Wolof", доведенный до ума при помощи Стиана Гримстадта (туба, баритон-горн, ситар). Эфирные гармонии наводняют искусный минималистский опус "The Train of Thought", основанный на единственной музыкальной фразе, хитроумно склоняемой на все лады в разнообразных сочетаниях инструментов. Ментальные потемки "риошного" произведения "The Ayurvedic Soap" - очевидный реверанс в сторону бельгийских уникумов Univers Zero: натуральный бенефис для филармонической половины Makajodama. "Vallingby Revisited" - импровизационный парад свободных от условностей форм, украшенный присутствием тенор-саксофониста Густава Нигрена. "The Girls at the Marches": и вновь сюрприз, на сей раз блюз-рокового толка, с примесью астральных космизмов и тематическим развитием а ля Pink Floyd; крайне интригующий трек, сочиненный троицей Даниэльссон/Анкарбрант/Клинт. Финальная неоклассическая вещь "Autumn Suite" - своего рода респект симфо-роковому жанру: духовые, струнные, электроорган + чрезвычайно уместные аккорды ситара под занавес композиции...
Резюмирую: шикарная, свежая по замыслу и воплощению (невзирая на блаженный флер семидесятничества) соническая экскурсия. Очень рекомендую.

23 июн. 2010 г.

Yak "Journey of the Yak" (2008)

Их первое появление на британском проговом небосклоне относится к 1982 году. Однако тогда квартету под названием Yak не удалось потрясти умы соотечественников. Прямым следствием недооценки стал распад коллектива. И казалось бы: всё, конец истории. Ан нет. Yak умер, но дело его продолжало жить в виде репетиционных записей и демо-лент, тщательно сберегаемых органистом Мартином Морганом. Спустя два десятилетия после печальной даты этот джентльмен из Эссекса решил начать с чистого листа. Взяв за основу архивные пленки группы, Морган переосмыслил содержимое, и в итоге самиздатом выпустил CD "Dark Side of the Duck" (2004). 32 минуты ностальгического old school прогрессива пришлись по вкусу международным рецензентам, а равно и меломанам. Многостаночник Мартин быстро смекнул, что его скромному детищу предоставляется шанс повторно заявить о себе миру, после чего заперся в домашней студии - трудиться над сочинением свежего материала. Действуя в одиночку, он сумел реализовать еще два диска. И лишь в 2008 г. убежденному ретрограду Моргану посчастливилось найти компаньонов. Отныне под проверенной вывеской творили трое: ответственный за партии клавишных мастермайнд, басист Гэри Беннетт и ударник Дэйв Спейт (кстати, последний - не новичок в арт-роке; на его счету работа с экс-Yesовцем Питером Бэнксом и экс-Enidовцем Ником Мэем). 14 ноября того же года увидела свет четвертая полнометражная программа Yak "Journey of the Yak".
В ответ на ключевой вопрос ("что имеем?") хочется привести лаконичный отзыв маэстро Стива Хэккетта, заявившего так: "Прекрасная музыка". Святая правда. Мартин со товарищи не обманули ожиданий слушательской аудитории. Воплощенный троицей клавишноориентированный симфо-прог далек от задач сразить всех наповал пулеметными скоростями. Теплые композиционные гармонии Yak исполнены доброты, поэтического лиризма, старомодной мечтательности, навевающей приятные воспоминания о командах-ветеранах, например, Camel. Эпические конструкции, возводимые инструменталистами, избавлены от тяжеловесности. Подобно завораживающим сказочными очертаниями воздушным замкам, вырастают они из среднетемповых, насыщенных аналоговыми тембрами тематических ячеек, складываясь в по-настоящему привлекательную, законченную в смысловом отношении мозаику, заключающую в себе широкую гамму настроений, образов и оттенков...
Несмотря на очевидную преемственность традиций, сравнивать Yak с титанами прошлого вряд ли будет уместным. Если уж озаботиться целью поиска жанровых сородичей, то максимально подходящим вариантом для сопоставлений, на мой взгляд, должны бы стать англичане Willowglass, движущиеся схожими звуковыми путями. В целом же, отличный пример инкарнации отдельных романтических мотивов классического рока семидесятых. Рекомендую к ознакомлению.

21 июн. 2010 г.

The Ancient Veil "The Ancient Veil" (1995)

The Ancient Veil - детище давних друзей-музыкантов Алессандро Серри (гитара, флейта, вокал) и Эдмондо Романо (саксофон, флейта). Сотрудничество этих итальянских ребят началось в середине восьмидесятых, с момента основания команды Eris Pluvia. Последние были довольно известны у себя на родине благодаря активной концертной деятельности и звуковому оформлению театральных перформансов. В 1990 году французский прогрессивный лейбл Musea заключил с ними контракт, и чуть позже увидел свет первый альбом Eris Pluvia "Rings of Earthly Light", ставший настоящим сюрпризом для поклонников эпического симфо-арта. Однако успех впечатляющего дебюта итальянцев не способствовал прекращению творческих разногласий внутри коллектива. В декабре 1992-го Алессандро Серри покидает Eris Pluvia, а буквально через год аналогичным манером поступает и Эдмондо Романо.
Решив еще разок попытать счастья в соавторстве, коллеги учреждают собственно The Ancient Veil. Хронология последующих событий: 1) в декабре 1993-го новоявленный дуэт реализует демо-запись "Morning After", включающую 4 композиции; 2) на протяжении 1994-го года соратники сочиняют и записывают звуковую дорожку к сценической постановке "La Siepe" ("Преграда"). Параллельно Эдмондо репетирует с членами формации Avarta, работающей в жанре этно-фьюжн; 3) в 1995 г. компания Mellow Records выпускает трибьют-альбом эпохальным Genesis "The River of Constant Change", в подготовке которого участвуют и The Ancient Veil (трек "Lamia"). А позднее та же фирма издает полноценный диск конгломерата Серри/Романо.
В отличие от насыщенной рок-полифонии Eris Pluvia, безымянный релиз The Ancient Veil тяготеет к камерному звучанию. Устоявшемуся тандему Алессандро и Эдмондо в совместной работе помогало множество музыкантов, в числе коих значились и сугубо академические - струнный Willow Quartet, а также хоровая капелла из шестнадцати человек. Результат получился любопытным, балансирующим на стыке различных жанров: элементы рока сквозят разве что в заглавной композиции, прореженной электрогитарными соло маэстро Серри. Все остальное - удивительный микс из пасторального менестрельского арт-фолка, классики, хоральных песнопений, джаза и, пожалуй, нью-эйджа. Чистый прозрачный саунд, пейзажные зарисовки, гармоничное слияние разноликих компонентов... Выделить что-то из общего ряда сложновато. Если навскидку, то отмечу печально-красивую рапсодию "Flying", фольклорный фьюжн-коктейль "Gleam", миниатюру а ля Gryphon "The Dance of the Elves", симфониетту "You'll Become Rain, pt. 2" и ... Врочем, хватит заниматься селекцией. Программа по-настоящему хороша именно своей целостностью, искренностью и неподдельным лиризмом. Замечательная, редкого свойства пластинка-отдохновение, зрелое очарование которой постигается лишь по прошествии времени. Рекомендую.

19 июн. 2010 г.

Jean Pascal Boffo "Carillons" (1987)

После скромного, но объективно удачного самостоятельного старта Жан Паскаль Боффо решился на продолжение. "Carillons" - своего рода ответ французского музыканта на массу безликих и пустых электронных мотивчиков, захламивших радиоэфиры Старого Света. Пластинка записывалась им уже не в одиночку, а при поддержке аккомпанирующего состава: Денис Бати (синтезаторы), Карлос Павичич (бас), Герви Руйе (ударные). В итоге маэстро сумел целиком сосредоточиться на гитарной работе, расцветив палитру утонченно-аккуратными партиями. Сказочная тематика дебюта сохранилась в силе: эльфы, феи и гномы по-прежнему наличествуют в оформлении релиза, однако общая композиционная структура "Carillons" выдержана в полноценном рок-ключе, в отличие от нью-эйдж ориентированного предшественника. Каждая из пьес наделена собственными уникальными чертами. Интродукция "Bienvenue Au Pays" очаровывает журчащими синтезаторными подкладками мсье Бати, прекрасно дополняющими фронтальную артовую схему замысловатых соло электрогитары мастермайнда. "Joyeuses Paques" - комплексное произведение, заключающее в себе менестрельскую рассудительность вкупе с центростремительным игровым рисунком. Прогрессивная ритмика оттеняет изысканное кружево гармоний в этюде "Carrousel", где Боффо демонстрирует особый инструментальный подход, плавно соединяя технические приемы из арсенала Стива Хэккетта и Алана Холдсуорта. Серьезность и основательность его виртуозной подачи являются залогом глубины в треке "Le Cycle Du Cristal", невзирая на излишне легковесную клавишную тонировку. "Conte A Rebours" напоминает хрупкий мостик меж поверхностной безыскусностью синти-попа и монументальностью симфо-рока: жаль только, набор изобразительных средств несколько скуден (по меркам классик-прога, естественно). Зато идущая следом полупространная фреска "L'Ile Aux Lutins" поначалу приятно удивляет созерцательно-философским настроением (хрустальные переборы Жана Паскаля на фоне призрачной армады пассажей Дениса); ближе к середине действа наступает момент перелома, медитативность испаряется под давлением шустрых роковых частиц. Не менее оригинальным выглядит небольшой симфо-фьюжн-номер "Fete En Perspective", где басист Павичич соревнуется с лидером в скорости звукоизвлечения. Лирическим откровением джазового толка воспринимается зарисовка "Horizon", по своим параметрам вполне сопоставимая с саунд-путешествиями бретонского чародея Дана Ар Браза. Трогательный финал "A Cordes Imaginaires" расставляет все по местам: блестяще сыгранные акустические арпеджио, довольно неглупое полифоническое обрамление в оркестровом стиле... Удивительно зрелая вещь, утверждающая Боффо в ранге композитора-эстета с солидными планами на будущее.
Резюмирую: добротно скроенная программа. Избавленная от сверхзадач и претензий на шедевральность. Просто хороший диск талантливого артиста.

16 июн. 2010 г.

William Ackerman "It Takes a Year" (1977)

"It Takes a Year" - основополагающая работа для всего последующего творчества американского музыканта Уильяма Аккермана. Выпущенная годом позже дебюта, эта пластинка не просто сформировала особенности авторской манеры маэстро, но и во многом определила репертуарную политику звукозаписывающего лейбла Windham Hill Records, организованного тогда же бывшим плотником Уиллом и его первой женой Энн Робинсон. На диск вошли девять инструментальных пьес для 12-струнной акустической гитары, сочиненные мастермайндом за период с 1970 по 1976 гг. Скептик, конечно же, не упустит случая побрюзжать по поводу малой интересности сугубо гитарных пластинок. Спорить не буду. Однако позволю себе заметить следующее: композиции Аккермана хороши прежде всего не техникой, а удивительной образностью, если хотите, осязаемостью. Это подлинная натурфилософия, стремление выразить посредством звука волшебную сущность природы, красоту человеческих отношений; тихое приближение к разгадке извечного секрета жизни.
Стилистически релиз попадает в категорию new age с поправкой на фольклорноориентированный фундамент мелодий. Именно здесь впервые расцвели нежными пасторальными оттенками два неторопливых этюда, со временем ставших визитной карточкой Уилла. Речь идет об очаровательной, сдержанно-старомодной романтической элегии "The Bricklayer’s Beautiful Daughter" и лирико-драматической фреске "The Impending Death of the Virgin Spirit", при должном настроении способной проникнуть в самое сердце души. Не случайно обе пьесы позднее были отобраны для саундтрека к пейзажной видео-программе "Autumn Portrait" (1985, Windham Hill Records), гармонично вписавшись в компанию к дорожкам не менее славных артистов (Shadowfax, Mark Isham, Alex de Grassi и др.). Впрочем, и такие опусы Аккермана, как рассудочный номер "Balancing", по-осеннему меланхоличная заглавная зарисовка или отсылающая к альбому-предшественнику мотивная "The Search for the Turtle's Navel" привлекают элегантностью, тонкой расстановкой акцентов, уникальной атмосферой и отчасти "энигматичностью". Для поднятия слушательского тонуса пара позиций ("The Townshend Shuffle", "The Rediscovery of the Big Bug Creek, Arizona") исполнены в типичном для традиционного американского кантри бодром ключе, но по большому счету эта музыка не для фона; она рефлексивна и требует ответного отклика, умения сопереживать. Безмолвный диалог на равных, в процессе которого кристаллизуется нечто, почти недостижимое словами…
Итог: по-своему замечательное, изящное и стройное собрание произведений камерного звена, апеллирующих к нашему воображению. Адресуется почитателям неброских саунд-ландшафтов и ценителям высокохудожественных мелодических панорам.

14 июн. 2010 г.

Terraced Garden "The Collected Works" (1982; 1984)

До 1981 года канадский мультиинструменталист Карл Тэйфел успел поиграть во многих местечковых составах, кардинально разнящихся в жанровом отношении: тут вам и панк-формация Station Twang, и арт-команда Ex Libris, и пауэр-трио Cardboard Brains. Накопленный опыт вскоре потребовал адекватного выхода. Вот тогда и "замутил" Карл собственный проект с красивым названием Terraced Garden. Позвал друзей – ударника Питера Уикса, духовика Йена Колвина, скрипача Саймона Джейкобса, и дело пошло. Вдохновляясь творчеством The Beatles, раннего Элиса Купера, грандов британской сцены 1970-х, а также классиками калибра Игоря Стравинского и Кшиштофа Пендерецкого, Тэйфел со товарищи принялся за оформление многополярного прогрессивного лонг-плея "Melody & Menace" (1981). Пластинка получилась крайне оригинальной. Пусть и не слишком виртуозно-навороченной, зато с индивидуальным подходом к композиции и звуку. Инициатор действа на поверку оказался истинным менестрелем, обожающим выразительное пение под мелодичные переборы акустической гитары, тонкие пассажи клавесина, уютное звяканье колокольчиков и прочую атрибутику эпохи легенд. Прибавьте к этому выразительные скрипичные соло, внушительные партии баса, пиано и флейту… Что получается? Средневековый фолк-рок? Слишком просто для канадцев. Здесь балом правит непредсказуемость: прогрессивно аранжированный нью-вэйв, напоминающий Japan ("Creature of Habit"), сменяется "приталенным" мадригалом ("Passages", "Old Friends"); космическая рапсодия с переливами меллотрона и слайд-гитарой ("Afterlife") прерывается напористым хард-н-артом в духе соотечественников Rush ("Threnody"), или трансформируется в вычурные инструментальные конструкции урбанистического пост-панка ("Noise And Haste"), после перерастает в сказочную элегию, отсылающую к Genesis средних 1970-х ("Dry Leaves in the Wind"), а то и вовсе оборачивается странным гибридом романтического оркестрового нео-фолка с темным хаосом авангарда а ля "Red" King Crimson ("Coventry"). Увлекательная, словом, экскурсия, рассчитанная на подготовленную аудиторию.
В течение последующей пары лет Terraced Garden обрели статус своего рода музыкального заповедника, где в период тотальной стагнации интеллектуального рока продолжали выживать диковинные артовые побеги. Композиционное "мичуринское" мышление лидера ансамбля Карла Тэйфела с момента издания дебюта прибавило в оригинальности. И подтверждением тому "Braille" (1984) – альбом, на котором слушателя постоянно таскают за нос. Облегченные синтезаторные подкладки в "Silent Disarray" вместо ожидаемой попсовой непринужденности оборачиваются джаз-роковым гитаризмом с прогрессивной ритмикой. "Gentleman of Liesure" – подлинный гимн человеческой нервозности с путанными мелодическими петлями и экспериментальными тембрами, знакомыми нам по поздним работам шведов Ragnarök. Мягкие пасторали "Versailles" очаровывают шикарными кружевами электроскрипки и даруют необходимую передышку. "Delusions of Grandeur" – убийственное сочетание «новой волны» с полифоническими изысками прогрессива – отодвигается на задний план горячительной бессловесной вариацией на тему упорядоченного хаоса ("Structural Damage"), своеобразным ответом King Crimson. Чудесная баллада "Internment" исполнена в традициях акустической камерной музыки: флейта, скрипка, гитара, французский рожок… и вся эта возвышенно-нежная прелесть погибает под хард-индустриальным напором "Winter" (чрезвычайно странное представление о зиме). Чудеса селекции достигают апогея на "Fallen Honour": кантри-арт; вот уж воистину - нет ничего невозможного. Эффектное хоровое пение "а капелла" в коротенькой "Blobo" служит прелюдией к заключительному треку "Empty Beach". И снова сюрприз: до боли родные интонации Camel, сопровождаемые вокалом, напоминающим разом и Барденса и Лэтимера. Точно эта вещица по каким-то неясным причинам не вошла на "верблюжий" LP "Rain Dances"...
Резюмирую: без сомнения, одна из ключевых позиций в гипотетическом Top-10 прогрессива 1980-х. Очень рекомендую.

10 июн. 2010 г.

Tin Hat "The Sad Machinery of Spring" (2007)

Лишившись одного из основателей - мультиинструменталиста Роба Бюргера, камерный американский состав Tin Hat автоматически утратил статус трио. Однако нет худа без добра. Место ушедшего музыканта поделили меж собой новобранцы - арфистка Зина Паркинс, кларнетист Бен Гольдберг и духовик/клавишник Ара Андерсон. В содружестве с ними верховные жрецы культа Жестяной Шляпы Карла Кильстедт (струнные, пиано, перкуссия, вокал) и Марк Ортон (гитара, добро, банджо, пиано, перкуссия) принялись за создание пятой по счету программы.
Название альбома (а равно и концепция) напрямую связано с творчеством польского писателя и художника еврейского происхождения Бруно Шульца (1892 - 1942). Его сюрреалистический роман "Санатория под клепсидрой" (в частности, фраза "и наконец-то суметь раскусить большую печальную машину весны") подвел идеологов Tin Hat к очередному композиционному исследованию. Парадоксальная, насыщенная метафорами и символами кутерьма слов маэстро Шульца послужила идеальной основой для творческих экспериментов тяготеющего к полистилистике квинтета.
...Местечковой грустью наполнено сочиненное Андерсоном интро "Old World": душещипательный монолог скрипки - точно выдернутый из контекста тридцатых годов ХХ века звуковой оттиск. Ретро-атмосфера сопровождает и мелодичную фреску "The Secret Fluid of Dusk" авторства Марка Ортона: лаконичными и одновременно емкими мазками исполнители восстанавливают панораму отошедшего в небытие провинциального мирка, не ведающего о близости глобальной катастрофы. Из уютных объятий меланхолии слушателя выдергивают при помощи заряженного энергией этюда "Blind Paper Dragon": дуэт акустической гитары и струнных, бойкая перебранка кларнета и трубы - все это похоже на голландцев Flairck, но в какой-то совершенно невиданной ипостаси. Очень любопытно выстроены внутренние коллизии интригующего болеро "Dionysus": консерваторская выучка участников действа тут как нельзя кстати. "Daisy Bell" - ностальгический симфо-джазовый номер, спетый Карлой в ее коронной манере с томным придыханием эстрадных див довоенного образца. Оставшийся материал, даже при обилии жанровых экскурсов в различные chamber-области (от удобоваримых авангардных пассажей, экспериментальных нойзовых вкраплений и клезмероподобных штучек до умиротворяющих вечерних пасторалей и эффектных саунд-имитаций a ля old school радио), также не вызывает нареканий. В меру мозаичное полотно частью скроено из диаметрально противоположных элементов, однако смысловая целостность его при этом не нарушается.
Резюмирую: сильная, безукоризненно воплощенная работа. Без намеков на электричество (что в минус для рок-аудитории), но с порядочным ворохом нюансов, разбирать которые как минимум интересно. Рекомендую серьезно настроенным меломанам, ценящим оригинальные акты искусства.

7 июн. 2010 г.

Instant Flight "Colours & Lights" (2004)

Базирующийся в Лондоне итало-чешско-английский конгломерат Instant Flight - едва ли не единственный на сегодняшний день ансамбль, достойно несущий знамя британской поп-психоделии конца 1960-х. В то время, как их сверстники пыжатся извлечь нечто удобоваримое из порядком замусоленной неопроговой рецептуры, квартет в лице гитариста/вокалиста Марко Маньяни, клавишницы/аккордеонистки Люси Рейхртовой, басиста Эндрю Браунинга и драммера Джеймса Оуэнса черпает вдохновение в виниловой россыпи бриллиантов ретро-эпохи, штудируя работы великих наставников - The Beatles, The Moody Blues, Procol Harum, Pink Floyd и иже с ними. Об успешном усвоении материала свидетельствует дебютная пластинка IF "Colours & Lights".
...Кто сказал, что сорок лет это возраст? Ничуть не бывало. Извлеченные из бездонных кладовых Хроноса законсервированные аккорды на поверку оказываются свежее и искреннее, чем творения ультрамодных бездушно-пустопорожних "звезд". Стоит нажать "play", и воздух заполняют сверхприятные шероховатые тембры, глубокие басовые ходы, фуззовые гитарные риффы и пышущий здоровьем "Хаммонд". Первой же вещью "Running Around" Instant Flight запросто сносят "крышу" у всех любителей поностальгировать по старому доброму року. Это самое настоящее смещение на несколько десятилетий назад, в кульминационный период "кислотной" субкультуры. Легкая напевность сопровождает полуакустический заглавный этюд, после которого настает черед натурального психоделик-прогового боевика "Top of the Mountain", изрядно приправленного ближневосточным колоритом. Для поклонников фундаментальных гитарно-органных саунд-атак тут определенно есть, где разгуляться. В помпезной композиции "Her Mystery", явственно навеянной пиковыми программами Битлз, к общему действию уместно подключается тромбонист Джон Харбоурн, вносящий в звучание своеобразный элемент оркестровости. Мелодичная "Under the Moonlight" с центральной соло-партией от приглашенного гитариста Гэри Рамона несет на себе отпечаток эстрадного ритм-н-блюза, интонационно близкого хитам The Animals. Далее по списку - баллада "She Passes by" с отличными хоровыми подпевками. А затем - сюрприз для почитателей таланта легендарного Артура Брауна: если в бесконечно заводной "Freeway" (смахивающей, кстати, на небезызвестную "Venus" голландцев Shocking Blue) корифей "туманной" сцены всего лишь помогает мистеру Маньяни с бэк-вокалами, то в песенке "Kites" маэстро выступает с привычной позиции фронтмена, демонстрируя недюжинный артистизм. Оригинальностью (коли таковая возможна в контексте релиза) блещет стоунер-номер "Flowers on My Grave", великолепно передающий дух хиппи-рока. Инструментал "Tarantula" - образчик того, что такое драйв и тяжесть в понимании ортодоксального шестидесятника. Финальную "Will You Think of Me?" озвучивает хрупкая органистка Люси, и делает это с замечательной естественностью.
Резюмирую: роскошный диск! Твердые пять баллов из пяти, подлинное удовольствие для мелогурмана. Наслаждайтесь.

5 июн. 2010 г.

Joe Jackson "Symphony No. 1" (1999)

Для уроженца Стаффордшира Джо Джексона (р. 1954) понятие "жанр" всегда означало вызов. И принимая его, этот английский нонконформист от культуры в подавляющем большинстве случаев одерживал чистую победу. В конце семидесятых он самым непосредственным образом способствовал проникновению британской "новой волны" на американский континент. Пауэр-поп мелодии, написанные бывшим студентом Лондонской Королевской Академии Музыки, без особого труда завоевывали место в радиоэфирах. Экспериментируя с ингредиентами, маэстро смешивал воедино элементы джаза, сальсы и дрим-попа, добиваясь совершенно уникального результата. Заслуженный коммерческий успех сопутствовал Джексону на протяжении лоскутной эпохи восьмидесятых, но почивать на лаврах достижений прошлого автору FM-хитов было не с руки. Джо стремился к большему, а именно - к синтезу доступности популярных течений с филармонической глубиной и изысканностью. Зачатки подобного рода метода он усматривал в богатом наследии Джорджа Гершвина, отдельные произведения которого в конечном счете и вдохновили нашего героя на собственные подвиги.
"Симфония № 1" - зрелое, вдумчивое сочинение, и все же далекое от чопорных академических канонов. Вместо оркестра - инструментальный ансамбль из десяти исполнителей, укомплектованный джазменами (духовики Уэсселл Андерсон, Теренс Бланшар, Робин Юбэнкс), классицистами из консерватории (Патти Монсон - флейта, Мэри Роуэлл - скрипка, альт), прославленным рок-гитаристом Стивом Ваем, ритм-секцией (Мэт Филдиз - бас, Гэри Бёрк - ударные, Сью Хадьопулос - перкуссия) и клавишником в лице самого мастермайнда. Развитие магнум-опуса мистера Джексона протекает довольно интересным манером. К примеру, в интроспективной части "First Movement" первая двухминутка отводится пространным авант-джазовым поползновениям саксофона. Затем осуществляется плавный сдвиг, ракурс меняется. И вот перед слушателем распахивается великолепная панорама, наполненная нежно струящимся светом электропиано, упорядоченными соло трубы, тонкими обертонами флейты и совершенно неузнаваемыми росчерками гитары виртуоза Вая, играющего здесь в ключе раннего кентерберийского арт-рока. Идейные "стыки" меж эмбиентально-лирическими пассажами и острой саунд-драматикой продуманы до мелочей и ювелирно претворены в жизнь участниками проекта. Микс из сэмплерной электроники, изящнейших симфонических этюдов, стройных рок-партий и джазовых вариаций редкостно грамотен и абсолютно прекрасен в своей новизне. Настроение каждой из тем концерта разнится. Так, в "Fast Movement" мы имеем дело с оркестровым прогрессивом высочайшего класса: беглые аккорды органа "Хаммонд", прозрачные синтезаторные фоны и мощная стена духовых задают действию немалый драйв. "Slow Movement", напротив, погружает нас в хрупкий мир классики, но с поправкой на присутствие электрогитары и чувственную подачу трубача Бланшара, выступающего в роли фронтмена. Рисунок эпического финала "Last Movement" поначалу кажется сказочно-элегическим, однако кульминационная фаза пьесы проходит под знаком мажорной бодрости джаз-рокового толка...
Резюмировать можно одним словом: шедевр. Удостоенный премии Grammy в категории Best Pop Instrumental Album в 2001 г. Настоятельно рекомендую.

1 июн. 2010 г.

Eris Pluvia "Third Eye Light" (2010)

Что ни говорите, а возрождение легенды - это приятно. Вот и итальянские мастера арт-рока решили тряхнуть стариной. Повод вполне достойный: в 2011 г. исполнится двадцать лет с момента выхода пластинки "Rings of Earthly Light", некогда прославившей Eris Pluvia в кругах любителей элегантного симфо-прога. Но оставим в покое дела давно минувших дней, ведь на очереди совершенно новое творение замечательных музыкантов. О нем-то и побеседуем.
"Third Eye Light" производит исключительно благостное впечатление. С одной стороны, налицо романтические идеалы ушедшей поры, с другой - материал дышит свежестью, присущей молодости. Удивительно, не правда ли? Речь-то о ветеранах. Фокус же заключается в том, что прежний состав группы представлен здесь отнюдь не полностью. Реюнион свершился без двух главных действующих лиц коллектива - певца/гитариста/флейтиста Алессандро Серри и духовика Эдмондо Романо. И что любопытно: отсутствие грандов практически не отразилось на качестве альбома. EP образца 2010 г. это: гитарист Алессандро Каваторти, органист Паоло Расити, басист Марко Фарелла, вокалист/гитарист Маттео Ноли и ударник Давиано Ротелла. В числе гостей отметились флейтистка Роберта Пирас, певица Диана Даллера и классический гитарреро Макс Марторана.
Если композиционные структуры "Rings of Earthly Light" во многом перекликались с приемами, отработанными англичанами Genesis и Camel, то "Third Eye Light" уместнее будет поставить в ряд с опусами ансамбля Narrow Pass - соотечественниками наших героев. Определяющим фактором здесь выступает атмосфера. В заглавной пьесе пространные синтезаторные оркестровки создают тончайший изысканный фон, тогда как на переднем плане разыгрывает свои чувственные монологи электрогитара в окружении акустических собратьев и лирически настроенных духовых. Пасторальными красотами полнится печальная фантазия "Rain Street 19", наследующая дух изначальных Eris Pluvia. Сумрачные тени мелькают в постепенно разгоняющейся нео-прогрессивной драме "The Darkness Gleams", смахивающей на сочинения поляков Satellite. Поистине волшебна проникновенная симфо-артовая элегия "Someone Care for Us": столь колоритные сказочные этюды ныне встречаются весьма нечасто. Зато последующий инструментал "Fixed Cours" буквально искрится жестким драйвом и энергией деструктивного свойства. Далее - любовная баллада "Peggy" со смешанным дуэтом вокалистов: неброско и очень симпатично. А за ней ни к чему не обязывающий игровой этюд "Shades" как воплощение суховато-бестолковой патетики модерн-прога. "Fellow of Trip" - пресловутая "ложка дегтя", лишний элемент в общей мозаике "Third Eye Light": несколько занудная и какая-то беззубая песенка, могли бы и не включать. Финал "Sing the Sound of My Fears" по-хорошему минорен, мечтателен, прозрачен и мелодичен; словом, фирменный итальянский стиль.
Резюмирую: довольно недурственный камбэк с явным прицелом на будущее. Советую ознакомиться.