28 мая 2010 г.

Scarlet Thread "Psykedeelisiä Joutsenlauluja" (2003)

Scarlet Thread - детище финского гитариста Яни Тимониеми. Название группы родилось еще в 1995 году, но довольно долгий период под этой вывеской творил исключительно Яни при поддержке нескольких сессионных музыкантов. Первый более или менее стабильный состав ST оформился между 1999 и 2000 г., тогда же молодым прогрессорам удалось поучаствовать в инициированной итальянским лейблом Mellow Records интернациональной компиляции "Tuonen Tytär: A Tribute To Finnish Progressive". Однако позднее дела у ансамблистов разладились и пришлось маэстро Тимониеми заняться очередным подбором исполнителей. В 2003 г. ситуация временно разрешилась. В команду влились сестры Эйни Песала (скрипка) и Анни Песала (флейта), плюс пожаловал драммер Пану Коскела. И в тот же самый год обновленные Scarlet Thread произвели на свет дебютную пластинку "Psykedeelisiä Joutsenlauluja".
Несмотря на мрачновато-юмористическую одномерность названия альбома ("Лебединая песнь психоделии"), в основе его композиционных структур лежит оптимальный для интеллектуальной аудитории принцип синтеза жанров. Малая продолжительность диска (всего 35 мин.) - отнюдь не помеха для феерических звуковых аттракционов ребят из Суоми. В законченных инструментальных полотнах скандинавов нашли отражение традиции северного фольклора, британского арт-, хард- и спейс-рока, а также отдельные приемы, характерные для европейской классической музыки. Вступительный номер "Viisauden Alku" являет собой практически образцово-показательную картину мира Scarlet Thread: на фоне семидесятнически "заточенных" гитарно-басовых тембров мастермайнда Тимониеми выписывает ажурные пассажи скрипка девушки Эйни. В полуакустической пасторали "Joutsenten Kaihoisa Laulu" ведущие партии поочередно разыгрывают струнные и духовые. Насыщенная электричеством пьеса "Siipirikon lento" напоминает разом как британских кудесников Ozric Tentacles, так и соотечественников ST - замечательных Hidria Spacefolk. На удивление светлая зарисовка "Vapahtaja" отмечена присутствием гостевого органиста, посредством "Хаммонда" и Муга вносящего свою лепту в процесс создания колорита. Наполненная корневыми нордическими мотивами фреска "Pimeästä Pohjolasta" параллельно получила прописку в эпическом глобальном бокс-сете сообщества Colossus "Kalevala: A Finnish Progressive Rock Epic", изданном Musea; весьма немаловажный для репутации Scarlet Thread факт. Психоделическая интерлюдия а ля Grateful Dead "Johdatus" предваряет 8-минутную эйсид-проговую конструкцию "Ajasta Ikuisuuteen", суммирующую достижения "кислотных" артистов второй половины шестидесятых и помещающую их в рамки комплексного арт-фолка новой эры...
Итог: до крайности интересная, умная и оригинальная программа от одного из лучших коллективов Финляндии. Рекомендую.

25 мая 2010 г.

Rousseau "Retreat" (1983)

После выхода дебютного диска "Flower in Asphalt" немецких прог-романтиков заметили представители масс-медиа. Группа дала серию концертов, встреченных "на ура" истосковавшейся по отличным мелодиям публикой, не обошли вниманием творчество Rousseau и работники германского телевидения. И вроде бы, все складывалось удачно. Однако в 1981 г. команду покинул ведущий гитарист Йорг Шварц, решивший попытать счастья в хард-роке. Заменил его струнных дел мастер Кристоф Масбаум, прежде игравший в различных фьюжн-составах. Талантливый новобранец подбросил несколько толковых идей оставшемуся за главного органисту Райнеру Хофманну, тот в свою очередь крепко поразмыслил над имеющимся, где-то что-то присочинил, и в 1983 г. Rousseau снова пожаловали в студию...
В музыкальном отношении "Retreat" не далеко отстоит от предшественника. Все та же тонкая атмосфера сказочности, фирменный лирический флер, сообщающий оттенок доступности симфоническим клавишным структурам. Дабы не перегружать слушателя сугубо инструментальными номерами, содержимое разбавили тремя песенными вещами, озвучить которые доверили вокалисту Герберту Руппику. Впрочем, особой пользы такая инновация не принесла: художественная ценность композиционных структур ансамбля очевидна и без дополнительного текстового сопровождения.
Бодрая вступительная зарисовка "L'âge d'or" отчасти наследует традиции голландского прогрессива 1970-х: "заточенные" под классику беглые синтезаторные арпеджио пересекаются в затейливом диалоге с отрезвляюще невозмутимой гитарой, более привычной к беседам в джазовом стиле. В песенке "One of a Thousand", невзирая на проговый аранжировочный налет, угадываются поп-артовые стандарты, к коим Rousseau придут в итоге. Но это будет позднее, а пока... Акустический фьюжн-этюд "Café Creme" в качестве короткой передышки перед прекрасной пьесой "China", будто бы целиком позаимствованной у Camel времен их первого альбома: щемящая флейта Кристофа Хюстера, бархатистый говорок "Хаммонда", деликатная ритм-секция... Ностальгия как она есть. Слезоточивая грусть ранних осенних дождей питает не менее замечательный мотив под названием "Yago". И вновь на авансцене солирует светлая меланхолия весьма привлекательного свойства ("Windsong"), и кружатся в неверном свете вечерних огней знакомые Camelоподобные тени. Бесхитростный голос фронтмена Руппика полирует небольшую артовую пастораль "Incomplete", не добавляя никакого шарма сверх положенного. Тональный созерцательный эскиз "Scarlet Lake" - финальный подарок экс-коллегам от коварного ушельца Шварца. "Breakfast at Tiffany's" - своего рода бенефис духовика Хюстера, чьим флейтовым упражнениям здесь отведено почетное место. Заключительный опус "Flight" демонстрирует наконец-то распевшегося герра Герберта на пике его вокальных возможностей: симпатичный мажорный боевичок - в меру душевный и без претензий.
Резюмирую: не шибко глубокий, но достаточно выразительный релиз, достойно несущий скромное знамя Rousseau. Совершенно не предназначен для "технарей" и любителей выкрутасов, зато поклонникам мелодического арт-рока наверняка доставит массу приятных минут.

23 мая 2010 г.

Jean Pascal Boffo "Jeux de Nains" (1986)

До того, как пуститься в одиночное музыкальное плавание, Жан Паскаль Боффо успел поиграть в малоизвестной французской прог-группе Mandragore, а также в придерживающейся цойл-манеры команде Troll. Удивительно, но дебютное сольное творение замечательного мультиинструменталиста оказалось полностью свободным от авангардно-сумрачных элементов. Пластинка "Jeux de Nains" стала первым из релизов только начинающей свою подвижническую деятельность компании Musea, что, конечно же, само по себе примечательно. Однако, ближе к теме.
Записанный в эпоху всеобщего танцевально-волнового бума альбом демонстрирует тотальное равнодушие к безумным веяниям времени. Приверженец по-хорошему консервативных тенденций, независимый художник Боффо рисует абсолютно старомодную картину в наивно-сказочном ключе. Его "Игры гномов", как явствует из названия и оформления диска, вполне можно принять за оду жанру фэнтези. Рыцари, замки, драконы, эльфы... Более оторванную от реальности тематику вообразить сложновато, впрочем, автора материала вопрос об актуальности программы на тот момент занимал слабо. Тринадцать инструментальных треков, исполненных лично Жаном Паскалем, перекликаются с лирическими звуковыми пейзажами раннего Энтони Филлипса и чарующими саунд-текстурами Майка Олдфилда образца семидесятых. Основных составляющих здесь несколько. Прежде всего, волшебные акустические пасторали, иллюстрирующие хороводы фэйри на полночных лугах. В данной области Боффо не изобретает ничего принципиально нового, но его мелодическая трактовка известных мифологических сюжетов весьма убедительна и редкостно симпатична. В электрических эпизодах (например, в "Carillon" или заглавной "Jeux de Nains") гармоническая гитарная подача маэстро фактически неотличима от пассажей Стива Хэккетта. Классический нью-эйджевый рисунок в "La Grange aux Bois" я бы сравнил с лучшими вещами Уильяма Аккермана, а камерные жемчужины вроде среднетемповой композиции "Le Vieux Château" или игровой фрески "Farfeluteries" полны сугубо арт-рокового изящества. Есть здесь, правда, и попытки обозрения означенного смыслового ряда с несколько иных позиций. Так, электронный минимализм "Le Vol du Dragon" воскрешает в памяти аналогичные опыты Тома Ньюмана, да и следущая за этим клавишно-синтезаторная миниатюра "Rêve d'Enfant" при желании попадает в одну категорию с отдельными сочинениями Вангелиса. В целом же мсье Боффо старается не отступать от заданного историей вектора, периодически вводя в повествование традиционные детали магической энигматики (злодейский смех темной сущности в "Jeux de Vils Nains" и прочие "фишки"), что, несомненно, колоризирует и без того эффектную канву.
Резюмирую: прекрасный образчик позднего симфо-арта, сочетающий в себе массу разнообразных достоинств. Рекомендую поэтически настроенным персонам и тем, для кого в музыке определяющим фактором является красота.

21 мая 2010 г.

Gryphon "Crossing The Styles - The Translatlantic Anthology" (2004; 2 CD)

Британский ансамбль Gryphon - истинное олицетворение "прогрессорства" на благодатной ниве рока. Выпущенные ими с 1973 по 1975 гг. пять пластинок сегодня могут считаться не только незыблемой классикой арт-музыки, но еще и великолепным примером стилевой эволюции. Жанровые эскапады "грифонов" удивляют без меры: за ничтожно короткий отрезок времени эти славные парни превратились из всецело акустического квартета исполнителей средневековых английских баллад в высокопрофессиональный квинтет, которому оказались по плечу абсолютно разнообразные формы: будь то гармоничный синтез фольклора с электрической рок-составляющей, развернутые симфо-проговые полотна эталонного качества или же искусно аранжированные песенно-ориентированные артовые этюды. Собрание сочинений Gryphon по праву занимает одно из почетнейших мест в истории классического прогрессива семидесятых, и данная антология призвана напомнить меломанам о блистательном прошлом без преувеличения гениальной группы.
Составители компиляции не слишком зацикливались на четкой хронологической последовательности треков. Куда важнее для них было явить слушателю богатейшую, многослойную картину, сотканную из целого ряда звуковых миров. Поэтому перепевки традиционных вещиц типа "Sir Gavin Grimbold", "Pastime With Good Company", приправленные прелестными "джетроталловскими" интонациями, или же симпатичный chamber-фолковый вариант битловской "Mother Nature's Son" здесь чередуются с обширными инструментальными сюитами из категории "только для умных". Отрадно, что все четыре эпика с объективно лучшего (по крайней мере, наиболее серьезного - точно) релиза Gryphon "Red Queen to Gryphon Three" (1974) в полном объеме представлены на обоих CD. Изумительная полифоническая палитра жемчужин вроде "Opening Move", "Second Spasm", "(Ein Klein) Heldenleben" и др. красочно иллюстрирует, на что способны воспитанники престижного Королевского Колледжа Музыки, обратившиеся в рок-веру. В отличие от развеселой компании Яна Андерсона, коллеги Ричарда Харви и Брайна Галланда (отцов-основателей коллектива) если и позволяли себе толику шутовства, то только на начальных этапах деятельности (ярчайший пример такого рода - остроумная зарисовка "The Devil and the Farmers Wife"). Да, среди прочего в подборке наличествуют задорные, сочащиеся оптимизмом нотки старинных плясовых. При желании их, конечно, можно соотнести с элементами своеобразного юмора, однако же по духу и настрою наши герои скорее лиричные менестрели, нежели балагуристые любимцы площадной публики. Послушайте хотя бы 19-минутную пьесу "Midnight Mushrumps"; разве оно не чудо? Поразительное по красоте рисунка кружево - ажурное и одномоментно до предела насыщенное нюансами; симбиоз пронзительной пасторальности с оркестровой комплексностью. А "Juniper Suite" с ее неистребимым ароматом преданий древности седой? Да что говорить, любой из двадцати девяти заявленных номеров заслуживает самого пристального внимания.
Посему, дамы и господа, честь имею рекомендовать вам: легенда английского арт-рока Грифон. Встречайте.

18 мая 2010 г.

New Tango Orquesta "Vesper" (2009)

Латинское слово vesper означает "вечер". И это простое, но в то же время удивительно емкое понятие замечательно отражает суть новой пластинки шведских "тангистов". За прошедшее с момента выпуска диска "Bestiario" время ансамбль разросся до размеров секстета: в состав влилась виолончелистка Юханна Даль, и данный фактор, несомненно, сказался на саунд-палитре NTO исключительно положительным образом.
Свежий материал бэнда редкостно гармоничен. Былая удаль аргентинского толка на сей раз вытеснена с ведущих позиций типично скандинавской меланхолией. "Vesper" для участников New Tango Orquesta - прежде всего атмосфера. Старое доброе ретро, заключающее в себе многое: скрип ступеней в деревянном особнячке 1904 года, где протекал процесс записи; закатную вязь над скованной февральским холодом поймой реки; застывшее в полумгле молчаливое ожерелье лесов... Титульная композиция с ее щемящей грустинкой превосходно иллюстрирует своеобразное очарование зимнего нордического пейзажа. Но и в столь чудной оде заснеженным сумеркам, основанной на унисонном звучании скрипки, виолончели и бандонеона, сквозит томление по скорой весне. Экскурсию в ностальгический мир уникального коллектива продолжает красивейшая фортепианно-струнная зарисовка "The Red Circle" - настоящий камерный шедевр от лидера New Tango Orquesta Пера Стёрби. Ритмы танго оживают в четырехчастной сюите "The Swan Crash Concert", однако настрой их отнюдь не праздничный. Страсть покинула место действия, сверхтемпераментные некогда па трансформировались в изящное скольжение по матовой глади; кружево зеркал отражает не всепожирающий чувственный зной, но возрастную зрелость, печальную мудрость прожитых лет. Ускорение темпа происходит лишь в последней главе концерта - необарочном минималистском эскизе "The Decay", структурно напоминающем творения Майкла Наймана; крайне впечатляющий инструментальный форсаж. Связка "Prelude and Ricercare" / "The Last Coup" служит отличным контр-выпадом в сторону таких грандов южномериканской сцены, как Эл Ди Меола и Лито Витале. Карнавальному бурлению эмоций вышеозначенных артистов северяне противопоставляют рассудочность, успешно доказывая, что танго вовсе не обязано олицетворять собой завуалированные игры плоти. Финальный номер "Time Lapse Variation" как бы переводит процитированные ранее характерные жанровые нюансы в сугубо серьезную область академической музыки; и все это без надуманности, с подкупающей искренностью, лиричностью и талантом.
Резюмирую: роскошный релиз. Сорок две минуты эстетического наслаждения, не исключающего также возможности порефлексировать, окунуться в бездну дорогих сердцу воспоминаний, дабы пережить их заново. Настоятельно рекомендую к прослушиванию.

16 мая 2010 г.

David Darling "Dark Wood" (1993)

Общий тематический ряд "Dark Wood", начатый Дэвидом Дарлингом на альбоме "Cello" (1992), получил продолжение в виде полноформатного концептуального диска. Придерживаясь собственного экспериментального метода, маэстро, как и прежде, воплотил все инструментальные текстуры посредством виолончели. Уникальная мульти-трекинговая технология записи, неплохо зарекомендовавшая себя при работе над "Cello", использована Дэвидом и здесь. Что до создания персональной мифологии "Dark Wood", то этим занимался американский писатель Барри Лопес, автор цикла новелл "Arctic Dreams". Мистическая музыка Дарлинга вдохновила его на написание довольно странной истории, озаглавленной "Встревоженные ночью" и опубликованной в итоге на страницах CD-буклета. И хотя сюжетные перипетии рассказа Лопеса практически не пересекаются с заявленными в контексте сюиты названиями каждого из эпизодов, сам композитор никаких комментариев к событийным схемам произведения не предоставил.
В случае с "Dark Wood" общепринятая жанровая классификация фактически бесполезна. Составляющие мозаику звуковые миниатюры Дэвида самодостаточны, в меру энигматичны и абсолютно свободны от ярлыков. По меткому выражению критика, они "слишком мелодичны для эмбиента, чересчур эмбиентальны для классики и непозволительно симфоничны для того, чтобы соотноситься с джазом". Словно заправский кудесник, Дарлинг в одиночку наполняет саунд-пространство множеством элементов - от обширных фоновых панорам до фронтальных мотивных соло, тем самым добиваясь превосходного оркестрового эффекта. Неброская, тревожная красота его эфирных полотен и впрямь ассоциируется с погруженными в промозглую осень сумрачными лесными пейзажами. Мастер сверхуспешно подчиняет замыслу тембральное богатство виолончели, чьи изобразительные возможности кажутся поистине беспредельными. При желании гармонический язык Дарлинга вполне сгодится за эталон для каждого, кто жаждет постичь природу музыкального импрессионизма. Художественная целостность картины складывается из комплекса различных настроений. Да, сквозной основой всех тринадцати секций пластинки служит минор, однако же оттенки его варьируются - от возвышенно-элегического, исполненного сакральной небесной мудрости, до агрессивно-темного, порожденного сугубо земными яростью и затаенной болью. Струнные пассажи обыкновенного волшебника Дэвида, беря начало из скромного по размерам ручейка, постепенно образуют стремнину, увлекающую слушателя в загадочное путешествие вдоль натурфилософских берегов, время от времени ярко вспыхивающих в ночи неведомыми символами...
Резюмирую: невзирая на умозрительное единство модели "Cello" и "Dark Wood", последняя часть дилогии заметно превосходит предшественника по степени живописности. Межстилевой минималистский шедевр Дарлинга призван разбудить фантазию слушателя, настроить его на волну креатива. Так что вперед, господа-меломаны, на освоение новых красочных территорий. Счастливого пути и попутного ветра!

13 мая 2010 г.

Mark Hollis "Mark Hollis" (1998)

Talk Talk = Марк Холлис. Аксиома? После этой пластинки - бесспорно. За семь лет, прошедших с момента роспуска замечательной британской формации, экс-лидер "токтокеров" ни капельки не состарился душой, сохранив трогательную верность юношеским идеалам. Сотрудничая с другими артистами, средь которых случались и звезды первой величины (к примеру, Кейт Буш и Стинг), Марк потихонечку накапливал материал для сольного диска. А когда настала пора, 43-летний маэстро позвал в студию старых друзей - Мартина Дитчема (ударные, перкуссия), Марка Фелтхэма (гармоника) и Робби МакИнтоша (гитара), пригласил акустического гитарреро Доминика Миллера в компании с камерным духовым квинтетом, и учинил серию звуковых сессий, убедительно опровергающих довод о невозможности повторного входа в одну реку.
Возврат к мудреной стилистике дилогии "Spirit Of Eden"/"Laughing Stock" целиком оправдал себя. Холлису (как ни крути, гений!) при очевидном заимствовании собственных же идейных императивов из прошлого, не только удалось избежать моментов самопародии, но и одарить поклонников серией глубоко эмоциональных, по-настоящему одухотворенных зарисовок. Подкрашенные ностальгическими мотивами зрелость и чувственность соединяются в минималистский арт-соул (этюд "The Colour of Spring") - дуэт для голоса и фортепиано. А далее развертывается комплексная ворожба инструменталистов, уводящая куда-то на окраины снов. Знакомые психоделические оттенки не спеша заполняют пространство воображаемой сцены в сверхтонкой имагинативной фреске "Watershed". Теплая меланхолия гитары и клавишных грустным ангелом парит над погрязшей в злом невежестве материей ("Inside Looking Out"), вкупе с рефлексивной вокальной манерой Марка переливаясь возвышенно-неземными бликами. Хронометражно невеликий "The Gift" вносит свою порцию благотворно влияющих на мозговые извилины "странностей". Интроспективная фаза 8-минутного опуса "A Life (1895-1915)" напоминает творения классиков академического авангарда ХХ столетия: никакого электричества, только причудливые всполохи кларнетов, гобоя, рожка и флейты. Затем в дело вклинивается деликатная ритм-секция, однако магический флер камерности не торопится исчезать восвояси. Принимает эстафету написанный в содружестве с Домиником Миллером шестиструнный номер "Westward Bound", бесконечно далекий от каких бы то ни было жанровых параллелей. Напрашиваются аналогии с Питером Хэммиллом... впрочем, тут другое. И вновь объемные chamber-эксперименты не дают покою пытающемуся вырваться из формальных рамок Холлису. Ну кто, скажите на милость, сумеет заподозрить в авторе философской пьесы "The Daily Planet" бывшего "волновика"? Финальная "A New Jerusalem" расставляет точки над "i": сочинить подобное под силу лишь истинному подвижнику духа, отвергающему иллюзорную плотность бытия.
Резюмирую: для всех, кто соскучился по Talk Talk "прогрессивного" периода, - a must have. Остальным также советую ознакомиться: не исключено, что понравится.

10 мая 2010 г.

Maxwell's Demon "Diablo" (2009)

С момента выпуска их предыдущего диска "Prometheus" прошло - страшно подумать! - восемь лет. И казалось, Maxwell's Demon навсегда отодвинулись в разряд одноальбомных легенд. Однако, ничего подобного! Композитор/органист Крэйг Биби и гитарист Джон Гэлбрайт таки реанимировали любимое детище. Новой программой мастеровитых американцев стала концептуальная пластинка "Diablo", чья идея вызревала непозволительно долго. Впрочем, результат с лихвой окупил хронологические издержки. По-прежнему придерживаясь сугубо инструментального формата, маэстро Биби сочинил достаточно необычное по меркам современного прогрессива полотно, в котором отразились его увлечения атональными гармониями академической музыки ХХ века, а равно обращения к канонам классического арт-рока и творчеству РИО-составов европейской школы.
В отличие от "Прометея", представлявшего собою бескомпромиссный 39-минутный монумент, "Diablo" разбит на треки, что отнюдь не гарантирует легкоусвояемости содержания. Над претворением материала в жизнь потрудилась сильная команда ансамблистов, в которую помимо Биби и Гэлбрайта вошли басист Крис Джонсон с ударником Джеффом Мартыновым, акустический гитарист Колин МакАллистер и струнный квартет Opabinia. Будучи подлинным экспертом в области аналоговой аппаратуры, затейник Крэйг и здесь использовал внушительный арсенал культовых в арт-среде клавишных агрегатов (Hammond B3 Organ, Mellotron 400, Oberheim OB-Xa, Moog Taurus и др.), способный довести до эстетического экстаза любого меломана-семидесятника. Но дело, как Вы догадываетесь, вовсе не количестве "винтажных примочек" на отдельно взятого участника коллектива, а в качестве самого произведения. По счастью, и тут мы имеем нечто любопытное. С точки зрения структурного анализа, тематический ряд "Diablo" вполне вписывается в сферу симфонической музыки эпохи постмодерна. В тщательно прорисованных пассажах ощутимо влияние Шостаковича и Бартока. Другой вопрос, что подавляющая часть инструментария заимствована из прогрессивного рок-лагеря. Мрачноватый пафос звучащих в унисон струнных периодически "подмывается" авангардными саунд-эффектами, а более или менее традиционно ориентированным клавишным партиям противостоят фьюжн-вкрапления электрогитары. Сравнить эту "вещь в себе" с чем-то еще довольно сложно. Если "Prometheus" косвенно апеллировал к творчеству шведов Änglagård, с "Diablo" такой фокус не сработает. Фрагментарно прослеживается легкая схожесть с King Crimson (например, в связке "Imbroglio II" - "Arzamas Revisited"), в целом же - абсолютно уникальный образец жанра, искренне рекомендуемый прогрессорам любого толка.
P.S. На правах бонуса выступает композиция "Avarice Atoned (Purgatorio: Canto 19)", в 2009 г. включенная в состав очередного интернационального проекта от финского сообщества Colossus "Dante's Purgatorio: The Divine Comedy - Part II". По своим характеристикам данная вещь не шибко противоречит закрученным схемам "Diablo", посему наличие ее в контексте многосоставной эпической панорамы выглядит оправданным. Наслаждайтесь.

6 мая 2010 г.

Anima Mundi "Jagannath Orbit" (2008)

На гипотетической карте прогрессивного рока тропические районы Кубы до недавнего времени оставались погруженными в тень. Да и кто бы мог предположить наличие высокоинтеллектуальных коллективов на родине пламенных революционеров Фиделя и Че? Однако же "острову свободы" нашлось, чем удивить видавших виды эстетов Европы и Америки. Знакомьтесь, ансамбль Anima Mundi. В 1997 г. эти романтично настроенные молодые люди, взращенные на творчестве классиков британского арта, собрались вместе, чтобы достойно продолжить дело великих первопроходцев. Их дебютный альбом "Septentrion" вышел в 2001 г. на итальянском лейбе Mellow Records, одарив слушателей неожиданным для столь экзотической банды синтезом элементов кельтики с общими симфо-роковыми структурами. Затем последовал длительный тайм-аут, связанный с изменениями в составе. И наконец, прервав молчание, они вернулись в строй, подготовив новую, более зрелую и амбициозную программу, продвигать которую взялась французская компания Musea.
Внешняя эстетика "Jagannath Orbit" по максимуму наследует комплект достаточно традиционных прогрессий (Genesis, Yes, Gentle Giant etc.), но сделано это на редкость изящно, виртуозно и "с огоньком". Что касается основных параллелей, то здесь невольно напрашиваются лестные сравнения с концепт-деяниями всемирно известной ныне бригады The Flower Kings. Уже вступительный 18-минутный эпик "We are the Light" вовсю демонстрирует высочайший исполнительский класс инструменталистов. Тут и атмосферные переливы клавишных хрупкой органистки Вирджинии Перазы, и ее же быстроходные зажигательные "хаммондные" маневры, перекликающиеся с оными у ранних Spock's Beard. Напористая гитарная подача ведущего композитора группы Роберто Диаса полнится нюансами и местами неотличима от характерной манеры шведского маэстро Ройне Стольта. Не отстает от лидеров ритм-секция, внося свою порцию драйва (благо, драммеров задействовано аж двое). Да и вокалист Карлос Соса успешно справляется с возложенной на него задачей. Любителям утонченно-загадочных бессловесных интерлюдий адресована красивейшая астральная фреска "The Awaken Dreamer in the Soul Garden the Flower Planets" с нежным воркованием специально приглашенных духовиков, предваряющая по-семидесятнически искристый и напыщенный "боевик" "Toward the Adventure". И вновь знакомые "цветочные" флюиды наводняют пространство в ретрообразном опусе "There's a Place not Faraway". В титульной вещи нас потчуют всем понемногу: легкий драматизм, полифоническое великолепие Yesовской школы, редкие акустические моменты, космическая энигматика и прочие прелести жанра. Эстафету подхватывает инригующе выстроенная 16-минутная конструкция "Rhythm of the Spheres", способная удовлетворить аппетиты заядлого прог-гурмана. Финальный разлапистый этюд "Sanctuary" с его певческими рефренами кажется нарочито безыскусным и даже малость топорным, но, может, оно и к лучшему, ибо картина в целом под завязку нашпигована красочными деталями.
Резюмирую: яркий, живой, профессионально воплощенный релиз, рассчитанный на широкую симфо-артовую аудиторию. Рекомендую.

3 мая 2010 г.

David Darling "Cello" (1992)

В профессиональных кругах у него репутация универсала. Действительно, Дэвид Дарлинг вполне вольготно чувствует себя в совершенно различных жанрах, не переставая удивлять как коллег, так и слушателей. Получив классическое консерваторское образование, он, однако, предпочел академическим узам творческую свободу. Другими словами, Дарлинг подался в вольные художники. Шаг рискованный, но в данном случае абсолютно оправданный, что подтверждают и последующие работы маэстро. Джаз, нью-эйдж, этника, переосмысление наследия некоторых ренессансных авторов... калейдоскоп технических и композиционных возможностей Дэвида на редкость широк. Главными же добродетелями уникального мастера по-прежнему являются его "незашоренность", тяга к эксперименту и определенный намек на "прогрессорство".
"Cello" - своего рода экзамен на самодостаточность. Тринадцать инструментальных этюдов, исполненных исключительно на виолончели - традиционной акустической и восьмиструнной электрической ее разновидности. Первый подобный опыт Дарлинг предпринял еще в 1980 году, выпустив пластинку "Journal October". И вот очередной, куда более зрелый по форме и содержанию релиз, дающий представление о богатейшей внутренней кладовой нестандартно мыслящего артиста. Среди основных источников вдохновения Дэвид упоминает киноленты Жана-Люка Годара и Вима Вендерса. Видимо, в оном коренится зрительная, или, если угодно, саундтрековая природа сочинений нашего героя. Звуковая фактура для Дарлинга - предмет в высшей степени привлекательный, пробуждающий исследовательские свойства его философской натуры. При том, что сам подход к ткани произведения минималистичен, он отнюдь не абстрактен; чуткий американский гений умудряется одному ему ведомым способом раздвигать внешне устойчивые мелодические рамки до состояния аморфного, созерцательного, наполненного иллюзией присутствия некоей невыразимой словами мудрости. И если в задумчивых мотивных пассажах из серии под общим названием "Darkwood" еще проглядывают внушительные филармонические своды, то в эмбиентальных жемчужинах вроде "No Place Nowhere", "Lament", "In November" и прочих пространство подвергается испытаниям на растяжимость. Нотные фразы обретают иное измерение, воспаряют до уровня истинной поэзии - той, что по сути всегда трагедийна, исповедальна, но вместе с тем светоносна и духовна необычайно. Есть тут и печаль (ярчайший пример - реквием "Two Or Three Things"), и сакральные прогулки в сферы бесплотного ("Indiana Indian"), и рвущаяся наружу страсть ("Totem"), и заключенная в камерный формат рефлективно-религиозная тема ("Choral")...
Подводя итог, скажу: "Cello" - программа, не самая простая для логического восприятия. Хотя бы в силу тотального выпадения столь необходимой для многих ритмической основы. Это личный космос Дэвида Дарлинга, щедро вынесенный на суд публики. А уж погружаться в него иль нет - дело сугубо частное. Но если хотите приоткрыть границы воображаемого, я искренне рекомендую Вам обратиться к означенному материалу.