HAPPY NEW YEAR!

С НОВЫМ ГОДОМ!

Jasper Wrath "Jasper Wrath" (1971)

Нью-Хэйвен, штат Коннектикут. Конец шестидесятых. Чисто внешне – музыкальные задворки. Но творческая жизнь кипела и там. Источником информации для местных непосед служило радио. Более прочего гипнотизировала, лишала покоя нарождающаяся британская арт-волна. Благодаря работе беззаветно преданных искусству диск-жокеев отдельные юные личности истово овладевали инструментами в надежде на обретение собственного пути. Из породы ищущих оказалась и формация Jasper Wrath. Уличить их в ориентации на английскую рок-сцену мог любой мало-мальски сведущий меломан. Да они и не скрывали пристрастий. Оттачивая на репетициях хиты The Moody Blues, Procol Harum и ранних Renaissance, ребята не только осваивали разновидности композиционной формы, но и тренировали внимание к деталям. Мелодическая фактура, художественная ткань языка... Эти и другие вещи по мере возможностей осмысливались членами Jasper Wrath. Заочное изучение теории не пропало втуне. Песнями дебютантов заинтересовались представители концерна MGM. В итоге единственный полноценный альбом наших героев записывался на студии лейбла Sunflower Records – дочернего подразделения вышеупомянутой фирмы. И хотя коммерческого успеха диск не снискал, ансамбль угодил в разряд культовых у американских почитателей прогрессивного рока.

По большому счету, ничего сверхъестественного первенец коллектива аудитории не предъявил. Но слушать его и по сей день приятно. Песенный уклон вкупе с мощной ритм-секцией создает особое настроение вступительной вещи "Look to the Sunrise". Фуззовая гитара, фортепианные буги-партии + хоральные гармонии в треке "Mysteries (You Can Find Out)" позволяют думать, что богатое наследие The Beatles также сыграло значимую роль в судьбе Jasper Wrath. По крайней мере, при желании не трудно провести идейно-стилевые нити к непререкаемым гуру мирового поп-рока. Акустическая пастораль "It's Up to You" (гитара, флейта, теплое напевное многоголосие) заставляет вспомнить Джастина Хейуорда и K°. Абсолютно англоманская по характеру пьеса, не имеющая отношения к будничным реалиям США. О том, сколь хорошо участники квартета восприняли канонические принципы прото-арта, свидетельствует произведение "Autumn". Тени Туманного Альбиона носятся здесь кучевой пеленой, отражаются в аккордах 12-струнной гитары, духовых партиях и густой полифонической текстуре. Слияние психоделии с эйсид-фолком в рамках саунд-путешествия "Odyssey", риффовый породистый ритм-энд-блюз "Did You Know That", меланхолическая фанк-экзотика монотонно-увлекательного опуса "Drift Through Our Cloud", тончайшая барокко-поп-фреска "Portrait: My Lady Angelina" в ключе ренессансных баллад эпохи пост-модерна и эпический прог-боевик "Roland of Montevere", нашпигованный театральщиной пополам с непритязательной эстетикой хард-рока, выявляют в Jasper Wrath умельцев, коим по плечу задачи различной степени сложности (вплоть до искусного сонического стилизаторства). Не случайно от группы впоследствии отпочковался нетривиальный прожект Zoldar & Clark. Впрочем, то совсем другая история.

Резюмирую: замечательный прогрессивный рок-акт ярко выраженного англо-саксонского типа. Ценителям жанра пропускать не советую.

Jasper Wrath

Recreation "Recreation / Music or Not Music" (1971/1972)

У настоящего критика для любого трудного случая найдется определение. Скажем, бельгийское трио Recreation воспринимается отдельными рецензентами как "авангардный вариант ELP + немножко ехидства". Зерно истины в этом есть. Однако вряд ли головастые парни в пору активного творения косились по сторонам. Просто нечто общее витало в воздухе. Попробуем, отринув протокольные аналогии, обратиться к внутренней ситуации Recreation.

Итак, лидер проекта – органист Жан-Жак Фалез. Основной композитор он же. Ритм-секция стандартная: бас (Жан-Поль Ван Ден Боссе), ударные (Франсис Лонне). Музыкальную направленность коллектива хочется обрисовать словосочетанием "ничего святого" (по названию одной из композиций). Внешне спонтанная (а на деле – прекрасно продуманная) комбинация стилей (рок, джаз, фолк, неоклассика, авангард, даже эстрадные поп-стандарты) получилась настолько необычной, что любые сопоставления тут неуместны. Вероятно, записными интеллектуалами из студенческой прослойки подобные упражнения впитывались адекватно. Однако слушателю, заточенному под вполне конкретные жанровые образцы, опыты Recreation казались чистой воды издевательством. Собственно, так оно и было.

Дробить содержимое обеих программ на составляющие - затея тяжкая. Пожалуй, удобнее всего обозначить вехи. Сразу отмечу: порядок треков на диске перепутан. Первые 15 позиций – концепт-головоломка 1972 года "Music or Not Music" с неверными именами заявленных произведений. Посему вещью № 1 здесь выступает миниатюра "Music Against Music": псевдо-шопеновский фортепианный наигрыш, погребенный под яростным электрофуззом. Провокация? Естественно. Дальше и того краше. Диапазон от авант-бурлеска ("Music For Your Dog") до рифленого симфо-напора ("Where is the Bar, Clay?") и Hammond-driven психоделик-субстанции ("Caligula Suite in Horror Minor") заполняется шалунами-бельгийцами с показной легкостью. Словно и нет чинимых самим характером музыки препонов (может, и впрямь нет?). В ход идет многое: отстраненно-кислотный юмор ("We Don’t Like It Either"), виртуозные джаз-роковые завитки ("Last Train to Rhythmania"), событийно родственные пафосным картинкам The Nice прото-прогрессивные экскурсы ("Glove Story") и обильно сдобренный оркестровыми приемами этюд-конструктор ритм-энд-блюзовой закваски ("Nothing’s Holy 1"). Нечеловеческая удаль Recreation с особой яркостью проступает в нашпигованном разнокалиберными деталями 2-минутном коллаже "Concerto For Elevator": намудрить такое за нещадно короткий промежуток времени - это, знаете ли, талант. Выкладки 1971 года решены в духе неоперившегося британского арта. Впрочем, есть и сюрпризы. Тот же "Sexual Lover" – барочный вояж в страну вечно-зеленой "дури". Или глючная органная версия известного хита The Lovin' Spoonful "Summer in the City". Не говоря уж о нетленной "California Dreamin'" The Mamas & The Papas, волею хохмача Фалеза превращенной в импровизационный балаган. Замыкает круг безумная кавалькада "Reach Out, I'll Be There", в которой с трудом угадывается одноименная соул-коронка 1966 г. от бригады Four Tops из внушительной обоймы лейбла Motown.

Резюмирую: богатый нюансами креативный коктейль – стильный и неординарный, предназначенный любителям звуковой экзотики. Рекомендую.

Recreation

Lucas Gillet "A Darker Wave - Emily Brontë Poems" (2012)

Пустой отель викторианской эпохи. Камин. Ажурные подстаканники. Монументальное кресло. Тяжелые шторы, скрывающие признаки внешней непогоды... Думаю, в поисках антуража для знакомства с новым творением Люки Жийета такая обстановка подошла бы как нельзя лучше. Но поскольку выбирать не из чего, довольствуемся малым. Хотя, постойте. Вы же ничегошеньки не знаете о музыканте! Да вот беда: я – тоже. Разве что пару-тройку достоверных фактов. Итак, Жийет – француз, мультиинструменталист и явный поклонник классической британской литературы. Дебютом всесторонне подкованного паренька явилась концептуальная панорама "A Thin Sea of Flesh" (2009), своеобразно интерпретирующая поэзию валлийского литератора Дилана Томаса (1914–1953). Проект выстраивался под певческие возможности актрисы Элиз Карон. И, судя по отзывам, дама не подвела начинающего артиста. Без лишних отлагательств маэстро Люка в ноябре 2009 года приступил к продолжению. По истечении срока в мелосферу был запущен второй полнометражный релиз – "A Darker Wave". На сей раз по стихотворным произведениям Эмили Джейн Бронте (1818–1848) и уже без участия мадам Карон. Арсенал изобразительных средств композитора-исполнителя оказался довольно широк: вокал (включая хоры), клавишные, гитары, бас, сопрано-саксофон, ударные + программирование. С дополнительными партиями помогали различные знакомые девушки (хоралы), ударники Жюльен Шарлет и Жан Жийет, трубач Симон Жийет. Результат получился амбициозным по хронометражу (72 минуты) и уютным по воплощению.

Пропеть немеркнущие строки мисс Бронте расторопный мсье Люка дерзнул на языке оригинала. И правильно сделал. Мягкий акцент французского затейника идеально вписался в полуинтимную атмосферу, составляющую один из краеугольных рецептов альбома. (Специально для прогеров отмечу: по своим характеристикам тембр Жийета подобен среднему арифметическому меж Джоном Уэттоном и Ройне Стольтом.) В стилевом отношении тут тоже интересно. Стартует действо с мелодичного джаз-рока ("Watch for a Bird"). Следующая пьеса ("Other Years") решена в камерном варианте (фоно, гитара и легкая перкуссия). Гипнотическая декламация "A Priceless Friend" и вовсе подвержена формуле "минимализм + монотематизм". В "Heavy Hangs the Raindrop" присутствует арт-рок с секвенсорными инди-эпизодами. Симпатичный шансонный рисунок "Smiling Child" перетекает в эмбиентальный симфо-фьюжн "Last Ray Wane", после которого софт-проговый титульный монолог воспринимается верхом драматического изящества. 8-минутная "In Bliss" модернистски реанимирует ветхие миражи конца 1960-х, когда фолк рука об руку с джазом тонул в пучине психоделик-рока... Не знаю, нужно ли раскладывать по кирпичикам остальные семь треков. Жийет и в них не изменяет собственной игровой полистилистике. Местами насыщает палитру электроникой, где-то реализует акустический сценарий, а в основном придерживается прогрессивного курса с увлекательными заездами в смежные звуковые области.

Резюмирую: замечательная пластинка, уникальная по художественным особенностям, архитектонике и колориту. Пропускать не советую.

Lucas Gillet 

Farout "Further Out" [plus 6 bonus tracks] (1979)

За отведенный им срок (1977–1982 гг.) члены секстета Farout из города Лаппеэнранта успели содеять как минимум две важных вещи: стать лучшим прог-составом на период весны 1978 года и записать полноценный LP на хельсинкской студии Birdland. Парням немало повезло со звукорежиссером: крепкий профессионал Дан Тигерстед не делал разницы меж дебютантами и мастерами. Придерживаясь истинно демократических принципов, он создал новичкам комфортную среду для работы, а затем в течение пяти дней добросовестно фиксировал происходящее на 8-дорожечную аппаратуру. Другим важным элементом процесса следует признать участие в сессиях духовика Пекки Пёйри. До своей преждевременной кончины в 1980-м корифей скандинавской сцены сотрудничал с легендарными Tasavallan Presidentti, бэндом Юкки Толонена и культовым композитором/многостаночником Пеккой Похьолой. Понятно, что в аккомпаниаторы невесть к кому этот матерый человечище не пошел бы. Значит, сказался личностный интерес. Попробуем же и мы оценить, насколько хороши и самобытны инструментальные выкладки Farout.

В стилевом клубке пластинки "Further Out" соединились разнообразные музыкальные веяния. На приоритетную фьюжн-модель, воспринятую от нордических грандов уровня Wigwam, легла тень надвигающейся синтетической эпохи. Что нашло отражение в партиях клавишных (Ике Каллио – Yamaha CS-80, орган "Хаммонд", микро-Муг; Исмо Хоманен – Fender Rhodes пиано, стринг-синтезатор, микро-Муг) и ритмическом рисунке ударника/перкуссиониста Лаури Вальякки. Так, открывающий номер "Nassau Boogie" помимо яркой игры гитаристов Ари Эркко, Ярмо Никку и выпуклых басов Юни Лимингойи включает несколько поверхностную (но отнюдь не "пластмассовую") барабанную линию. Однако первое впечатление не всегда самое верное. И подтверждением оному служит пьеса "Daybreak" – плавно струящийся джаз-рок, фокусирующийся исключительно на пассажах электропиано и саксофонных извивах маэстро Пёйри. Заводному фанк-прогу "Muppet Dance" мог бы порадоваться и Юкка Толонен, чьей фирменной манерой, по-видимому, инспирирован данный эпизод. Заглавный этюд полон свойственной финскому фольклору мрачноватой тягучести, тем не менее, по внешним атрибутам перед нами комплексный арт-джазовый срез, реализованный со вкусом и четким соблюдением субжанровых канонов. Впрочем, рефлексировать подолгу Farout не приучены. И уже дальнейшей миниатюрой "Walrus Jump" демонстрируют бесшабашный мажорный драйв, приукрашенный акустическими гитарными вензелями. Затейливый фанк-фьюжн "Do It" держит марку за счет гостевого присутствия ветерана Пекки, солирующего с подобающим случаю задором. Попытка искусственно комбинировать легкомысленную диско-подачу с кентерберийским саундом, как ни странно, оборачивается устойчивым плюсом в рамках сочинения "Four to Two". Да и условный "стробоскоп-джаз" под названием "Tidy" вполне отвечает требованиям времени. Точку в повествовании ставит надуманная и все-таки не лишенная любопытства картина "Brainwash (...Uhh!), укрепляющая позиции фьюжн-модернизма. На "десерт" – подборка демо-треков, запечатленных ребятами на рубеже 1978–1979 годов едва ли не в домашних условиях и представляющих определенную ценность в контексте частной истории Farout.

Резюмирую: симпатичный игровой прог-рок без претензий на серьезность, привлекательный как по форме, так и по содержанию. В плане отдохновения от проблем насущных - самое то. Советую приобщиться.

Farout  

Jean-Luc Ponty "Enigmatic Ocean" (1977)

В обширном всемирном фьюжн-реестре LP "Enigmatic Ocean" такая же "священная корова", как проходящие по разделу прог-рока "Close to the Edge", "Thick as a Brick" и "Selling England by the Pound". Сравнение достаточно условное, но, думаю, суть ясна. Впрочем, начинать повествование лучше бы с общих мест. Например, с характерных примет времени. Для Жан-Люка Понти середина 1970-х, судя по всему, служила эпохой реализации надежд. Американский контракт сулил французскому маэстро сказочные возможности. И тот не упускал шанса воспользоваться предоставляемыми благами. "Upon the Wings of Music" (1975), "Aurora" (1976), "Imaginary Voyage" (1977) творились практически на одном дыхании. Понти, не сбавляя оборотов, выдавал на-гора великолепные пластинки. И с каждой новой программой увеличивал собственную слушательскую аудиторию. Ибо изощренная техника не препятствовала мелодическому полету мысли. Запредельные инструментальные партии оформлялись играючи, с щегольским задором и, что немаловажно, отличались духом авантюризма. Будучи опытным стратегом, Жан-Люк не делал разницы меж солистом и аккомпанирующей группой. Ведь результат складывался из множества факторов. А потому с особым тщанием скрипач-виртуоз подходил к комплектованию коллектива. И диск "Enigmatic Ocean" в очередной раз подтвердил правильность избранной тактики.

Работали над проектом лучшие из лучших: гитаристы Аллан Холдсуорт и Дэрил Штюрмер, органист Аллан Завод, басист Ральф Армстронг и ударник/перкуссионист Стив Смит. Благодаря им концептуальное путешествие мсье Понти обрело отчетливый привкус шедевра. Если крепкое интро "Overture" еще навевает ассоциации с близкой нашему затейнику манерой поздних Mahavishnu Orchestra, то дальше маршрут окрашивается в уникальные фактурные тона. Мощный оркестровый фанк-фьюжн "The Trans-Love Express" не понравится лишь ханже: отменные струнные, гибкая ритмика и, конечно же, драйв – цепкий, бесшабашный, заряженный истинно маскулинной энергией. Порцию экзотической рассудительности вносит в повествование трек "Mirage" с его ненавязчивым восточным колоритом и изобретательно выстроенным скрипичным рисунком; уж чего-чего, а фантазии Жан-Люку не занимать! Титульная квадрига соткана из разнообразных картин-настроений. Органно-синтезаторный пролог отвечает за рефлексию. Во второй фазе затянувшегося сна царят вольнолюбивые напористые мотивы. Ансамбль демонстрирует исключительное мастерство, не забывая о стремительных сюжетных коллизиях. Холдсуортовские "запилы" полемизируют с "виолектрой" лидера в третьем секторе саунд-реактора. Отчетный номер "Enigmatic Ocean, Part IV" обводит историю жирным полифоническим овалом; умеренная звуковая яркость, помноженная на стройность музыкального языка. Хороша фреска "Nostalgic Lady", где Армстронг задействует безладовый бас, а Жан-Люк переключается на рояль. Апогеем схематической коллажности выступает трилогия "The Struggle of the Turtle to the Sea". "Струнники" здесь традиционно бесподобны. Но что выделывает на басу Ральф в заключительном сегменте триптиха, надо слышать: словами такое не передашь.

Резюмирую: шикарный тематический прог-фьюжн-акт, воплощенный настоящими асами. Пропускать не советую.

Jean-Luc Ponty

Noëtra "Définitivement bleus..." (1978-1982, 2000)

В архивных релизах есть своя прелесть. Материал, обладающий на старте солидным потенциалом, с годами, как правило, становится "вкуснее" и тоньше. Наследие французского прожекта Noëtra – тот самый случай, когда фактор времени помогает слушателю дозреть до полноценного восприятия нетривиальных авторских опытов. Мнительность гитариста/композитора Жана Лапужа, помноженная на сдержанные отзывы коллег, не позволила ему максимально развернуться в конце 1970-х. Хотя предпосылки наличествовали. Оригинальность замыслов Лапужа высоко ценил вокалист культового ансамбля Magma Клаус Бласквиц. Да и глава ECM Records Манфред Эйхер весьма интересовался экспериментальной стороной деятельности Noëtra. Однако наступившие восьмидесятые похоронили надежды Жана на официальное издание собственных опусов. Привычная среда обитания рушилась на глазах. Интеллектуальная музыка погрузилась в подполье, о ренессансе ее в ближайшей перспективе нечего было и заикаться. Коллектив потихонечку разбрелся. Что касается мастермайнда, то он перманентно дрейфовал от одного арт-островка к другому, в глубине души лелея надежду оживить любимое детище. Первым шагом на пути к реинкарнации стал выпущенный в июне 1992 года компилятивный CD "Neuf Songes". В течение дальнейшей восьмилетки Лапуж активно занимался сольной карьерой. Бесконечные концертные туры требовали огромных энергетических затрат, до прочего руки не доходили. И только на заре Миллениума движимый острым ностальгическим чувством мэтр решил: час реставрации пробил. Вот тогда и появились из тайников Хроноса забытые всеми пленки...

Подборка "Définitivement bleus..." отличается бескомпромиссностью. Здесь нет заигрывания с публикой, обращения к поверхностным поп-шаблонам. Все двенадцать треков программы скреплены печатью глубокомысленности. Взять хотя бы вступительный номер "Mésopotamie". Chamber-джазовая траектория густо расцвечена духовыми, ритм-секция не ослабляет позиций ни на секунду. Притом гитара самого Лапужа наравне другими инструментами обеспечивает ракурс-полифонию и отнюдь не рвется в лидеры. Сочинениям присуща стилевая выпуклость. Акценты местами звучат отчетливо (к примеру, "Qui est-il qui parle ainsi?" – явный оммаж Игорю Стравинскому), а где-то носят откровенно пограничный характер (скажем, синтез фьюжн/прог-рока и камерного эстетизма в структуре "Agréments parfaitement bleus (III)" редкостно гармоничен; конфликтного жанрового противоборства тут нет и в помине). Отдельные вещи косвенно свидетельствуют о предпочтениях мсье Жана, его увлечении конструктивными выкладками Mahavishnu Orchestra ("Alpha du Centaure", "Venise") или джаз-роковыми экскурсами в духе скандинавских групп середины семидесятых ("Tintamarre"). Но финальные пьесы ("Ephémère", "Forfanterie", "Printemps noir (final)"), относящиеся к 1981–1982 гг., демонстрируют недюжинную композиторскую эволюцию маэстро, обретение профессиональной зрелости вкупе с индивидуальностью почерка. Эта исключительно мощная заявка на будущее, к сожалению, не нашла себе адекватного применения. Тем не менее нам следует поблагодарить Лапужа за подобного рода рывок. Ибо такие креативные подвиги и составляют сущность прогрессива.

Резюмирую: великолепная художественная панорама, рассчитанная на поклонников камерного джаза, авант-рока и т.п. Очень рекомендую.

Noëtra

Lars Danielsson "Liberetto II" (2014)

"Либеретто – моя собственная выдумка. Как известно, в опере есть термин "либретто". Но я решил добавить еще одну "е" – для наглядной аналогии с пластинкой "Libera me". Таким образом, возникает связь между именами альбомов и намечается косвенная отсылка к классическому музыкальному глоссарию" (Ларс Даниэльссон).

Вышедший в 2012-м диск "Liberetto" воспринимался событийно завершенным. Вряд ли предельно загруженный проектами композитор помышлял тогда о продолжении. Однако звездам было угодно дать успешному творческому альянсу вторую жизнь. В студиях Швеции и Норвегии последовательно воссоединились уже знакомые лица: благородный контрабасист Ларс, пианист Тигран Амасян, гитарист Джон Парричелли и ударник Магнус Эстрём. Основное напутствие Даниэльссона коллегам: не думать о том, что играете. К черту стили! Главное – приступать к делу с открытым сердцем, эмоциональным теплом, без инструментального косноязычия. Потому как музыка, лишенная души, – ничто. Коллективное чувство прекрасного в итоге стало фундаментом, на котором выросло стройное саунд-здание со множеством изящных архитектурных деталей и подлинных орнаментальных находок.

...Ниспадает фортепианной капелью мелодика камерного номера "Grace". Волшебства добавляют акустические пассажи знаменитого гитарреро Доминика Миллера и тонировочные партии трубы от Матиаса Эйка. Легкость звука + меланхолия замысла = спокойная, проникновенная речь без слов. Сопричастность к ней – особого рода блаженство. Впрочем, то же можно сказать и о ритмически выдержанном эскизе "Passacaglia", где явственно считывается неоклассический код. Рефлексивная, подобная осенней прогулке, пьеса "Miniature" скрашена бархатистыми позывными виолончели. Фирменный сентиментальный лиризм нордического чародея Ларса угадывается и в достаточно резвом темпе этюда "Africa", и в тончайшей художественности трека "I Tima", чью эстетическую глубину не нарушает даже острый тембр духовых. Размеренный джазовый диалог трубы и баса составляет сущность конструкции "II Blå" – произведения не то сугубо традиционного, не то исключительно оригинального. Замыкает условный триптих фаза "III Violet" – вариация на тему просветленной надежды (выражаясь иначе – грёза). Юмор абсолютно незабавного произведения "Swedish Song" сконцентрирован в подоплеке: автором в данном случае выступает человек южных кровей, армянин Тигран. Скандинавская направленность полотна сводится к минору. А экзотической приправой служат гитарные соло Парричелли, имитирующие дикарский напев зурны. Восточной истомой веет от расслабленного пассажа "Eilat", проникнутого голосом и перкуссией Зохара Фреско – давнего друга мастермайнда. Импрессионистским очарованием полнится совместная фантазия Даниэльссона и Амасяна под мечтательной вывеской "View from the Apple Tree". Похмельные поиски истины в зыбком рассветном мареве выражены через спотыкающуюся повествовательную манеру вещи "The Truth". Венчает путешествие по обочинам разума мистическая пастораль "Beautiful Darkness" с трепетным вокализом Сесилии Норби – верной спутницы жизни Ларса.

Резюмирую: уникальный сонический калейдоскоп, объединяющий страстность с философской глубиной, иллюзорность с правдивостью жеста и невесомость духа с тяжестью плоти. Пропускать не советую.

Lars Danielsson

Baba Scholae "69" (1969/2012)

Усредненные представления о прогрессиве конца шестидесятых обычно исчерпываются расхожими пунктами. Буйство фантазии, умильный привкус наивности при невероятных композиционных выкладках, звуковой прорыв в неведомые прежде сферы... Родоначальники – британцы. Гранды – они же. Легенды – ... (ответ очевиден). А если заглянуть по ту сторону Ла-Манша, к соседям? Там ведь тоже творилось любопытное. Но подозревали о происходящем немногие.

1967 год, Париж. Двадцатилетний студент колледжа изящных искусств Жан-Ив Лаба де Росси (помните зеленовласого синтезиста Мистера Фрога с дебютной пластинки Todd Rundgren's Utopia? Вот это он и есть!) формирует ансамбль Baba Scholae. Четкая стратегия у новичков отсутствует. Главное, чтобы было интересно. Слухи о подпольных репетициях загадочных парней с левого берега Сены циркулируют в молодежной среде. Baba Scholae попадают в поле зрения свежеиспеченных охотников за талантами. Далее – концерты в лондонском клубе Marquee (предел мечтаний!), знакомство с маститым продюсером Томми Уэбером и – совершенно кошмарное ЧП перед серьезным выступлением. Из арендованного французами автомобиля крадут все инструменты. Правда, сердобольные коллеги по сцене делятся с ними последним, но положения сие не спасает: после блестящего live-сета Traffic художественные потуги Baba Scholae (арсенальные средства-то не родные!) воспринимаются блекло. Ситуация критическая, у ряда лиц не выдерживают нервы. Группа распадается, однако по прошествии времени неугомонный маэстро Лаба реанимирует детище в новом составе (при участии профессиональных сейшнменов из Ливерпуля и Лондона). Следует запись лонгплея на студии IBC Sound Recording, мастер-ленты уже на руках довольных членов проекта... И вновь невезение: не хватает финансов для изготовления тиража. В итоге безымянная программа всплывет лишь через сорок лет, чтобы потомки сумели оценить по достоинству экстравагантную разносторонность Baba Scholae.

Пятнадцать треков общим хронометражем в 47 минут, отполированный саунд и мозаичная архитектоника контента. Артисты убедительны в каждой из ипостасей, будь то мелодическая лирика ("1984 – Melancolia Street"), медиевальный фьюжн ("Half Day"), абстрактно-авангардный блюз ("Will Meant Ciment") или напевный поп-фолк ("Julius"). Несвязанность концептуально-стилистической перспективой нашим героям, несомненно, на руку. Где бы еще они смогли сплести в креативный узел пасторальную виньетку ("La chasse au serpent a la flûte"), аккордный рок-ритм ("Go Down Sunset"), "кислотную" психоделию ("Telegram"), забубенный хриплоголосый хард ("Song My (My Lai)"), бит-рагу ("Keep It "Rythmique") и театральную буффонаду ("Just Like George" – ключ-ориентир для стебных откровений гениального коллектива Taal)? Я уж не говорю про псевдобарочные опыты ("She's an Indian in Minor"), околоджазовые прото-прогрессивные пируэты ("Song for a New Connection") и глючные космические странности эпатажного свойства ("L’œil du maître")... Деликатесы? Бесспорно. Пусть и консервированного плана, а все же терпкий вкус их способен утолить духовный голод истинных ценителей жанра.

Резюмирую: поразительный сонический артефакт, заплутавший в зазеркалье десятилетий и все-таки явленный в собственном великолепии слушателю XXI века. Пропускать не советую.

Baba Scholae

Qui "Qui" (2008)

Японский проект Qui – нетипичный по азиатским меркам долгострой с богатой историей и довольно скромными результатами (пара альбомов за 15 лет существования). Инициировал его гитарист Такахаси Хаяси. Шел 1993 год. В мире постепенно зарождалась вторая волна прогрессива. И тонко чувствующий веяния времени музыкальный педагог-репетитор соблазнился представившимся шансом. Вместе с экс-сокурсниками он сколотил инструментальное фьюжн-трио (гитара, бас, ударные + вспомогательные партии клавишных). Активная концертная деятельность Qui в основном ограничивалась подмостками токийских клубов. При этом целевая аудитория бэнда заметно отличалась пестротой. Последнее, впрочем, не удивительно, ведь вдохновение артисты черпали из абсолютно разных источников. В фаворитах у Хаяси со товарищи значились King Crimson, Metallica, Soft Machine, Фрэнк Заппа, а равно и герои джазовой сцены – Майлз Дэвис, Джон Колтрейн, Ян Гарбарек...

Дебютная пластинка под названием "Prelude" увидела свет в 2006-м. К тому моменту лидер Такахаси полностью сменил ритм-секцию. Отныне его коллегами сделались басист Наюки Сето и ударник Дэн Ёсикава. Чуть погодя в группу влился флейтист Кацуо Ёсида, а следом пожаловал перкуссионист Такахаси Итани. В таком составе Qui записали интересный безымянный диск, по-новому раскрывший игровые возможности коллектива.

Программа из шести треков условно распадается на две части. В первом отделении преобладает мелодическое джаз-настроение. Так, 8-минутная вводная пьеса "Puyol" поначалу воспринимается бенефисом духовика Кацуо. Но ближе к середине действа эстафету солиста перенимает мастермайнд. А на стадии кульминации практически все участники Qui встают вровень. Мечтательный лиризм полуакустической вещи "Mimique" наверняка понравится любителям творчества Camel: есть в грустно-осенней интонации нечто родственное сочинениям англичан. Крайне любопытно выглядит пролонгированный опус "Minamo ni tsuki"; энигматика, помноженная на романтический флер, – подобное встретишь нечасто. Сонический абрис сегмента "Dachou no uta" представляет нам кардинально иной типаж; здесь повествование утрачивает миловидность. Язвы прогрессивного пост-панка разъедают изнутри спокойную респектабельность. Да и саксофонные пассажи гостевого музыканта Мицухаро Учи добавляют сюжету нерва. Командная импровизация "Jirou" свидетельствует о поиске членами квинтета новых форм художественного самовыражения. Отринув прежние шаблоны, Qui пускаются в эксперимент по скрещиванию авант-нойза с фри-джазом. Метания меж заведомо различными звуковыми полюсами – занятие рискованное. Однако японские профессионалы знают, на что идут. И хотя смелый вызов слушателю по достоинству оценит не каждый, попробовать стоит. В финальном джеме "Astratto" с его ломаными линиями тоже хватает сложностей. Зато лицам, охочим до всяческих фьюжн-интриг, он гарантированно доставит немало приятных мгновений.

Резюмирую: неоднозначный и крепкий джаз-арт-коктейль, рассчитанный на взыскательную публику. Рекомендую мелогурманам, избалованным экзотическими прог-деликатесами.

Qui