31 янв. 2009 г.

Andreas Vollenweider "Eine Art Suite in XIII Teilen" (1979)

Монотематизм в арт-роке - явление особого порядка. Сочинить произведение, основанное на одной, пусть и бесконечно модифицируемой музыкальной фразе, это, если хотите, удел избранных. Ибо здесь необходима не только изощренная фантазия, но и определенная умственная зрелость. Даже наиболее искушенные из прогрессоров семидесятых к подобному обращались нечасто. Пожалуй, самый яркий пример - кримзоновский шедевр "Lizard". Однако написан он был вполне сложившимся мастером, уже тогда почитаемым за гранда. В случае с Андреасом Фолленвайдером все с точностью до наоборот. Никому на тот момент не известный молодой швейцарский композитор-мультиинструменталист умудрился дебютировать в музыке концептуальным и достаточно оригинальным альбомом. Его арт-сюиту в тринадцати частях отнюдь не назовешь наивной или беспочвенно-претенциозной. Двадцатипятилетний исполнитель, позднее приобретший славу великолепного нью-эйджевого артиста, в процессе сотворения полотна проявил удивительную изобретательность и безукоризненное чувство меры. Каждый звуковой этюд пластинки наделен собственным тонким колоритом. Гамма выразительных средств подобрана на редкость гармонично, благодаря чему не сразу обращаешь внимание на явную полистилистику материала. Несколько игровых вариантов сопрягаются в удивительном замысле Андреаса: тут и камерная прозрачная чистота, достигаемая за счет присутствия в палитре арфы, окарины, целого набора флейт, фортепиано и акустической гитары (наряду с синтезатором и сопрано-саксофоном за них отвечает собственно маэстро); и виртуозные джаз-роковые обертоны электро- и стил-гитары Макса Лёссера вкупе с превосходной поддержкой остальной группы аккомпаниаторов (Филиппе Кенхольц - электропиано, Петер Кайзер - бас, Уолтер Кайзер - ударные/перкуссия). Гостевое участие в Седьмой части сюиты Ганса Фолленвайдера, отца Андреаса, придает ей своеобразный академический привкус. Тут мы слышим грандиозную импровизацию на подлинном соборном органе, установленном в одной из церквей Цюриха. И в общей, заранее скомбинированной канве магнум-опуса она растворяется на правах неотъемлемого фрагмента...
Несмотря на тот факт, что студийный этап работы над "Eine Art Suite in XIII Teilen" полностью завершился в 1979 г., реализовали программу лишь пять лет спустя, когда Фолленвайдер-младший с головой погрузился в этнический нью-эйдж, чем и снискал популярность у широкой аудитории. Прогрессивные нотки встречаются и в последующих творениях Андреаса. Но если жаждете насладиться именно арт-роком, причем в самобытном и по-настоящему красивом его проявлении, то позвольте искренне порекомендовать вам означенный диск. Эстетическое удовольствие гарантировано.

28 янв. 2009 г.

Gordon Giltrap "The Peacock Party" (1979)

«Вечеринка у павлина» завершает череду шедевров эпохи "классического" Гордона Гилтрэпа. Полностью инструментальный альбом решен в манере игрового фолк-арт-рока (причем артовая сторона произведения возобладает над традиционными фольклорными мотивами). В устоявшейся группе аккомпаниаторов британского музыканта наметились изменения: покинул состав гуру барабанной установки Саймон Филлипс. Его место занял другой прекрасный ударник - Йен Моузли (ex-Trace, pre-Marillion). В компанию к органисту Роду Эдвардсу и бас-гитаристу Джону Джи Перри (ex-Caravan, Quantum Jump, Aviator etc.) напросились флейтист/саксофонист/кларнетист Бимбо Экок, старый знакомый - духовик Ричард Харви (Gryphon), перкуссионист Морис Пирт (Brand X), скрипач Рик Сандерс (Fairport Convention) и клавишник Эдди Спенс. В паре композиций партии баса исполнил Джон Густафсон (ex-Quartermass, Jesus Christ Superstar, Roxy Music, Gillan). Результат звуковых сессий ансамбля получился на редкость хорош. Прослушивая релиз, подспудно чувствуешь, насколько комфортно работалось Гордону в этой компании профессионалов. Из двенадцати треков сложно выделить лучший, все как на подбор. Если поднапрячься и обозначить самые-самые, то картинка окажется примерно такой: обильно сдобренные деревянными духовыми "Magpie Rag" и "Party Piece", по звучанию напоминающие Gryphon периода двух первых пластинок; сугубо камерная "Tailor’s Bird" с ее клавесинно-скрипичным антуражем и акустическими вензелями маэстро – квинтэссенция духа гипотетического английского Ренессанса; траурно-прекрасная оркестровая пьеса "Black Rose – The Raven" рисует в воображении картинки со старинных литографий из забытых во времени готических романов; в заводной "Jester's Jig" трубадур Гордон связывает воедино средневековые наигрыши с энергетическими сгустками рока, пользуясь поддержкой струнной и брасс-секций, ведомых Родом Эдвардсом на пару с Роджером Хэндом; полифоническая "Chanticleer" привлекает избыточными ритмическими зигзагами; относительно прозрачная, наполовину симфоническая элегия "Dodo’s Dream" - бенефис трех солистов: самого Гордона, клавишного кудесника Эдвардса и упертого ретрограда Ричарда Харви, разглядевшего в мастермайнде проекта родственную душу. Отдельных восторгов заслуживает оформление диска (художники Алан Олдридж и Гарри Уилкокк), представляющее собой полноценный иллюстративный ряд, персонажи которого удивительно похожи на героев чудесной сказки Кеннета Грэма «Ветер в ивах».
Итог: шикарный подарок поклонникам по-настоящему хорошей музыки. Рекомендую.

26 янв. 2009 г.

Asturias "Brilliant Streams" (1989)

В сознании каждого японца есть одно качество, делающее эту нацию уникальной. Врожденное стремление к синтезу. Мало кто знает, что оригинальные черты национальной культуры Страны Восходящего Солнца - результат умелого заимствования и тщательного переосмысления традиционных особенностей других народов. Я вовсе не хочу сказать, будто все японское - хорошо завуалированный плагиат. Но немалая доля пластов, лежащих в основе религиозных культов, государственных законов и разновидностей искусства - от каллиграфии до боевых систем, почерпнута из духовно-исторического наследия иных этнических групп. Однако ничего общего со слепым копированием подобный подход не имеет. Семена, брошенные на местную почву, дают невиданные доселе всходы. А дело как раз в пресловутом умении синтезировать, достигая предельной органики, не встречаемой более нигде.
Ансамбль токийского музыканта Йо Охаямы (р. 1962) Asturias появился на свет во многом благодаря увлечению последнего творчеством Майка Олдфилда. Слушая знаменитое произведение "Tubular Bells", юноша Йо старался уразуметь, каким образом все это великолепие мог воплотить один человек. Воздействие пластинки на поэтически настроенную душу молодого японца было велико. Поставив себе целью превратиться в мультиинструменталиста, Охаяма с подлинно азиатским упорством принялся за дело. И постепенно добился желаемого. В 1987 году ведомый им студийный проект Asturias, включающий участников из прог-групп Shingetsu и Zabadak, выпустил альбом "Circle in the Forest", радушно встреченный продвинутой аудиторией. Изданный парой лет позже "Brilliant Streams" логически продолжил развитие дебюта. Придерживаясь мнения, согласно коему истина сокрыта вне речей и письмен, Йо во главу угла поставил красоту звука и незамутненную словесами прозрачную чистоту мелодии. Плавные синтезаторные арпеджио с классическим подтекстом напоминают работы артистов нью-эйджевого толка. Впрочем, данное обстоятельство не должно смущать почтеннейшую публику. Колорита в напоенных светом инструментальных полотнах господина Охаямы предостаточно. Разве не прекрасна сверкающая лунными бликами симфо-артовая "Nostalgia"? А тонкая огранка пьесы "Rogus"? Кружева оркестрового рока, явленные сквозь электронную призму восьмидесятых. То же относится и к очаровательной фантазии "Highland". Финальный 22-минутный эпик "Brilliant Streams" - блистательное чередование жанров и настроений: от сказочных журчащих синти-ритмов а-ля Tangerine Dream до удивительных симфонических пейзажей (не зря маэстро привлек к записи гостевого фаготиста и пару исполнителей на фортепиано; и это не считая его основной группы).
Итог: взыскующие авангардно-прогрессивных веяний при знакомстве с "Бриллиантовыми потоками" наверняка будут разочарованы - эта музыка точно не для них. Воздушно-акварельные этюды японского коллектива предназначены лицам, привыкшим мыслить сердцем. Вот им-то и посвящается маленькое чудо по имени Asturias.

24 янв. 2009 г.

Cherry Five "Cherry Five" (1974)

Лейбл Cinevox с гордостью представляет классиков итальянского симфо-прога - группу Cherry Five! Не стоит морщить нос, напрягать память и подозревать представителей компании в подтасовке фактов. Перед нами и впрямь гранды рок-музыки Апеннинского полуострова. Просто всему просвещенному миру они известны под именем Goblin. Однако прежде, чем превратиться в маститых сочинителей саундтреков и властителей дум, ребята отдали свой долг прогрессиву, записав англоязычную пластинку, вобравшую в себя приличное количество находок из копилки европейского арта. За обилие классических мотивов в творчестве CF следует благодарить ведущего композитора группы - молодого и амбициозного Клаудио Симонетти, сына известного пианиста и дирижера Энрико Симонетти. Солидные меллотроновые слои, скоростные фортепианные проходы, изящнейшие джазовые вкрапления, маршевые позывные электрооргана - все это его рук дело. Постояный соавтор Клаудио, гитарист Массимо Моранте, также заслуживает самых теплых слов. Его игровая манера явно сформировалась под влиянием Стива Хау (YES). Особенно сие ощущается в эпической вещи "The Picture of Dorian Gray" (между прочим, именно так, только в итальянской транскрипции, назывался ансамбль, организованный Симонетти, на обломках которого впоследствии и возникли Cherry Five). Вообще, инспирация наследием британских законодателей жанра у CF прослеживается в большей степени, нежели у их соотечественников-современников. И если открывающую "Country Grave-Yard" можно рассматривать, как образцово-показательный номер для прог-движения 1970-х в целом, то в уже упомянутом "Портрете Дориана Грэя" йесовская интонация мерещится в каждом звуковом уголке (правда, ничего плохого лично я в этом не вижу). Отменная двухчастная связка "The Swan is Murderer", исполняемая в ультраскоростном режиме фактически без снижения темпа, отчасти напоминает ирландских бойцов Fruupp пополам с голландцами Kayak. Чудеса техники здесь демонстрирует ударник/перкуссионист Карло Бордини. 9,5-минутный арт-мюзикл "Oliver" по-хорошему калейдоскопичен: интроспективные вальсирующие нотки, шквалистые рок-порывы, приятная кентерберийская расслабленность, массированная клавишная пальба из всех орудий - отличное полифоническое действо с уверенными вокальными партиями певца Тони Тартарини. Заключительный опус "My Little Cloud Land" - ядреный фьюжн-коктейль с лихим заездом на территории Gentle Giant и Jethro Tull.
Напоследок маленький совет: перед прослушиванием желательно выкинуть из головы почерпнутую в описании информацию, ибо вышеприведенные топорные фразы и неуклюжие сравнения всецело субъективны. Главное, что следует помнить: перед Вами настоящий шедевр итало-прога. Настройтесь на волну высокого искусства и постарайтесь получить удовольствие.

21 янв. 2009 г.

Glass Hammer "Lex Rex" (2002)

Своеобразный musical extravaganza (по представлению затейников Фреда Шиндела и Стива Бэбба) под скромным латинским названием "Lex Rex" продиктован тайным желанием застолбить нишу в высшей лиге современного прог-дивизиона. Средства, избранные для оного обоими авторами, на поверку оказались не самыми простыми, но отступаться от задуманного совершенно не в правилах этих славных американских ребят. Брутальная история римского солдата, подгоняемого отдельными мифологическими личностями из пантеона богов на вечные поиски некоего артефакта (по принципу "поди туда - не знаю куда, принеси то - не знаю что"), излагается здесь старым добрым английским языком да на новый лад. Композиционные изыски господ-сочинителей с головой выдают в них упертых поклонников таких замечательных коллективов, как YES и Gentle Giant. Согласитесь, не самый плохой выбор. И что характерно, Стиву с Фредом в общем-то удается достойно удерживать равнение на творчество легендарных британцев. Иструментальный "винтажный гардероб" раздут до неприличия: тонны органов всех мастей (от Хаммонда до всяческих его разновидностей), Корги с Ямахами, незабвенный меллотрон... Таким образом, клавишная симфоническая подпитка на альбоме используется по максимуму. Как истый любитель выпендриться, маэстро Бэбб напридумывал море ритмических сбивок в самых неожиданных местах, а затем благополучно расправился с ними при помощи четырех- и восьмиструнных бас-гитар. Однако лирическая часть заметно возобладает над умеренно-сложными прогрессиями. Да и могло ли случиться иначе, ежели одних вокалистов (соло и бэк) тут насчитывается до шести душ, коли не принимать во внимание инициаторов мероприятия (ох уж эти многостаночники!): что поделаешь, любой мало-мальски приличный рок-спектакль не обходится без обильного количества действующих лиц. К чести авторского дуэта, распорядились они своими подопечными с умом, сохранив баланс меж текстосодержащей частью и бессловесными этюдами (последних, кстати, больше). Временами в классически ориентированную канву произведения вторгаются приджазованные пассажи, но их наличие полностью оправдано. Озвучивать эпические (и не очень) конструкции доверили трем разным гитаристам - по треку в одни руки (надо полагать, колорита ради). Соответственно, в "Tales of the Great Wars" солирует Бьорн Линне - норвежский индивидуалист, известный своими пристрастиями в области фэнтази; "One King" сдобрена партиями Чарли Шелтона, а в "Further Up-Further In" слышна игра Дэвида Картера. Остальными струнными (стил-, электро- и акустическая гитары + мандолина) ведает головастый Фред Шиндел.
Долго распинаться не буду: релиз хорош. До шедевра несколько не дотягивает, впрочем, скроен добротно, профессионально. И определенно заслуживает ознакомления.

18 янв. 2009 г.

Gordon Giltrap "Fear of the Dark" (1978)

"Fear of the Dark" замыкает трилогию Гилтрэпа, посвященную феноменологии человеческого восприятия. Вне всякого сомнения, эта пластинка - своего рода кульминация идейных и творческих исканий маэстро периода 1970-х. По словам Гордона, не стоит воспринимать название диска буквально, ибо в данном случае речь идет "не о страхе темноты, но о боязни неизвестности - того, что сокрыто тьмой". От предшественников релиз отличается прежде всего повышенным содержанием мотивов классического арт-рока. Хотя традиционная для Гилтрэпа формула "группа + оркестр" по-прежнему остается в силе, нельзя не заметить большей фокусировки на электрической составляющей саунда. Нет, акустические изыски доблестного виртуоза никуда не делись, он вовсю демонстрирует красоту и отточенную скоростную технику (один из наиболее ярких в этом отношении этюдов - "Fast Approaching"). Однако целый ряд сочинений здесь расцвечен и колоритными пассажами электрогитары. Как нельзя кстати пришлось участие в записи маститого духовика Ричарда Харви - одного из основателей легендарных фолк-прогрессоров Gryphon. Правда, солирования на флейте тут не услышишь, зато массированная стена звука выстроена без преувеличения превосходно. В чем немалая заслуга органиста Рода Эдвардса, которому, судя по всему, дали полный карт-бланш. Старина Род воспользовался моментом, в итоге именно благодаря его клавишным отдельные программные пьесы несут на себе явственный привкус чего-то агрессивно-темного (как, собственно, и задумывалось мастермайндом). Напомню, что ранее ничего подобного у Гордона не наблюдалось; напротив, он всегда тяготел к светлому пасторально-элегическому рисунку. Еще одно нововведение - появление вокальных (точнее, бэк-вокальных) партий, выполняющих, скорее, декоративную, нежели смысловую функцию. И хотя таковые встречаются лишь единожды - на треке "Weary Eyes", что-то оно все-таки да значит. Обилия "вкусностей" разнообразных видов и сортов на "Fear of the Dark" хватает: щедрыми фольклорными тонами переливается двухчастный опус "Roots"; альянс штормовой мощи и полуночной атмосферности выходит вперед в великолепном боевике "Nightrider"; тревожный сумрак души проглядывает в рефлексивной "Inner Dream"; игровыми ритмами вкупе с мечтательными эпизодами полнится заглавная 8-минутная конструкция; мистическим ожиданием пронизана финальная зарисовка "Visitation", косвенно отсылающая к поэтическим шедеврам Уильяма Блэйка...
Итог: замечательная работа, рекомендуемая в первую очередь ценителям типично английской инструментальной рок-музыки.

16 янв. 2009 г.

Flairck "Variations on a Lady" (1978)

История этой голландской группы по-своему парадоксальна. Судите сами: 1978 год. В мире уже бушует панк. И без того не шибко высокий интерес к сложным музыкальным формам катастрофически снижается. На лидирующие позиции выходят ритм, шум и ярость. В такой вот обстановке фламандский гитарист Эрик Виссер решает организовать ансамбль, исполняющий не просто безвокальную, а еще и полностью акустическую музыку. Единомышленники, как это ни странно, находятся довольно быстро. В их числе родной брат Виссера Ханс (бас, гитара), флейтист Петер Викерс и скрипачка Джуди Шомпер. Профессионализм участников берет свое: безупречное владение инструментами, тончайшее проникновение в суть авторских композиций Эрика плюс великолепная сыгранность приводят к скорой записи дебютной пластинки "Variaties op een dame" (в английском прочтении - "Variations on a Lady"). Думаю, вряд ли кто из членов коллектива мог предугадать последующую реакцию публики на их первое творение, однако факт остается фактом: некоммерческий в принципе альбом по итогам продаж в Нидерландах становится платиновым и получает три высочайших награды, включая престижную премию Эдисона. Так в чем же секрет феномена по имени Flairck? Вероятно, в умении сочинять и исполнять по-настоящему хорошие мелодии. Слишком просто, скажете? Может быть. Но эта формула работает при "любой погоде".
Итак, "Variations on a Lady". Шесть инструментальных этюдов иллюстрируют разнообразие настроений. Размеренная "Aoife" воплощает собой чистейшую красоту классической элегии. В проникновенном изяществе тихих гитарных переборов уловимы хэккеттовские нотки; впрочем, навряд ли уместно здесь говорить о каких-либо заимствованиях. Драйвовая "Prelude in Sofia", выстроенная на фольклорном материале, со временем превратилась в международный хит; без нее и поныне не обходится ни один концерт группы. Тягучая "April 3rd" - своеобразная медитация по-голландски. Пространный минор данного опуса сродни задумчивому взгляду сквозь залитое дождем окно. "Odd Waltz", изначально открываемый не слишком-то веселыми пассажами, по ходу действия превращается в эдакий вариант народной плясовой пополам с барочными интонациями. Заглавный 22-минутный опус соединяет в себе все разом: тут и классика, и средневековье, и светлая грусть, и лучащийся праздничный мажор, и ураганный шквал страстей, и многое-многое другое. Кстати, за дополнительные перкуссионные оттенки в "Variations on a Lady" отвечает специально приглашенный гость - Фред Кремс (вибрафон, маримба, колокольчики, гонг). Ну, а короткая кода "Double Play" - бенефис братьев Виссеров, демонстрирующих виртуозное парное музицирование.
Заключение: бесподобное, богатое нюансами полотно, искренне рекомендуемое каждому, вне зависимости от вкусов.

12 янв. 2009 г.

Kataya "Canto Obscura" (2008)

Финские музыканты всегда славились оригинальным подходом к сочинительскому процессу. Со времен расцвета арт-рока эта небольшая озерная страна дала миру множество отменных коллективов. Год 2008 добавил в копилку прог-сборной Суоми новое имя - Kataya. Ставя во главу угла принцип синтеза жанров, инструментальное трио (Матти Кирвянен, Тейо Тикканен и Сами Сарямаа) исповедует, по собственному признанию, прогрессивный фолк-эмбиент. И вашему покорному рецензенту остается лишь согласиться с данным определением, ибо отделить одно от другого в творческом замесе финских уникумов не представляется возможным. Удельная доля каждого из обозначенных стилевых слоев на "Canto Obscura" весьма велика, но "артовое" начало здесь все ж таки превалирует. Приятно поражают изобретательность и профессионализм участников ансамбля, сумевших столь органично состыковать в единое целое разнопородные игровые схемы. Пространные северные ландшафты, полные меланхолической размытости, как выяснилось, вполне сносно укладываются в обойму с настроенческой ретро-конкретикой семидесятых (хаммондные призвучья; богатая, четкая и красивая гитарная подача, за которую прежде всего следует благодарить "волшебника" шести струн Микко Ийвяняйнена) и местечковым фольклорным мелосом. Ряд треков украшен чарующим женским вокализом от специально приглашенной джазовой певицы Йоханны Ийвяняйнен. Ее присутствие навряд ли назовешь "фоновым": это абсолютно самостоятельный и необходимый элемент конструкции, сообщающий полотну неповторимый колорит (послушайте хотя бы полу-акустическую элегию "Ahava" с ее впечатляющими пейзажными планами или же не менее пронзительную пьесу для голоса и саксофона "Valaistu", и сами все поймете). Умиротворенно-созерцательные космизмы мастерски переплетаются с живой рок-энергетикой, причем все это в рамках одной темы ("Putkivaara"); электронные пульсации синтезаторов вливаются в густую полифоническую палитру, по мере движения обрастая сочными красочными деталями и подробностями. Отличительная скандинавская "грустинка" периодически проскальзывает то тут, то там: и в мелодичнейшей прогрессив-ностальгической "Avojaloin", и в титульной, припорошенной незримыми снегами вещи, и в утонченно-проникновенной зарисовке "Karahka", чья деликатная лирическая атмосфера попросту околдовывает. По словам великолепной троицы, при создании альбома они вдохновлялись картинами диких заповедных уголков Финляндии, пытаясь сохранить в музыке дух родного края. Что ж, оно получилось. И финальный неторопливый этюд "Koera" подчеркивает это как нельзя лучше.
Итог: настоящая звукоживопись, воплощенная истинными Артистами с большой буквы. Очень рекомендую.

11 янв. 2009 г.

Tony Levin "Waters Of Eden" (2000)

Тони Левин в особом представлении не нуждается. Виртуозный бас-гитарист, мастер игры на стике Чэпмена - инструменте необычном и крайне непростом в освоении, он давно и прочно входит в когорту грандов мирового прог-рока. Совершенное исполнительское искусство Левина подкупало и очаровывало таких титанов-прародителей жанра, как Питер Гэбриэл и Роберт Фрипп; с обоими Тони связывают десятилетия дружбы и сотрудничества. В сугубо техничных проектах типа Liquid Tension Experiment или Bozzio-Levin-Stevens этот незаурядный человечище сумел продемонстрировать практически всю буйную мощь своего дарования. Однако даже самые прогрессивные из музыкантов порой устают от навороченных размеров и скорострельных пассажей. И в подобные моменты отдохновения, когда душа требует чего-то более уравновешенно-спокойного, проявляются иные, светлые грани таланта по-настоящему экстраординарных артистов. Не миновал сей участи и Левин. Его сольное творение "Waters of Eden" - работа во многом неожиданная по меркам арт-роковой аудитории. Девять инструментальных этюдов, выражаясь языком их создателя, - своеобразный идейный сплав, направленный в новое тысячелетие, черпающий "лучшее из стилистики world music и классики, обусловленный потребностью в страстной, наполненной смыслом музыке, способной трогать сердца слушателей всех мастей". Ей богу, лучше не скажешь. Звуковые "Воды Эдема" неоднородны. Этнические мотивы древних царств Ассирии и Вавилона ("Bone & Flesh") пересекаются с бесподобными камерными жемчужинами редкостной красоты ("Waters of Eden", "Belle", "Boulevard of Dreams"), мешаются с умозрительно-рефлективными полотнами кинематографического свойства ("Icarus"), наливаются беззаботно-мажорными интонациями ("Gecko Walk"), воздушным романтическим настроением ("Opal Road"), а то и вовсе преодолевают наэлектризованные чертоги дальнего космоса ("Pillar of Fire"), дабы в конечном счете ускользнуть по руслу мечты в неосязаемо-таинственное запределье ("Utopia"). Маэстро раскрывает нам поразительно богатый внутренний мир, полный лирических образов, попутно утверждаясь в качестве композитора. А помогают ему в том друзья-коллеги, средь которых немало известных лиц: прославленный гитарист-экспериментатор Дэвид Торн; интернациональный акустический конгломерат California Guitar Trio в своем неизменном составе (Берт Ламс, Хидео Мория и Пол Ричардс); синтезаторный волшебник Ларри Фаст, знакомый любителям электроники 1970-1980-х под кодовым именем Synergy; весьма почитаемый в кругу посвященных суперударник Джерри Маротта, и целый ряд не менее замечательных персонажей.
Итог: подлинное пиршество духа для мело-гурманов и тонких ценителей прекрасного. Не пропустите.

10 янв. 2009 г.

Porcupine Tree “Live in Rockpalast” (2006; DVD)

Умелые действия наших пиратов вызывают невольное восхищение. Данный концертный релиз не что иное, как запись трансляции со спутникового канала; одним словом, неофициальный бутлег. И при этом вполне пристойное качество изображения и звука. Отрадный факт. Однако, блюдя приличия, не будем зацикливаться на дифирамбах "джентльменам удачи" подпольного аудиорынка, а обратимся-ка лучше непосредственно к "дикобразам", поголовье которых в гастрольном варианте увеличилось до размеров квинтета. На правах второго гитариста был привлечен старый знакомец Стивена Уилсона по имени Джон Уэсли, внешне отдаленно напоминающий Тони Айомми (Black Sabbath) пополам с Фрэнком Заппой. И надо сказать, подобный расклад абсолютно оправдан, поскольку композиционные структуры PT последних лет заметно усложнились, прибавили в мощи, пропитались яростью и обросли тяжестью. Посему массированная подача в две гитары тут очень и очень кстати. Программа выступления скроена в основном из номеров с альбомов "In Absentia" (2002) и "Deadwing" (2005). Плюс классический хит "Radioactive Toy", сокращенный минуты на три (в ущерб психоделичности и в угоду драйву), а также пара новых (на тот момент) вещей – "Futile" и "Mother and Child Divided" (могучий прог-металлический инструментал). Тесное общение с Opeth, как и следовало ожидать, не прошло для Стива Уилсона бесследно: ужесточение саунда налицо. И судя по реакции германской аудитории, да и самих участников коллектива, новая ипостась Porcupine Tree им крайне по душе. 75 минут действия пролетают на одном дыхании. Угарная звуковая волна цепляет с первыми аккордами Intro и не отпускает до финальных субтитров. Безумно интересно наблюдать за манерой поведения каждого. Худощавый, по-мальчишески угловатый лидер Уилсон – явный холерик, отдающийся любимому делу 24 часа в сутки. Мгновения энергетического накала соседствуют у него с космической отрешенностью, яростное терзание струн чередуется с абсолютной расслабленностью. Бас-гитарист Колин Эдвин – полная противоположность мастермайнду ансамбля. На протяжении шоу он, кажется, даже не сдвинулся с места, играя свои партии с загадочной буддистской полуулыбкой. Органиста Барбьери демонстрировали нечасто, по большому счету камера фокусировалась на его пальцах. Но значимость этого "аналогового пуриста" нельзя недооценивать: без него "дикобразы" были бы совсем другими. Относительно барабанщика Гэвина Харрисона все просто: на сегодняшний день это лучший британский рок-ударник, что признает даже маэстро Роберт Фрипп, недаром ангажировавший Гэвина в King Crimson.
Резюмирую: образцово-показательный live set, большего и желать нельзя. Наслаждайтесь.

8 янв. 2009 г.

Ephrat "No One's Words" (2008)

Богата талантами Земля Обетованная, что лишний раз доказывает творчество команды Ephrat. Хотя, относительно "команды" - это еще вопрос, поскольку по сути всем заправляет здесь один человек - мультиинструменталист Омер Эфрат при поддержке друзей. "No One's Words" - дебютный альбом проекта, однако как в отношении композиции, так и техники исполнения он вполне способен заткнуть за пояс работы многих "ветеранов" прог-металлического движения. Да и чему удивляться, если микшированием диска занимался "великий и ужасный" Стивен Уилсон (Porcupine Tree), для которого это уже не первый опыт сотрудничества с израильскими музыкантами (вспомним Blackfield). Главный козырь пластинки, на мой взгляд, заключается в разнообразии материала. Каждый трек релиза - отдельное звуковое приключение с собственным уникальным колоритом. Открывающий 10-минутный номер "The Show" - соединение мотивов современного утяжеленного прогрессивного рока с ближневосточными веяниями (в духе Orphaned Land): вязкие, тягучие электрогитарные соло обрамляются этнической перкуссией Барака Бен-Цура и яркими флейтовыми пассажами мастермайнда Эфрата. Меланхоличный вокал Лиора Секера создает совершенно определенное настроение, добавляющее "живописности" и без того образным структурам. Идущая следом "Haze" подобна головоломке: вычурные размеры, с которыми мужественно справляется ритм-секция - Гили Розенберг (бас) и Томер Зет (ударные) при поддержке Давида Сигала (контрабас) и Ассафа Дара (виолончель). Плюс искусно завулированное влияние трип-хопа, но в данном случае объясняется оно просто: соавтором выступает Петронелла Неттермальм из шведской арт-группы Paatos, украсившая эту вещь своим несравненным голосом. Депрессивная "Better Than Anything" хороша мелодическими гармониями и ароматом похмельного осеннего вечера, коротаемого в каком-нибудь богом забытом отеле. Участники демонстрируют настоящий класс, а пение Лиора, потрудившегося также над хоральным многоголосием, выше всяких похвал. Ядреный инструментал "Blocked" - бенефис Омера. Гитары, бас, клавишные - все на нем. За исключением разве что барабанов, с коими мастерски управляется маэстро Томер. "The Sum of Damage Done" - подарок поклонникам Pain of Salvation, ибо за лирику и вокальное наполнение данного опуса несет ответственность фронтмен последних Даниэль Йильденлёв. Шикарный образец слияния акустической атмосферности с массивным электрическим саундом. Интроспективная часть финальной 19-минутной "Real" неожиданно стилизована под Beatles: вокодированный речитатив Секера, мажорные духовые от специально приглашенных Рафи Давидова и Морана Барона, лучезарные фортепианные аккорды... Впрочем, насладиться ретро-позывными в полной мере тут не получится; экипаж Эфрата довольно быстро сворачивает заигрывания с прошлым и устремляется в более привычное тяжелое русло с обилием электроники, где есть место и скоростному солированию, и светлым накрапывающим переборам акустики вкупе с клавишными оркестровками, и заглушаемому сэмплерами вокализу Петронеллы...
Словом, отличный старт, позволяющий рассчитывать на не менее солидное продолжение. Очень рекомендую.

5 янв. 2009 г.

DeeExpus Project "Half Way Home" (2008)

Объяснить человеку несведущему, что не так страшен "прогрессив", как его малюют, зачастую проблематично. И проистекает это из-за массово распространенного ложного стереотипа: мол, прог - музыка, лишенная мелодического начала. Слава богу, в последнее время ошибочность данного постулата ставится под сомнение даже бывшими приверженцами оного. Во многом за процесс полярной смены точки зрения ответственны такие представители современного арта, как Porcupine Tree, доказавшие, что в основе любого звукотворчества должна лежать хорошая мелодия. Благодатную волну впоследствии подхватили и другие - британцы The Pineapple Thief, поляки Riverside, с легкой руки которых аудитория поклонников интеллектуального рока значительно расширилась. К чему столь долгая прелюдия, спросите? Да просто герои настоящей рецензии не стесняются открыто нести знамя мелодик-прога. Знакомьтесь: англичане DeeExpus Project во главе с композитором-мультиинструменталистом Энди Дичфилдом. До образования собственной банды выросший в графстве Дарем мистер Дичфилд успел поиграть в АОР-команде The Real McCabe, не в пример больше заинтересовавшей американскую публику, нежели соотечественников. После распада группы в 1999 году последовал очередной музыкальный зигзаг, в виде проекта MZR, где Энди была уготована роль властелина ударной установки. Именно в рамках MZR состоялось его знакомство с вокалистом Тони Райтом - будущим певцом и соавтором материала DeeExpus Project.
Учреждая DEP, компаньоны, как и полагается истинным коллегам по творчеству, исходили из общности интересов. Обоим нравились тяжесть и напор Iron Maiden, интеллигентность и артистизм It Bites и Marillion, концептуальные выкрутасы Rush и яркая напевная нео-психоделия ранних Porcupine Tree. Все эти увлечения в разной степени отразились на композиционных структурах нового конгломерата, зародившегося в марте 2007 г. и вскоре усиленного единомышленниками - басистом Йеном Рэйном, вторым гитаристом Стивом Райтом и ударником Кевом Джагером. "Half Way Home" - гармоничное переплетение пространно-клавишных аранжировок с массивно-напористым саундом гитары, чьи энергетические соло буквально питают каждый трек релиза. При этом замечу, что речь идет не о пустопорожнем "пилилове" съехавшего с катушек виртуоза. Будучи достаточно искушенным артистом, Энди прекрасно чувствует границы дозволенного, посему его шестиструнные партии обладают ценностью и весом, сравнимыми с аналогичными в хард-ориентированных агрегатах. Певческие таланты Тони Райта также отмечены знаком качества. С подобным тембром голоса можно без труда рассчитывать на карьеру в каком-нибудь коммерчески успешном поп-ансамбле. Однако выбор у всякого свой. Так или иначе, вокальная манера Райта подобрана крайне "в тему". Об остальной троице ничего плохого не скажу: ребята - профи, дело знают. Остается пожелать им дальнейших свершений на тернистом пути модерн-прога.
Итог: для дебюта весьма и весьма недурственно. Рекомендую.

2 янв. 2009 г.

Gordon Giltrap "Perilous Journey" (1977)

"Живя по ту сторону отчаяния, дети не ведают его, покуда не наступает момент пробуждения". Этой цитатой великого немецкого писателя-философа Германа Гессе открывается вторая часть музыкальной трилогии Гордона Гилтрэпа, начатая на альбоме "Visionary" (1976). Состав ансамблистов за истекший период времени особых изменений не претерпел: бас-гитара - Джон Джи Перри, ударные - Саймон Филлипс, перкуссия - Тони Карр. Клавишными заправляет верный сподвижник-сопродюсер Рон Эдвардс. На гитаре, естественно, сам маэстро. Замысловатые ниточки струнных аранжировок Пэта Хэллинга сплетаются в щегольские узоры под бдительным присмотром умелого Роджера Хэнда. Что касается композиционной составляющей, то в данном случае мистер Гилтрэп решил не зацикливаться на обильном симфоническом наполнении. И потому во главу угла ставится слаженность звучания всей группы, которой (чего уж греха таить!) как раз не доставало на предыдущей пластинке. Первым же треком "Quest" Гордон и компания демонстрируют слушателю, насколько мягкой, деликатной и вдумчивой может быть рок-музыка, если внутренняя суть ее подвержена определенному влиянию творчества менестрелей средневековья, а внешняя оболочка оформлена в манере классической сюиты. Своеобразная интеллигентность саунда подкрепляется наличием нескольких духовиков: саксофонисты Джефф Дэйли, Стэн Залцман, Роджер Болл и Майкл Дункан придают записи налет созерцательного лиризма. Другие представители брасс-секции - тромбонист Крис Пайн, трубачи Генри Лоутер и Мартин Дроувер также привносят немалое количество живых красок в общее повествование. Но решающее слово, понятное дело, все равно за Гордоном. И уж он-то не упускает возможности высказаться при помощи шести- и двенадцатиструнных инструментов. Акустические трели несут в себе сочный колорит густых английских дубрав и пастельные тона майского неба. Фольклорист по духу, Гилтрэп остается предан условно-барочному гитарному рисунку. При этом прекрасно освоенные им электрические партии отличаются лаконичностью и какой-то проникновенной мудростью, свойственной большим художникам: тембрально богатое соло в бонус-версии композиции "Quest", исполненной совместно с Wren Orchestra, по глубине и выразительности находится в одном ряду с творениями таких мастеров, как Энди Лэтимер (Camel) и Марк Нопфлер (Dire Straits). К полной неожиданности автора игровая зарисовка "Heartsong" угодила в разряд "хитов", и уже через год означенная мелодия в качестве главной темы украсила телевизионную программу "Holiday".
Таким образом, затеянное доблестным британским идальго путешествие явилось вовсе не "опасным" (как следует из названия), а напротив - обернулось приятным приключением, принеся создателю заслуженное признание в профессиональной среде и увеличение числа поклонников.