Ragnarök “Ragnarök” (1976)

Одна из тех чудесных пластинок, что обладают тихим, почти магическим притяжением.
На своем дебютном альбоме шведский инструментальный секстет представил десять композиций в размеренном арт-роковом ключе с фолковым подтекстом. Музыкальный вояж открывается акустической пасторалью “Goodbye Copenhagen”. Продолжение следует в виде Кентерберийского номера “Walks” с обтекаемым электропиано и сдвоенными гитарными партиями. “Freshbaked Bread” возвращает нас на просторы Скандинавии, где тонкий голос флейты выводит замысловатый рисунок под аккомпанемент классической гитары. Таинственный 8-минутный эпик “Foam the Days” поначалу интригует вкрадчивой игрой каждого из музыкантов, а во второй половине являет собою среднего темпа прогрессив, навевающий мысли о Camel. Полуминутная реприза “Reel from Kalman” – флейтовый наигрыш с традиционной основой. Удивительно, но даже заводные по определению фанковые интонации (“Factoryfunk”) звучат у шведов с налетом их «фирменной» меланхолии. “Fatanga Mani” – не-электрический мечтательный этюд от Питера Брюнгельссона с духовой подсветкой. В короткой “Fiottot” слышится замедленная раза в три Samla Mammas Manna. Ближе к финалу команда разражается пронзительной элегией “Calm – Breaking up”, а венчает программу тонкая по мелодике “Pools of Water” с легким джаз-роковым привкусом.
Замечательный вариант для всех, кто ценит в музыке нечто больше, чем просто голый нервозный ритм.

The Moody Blues “Days of Future Passed” (1967)

Один из краеугольных камней эпохи классического рока, “Days of Future Passed” во многом сформировал каноны музыкального направления, которое позже нарекут симфо-артом. Трудно поверить, что эта пластинка появилась в кризисный для группы период. Но, быть может, именно так и должны рождаться шедевры? По крайней мере эпитет «новаторский» здесь весьма не случаен. Судите сами:
- использование доселе игнорируемого большинством британских ансамблей меллотрона;
- постоянное присутствие Лондонского фестивального оркестра под управлением Питера Найта (этот коллектив был организован на базе компании Decca исключительно для записи в студийных условиях);
- наконец, концепция, объединяющая все семь треков альбома, благодаря чему, программа обретает черты сюиты, а подзаголовок «рок-фантазия» кажется абсолютно оправданным.
По словам флейтиста Рэя Томаса, “Days of Future Passed” – сочетание музыкальных стилей, истинная прогрессия. Так и есть. Ритм-н-блюзовые элементы растворяются в классическом симфонизме, типично английские номера в фольклорных тонах соседствуют с модными психоделическими мотивами (“The Sun Set”), легкий оттенок барокко сквозит в моментах пения а капелла. Ну, и конечно, фирменная «коронка» The Moody Blues, бессмертный хит Джастина Хэйуорда “Nights in White Satin” – баллада на все времена.
Благодаря великолепной мелодике диск и сегодня воспринимается на ура (особенно в ремастированном варианте). А если по каким-то причинам вам он еще не знаком, то это досадное упущение необходимо исправить.

Wastefall “Self Exile” (2006)

Греческий вариант Pain Of Salvation с третьим по счету альбомом. Жители Балкан могут гордиться столь навороченной группой. И в музыке, и в вокале четкие реминисценции со скандинавами. Фронтмен-тяжеловес Domenik Papaemmanouil блестяще освоил все фишки певческой «акробатики» коллеги Даниэля Йильденлева, что с успехом и демонстрирует. Возникает ощущение легкого дежа-вю, ибо тембры обоих артистов практически идентичны. В отношении лирики эллинам, конечно, далеко до интеллектуально-концептуальных выкладок шведских апологетов жанра, однако все остальное сделано на совесть. Предельно жесткая работа ритм-секции (явное влияние дэт-металла) доводит создаваемую гитарой и клавишными полифонию до необходимого градуса тяжести. Никаких соло-партий, равная степень нагрузки на каждом из музыкантов. Национальная принадлежность ребят угадывается в элементах народного фольклора, умело растворенных в звуковой палитре ансамбля (вспоминаются израильтяне Orphaned Land). Эпизодически задействована парочка вокалисток, на замыкающем треке “Provoke the Divine” гостит виолончелист. Вполне достойный прог-металлический акт, первоклассно записанный и сведенный. И если под рукой не окажется дисков PoS, не беда. Альтернативным вариантом послужат Wastefall.

Finch “Glory of the Inner Force” (1975)

Столпы голландского прогрессива 1970-х, одна из самых техничных европейских групп того времени. Лидер команды, виртуозный гитарист Йоп ван Нимвеген, единоличный автор всего материала. “Glory of the Inner Force” – дебютная пластинка рок-квартета Finch, представила слушателю четыре полнометражных опуса + небольшой напористый двухчастный боевичок "Colossus". Абсолютный отказ от вокала позволил инструменталистам развернуться на всю катушку. Полифонический, богатый нюансами саунд, в котором имеется если не все, то многое: ритмичные фьюжн-запилы, симфо-артовые зарисовки с неоклассическим подтекстом, джаз-роковые пианистические разработки а-ля кентербери, светлые мажорные фрагменты, многоликий орган Hammond L100 – нежный, журчащий, тревожный; оркестровый колорит меллотрона, прозрачные акустические эпизоды… Драйв гармонично уживается с красивыми, полными лирики и души мелодическими ходами. Мастермайнд коллектива замечательно использует спектр возможностей своего Gibson Les Paul-Custom. Гитара то остервенело риффует, то захлебывается плачем, то вдруг начинает говорить с тобою на каком-то удивительном языке. Ребята орудуют настолько вдохновенно, что невольно заражаешься их настроением. Музыка высокого полета не оставит вас равнодушными, уж поверьте.

Björn J:son Lindh “Sissel” (1973)

Уроженец шведского городка Арвика, воспитанник Королевской школы музыки в Стокгольме Бьорн Джейсон Линд обратился к своим академическим корням лишь в начале восьмидесятых. До этого были годы исканий, экспериментов, пробы себя в разных жанрах – от фри-джаза и этнической культуры Востока до арт-рока и различных популярных течений. Стилистику альбома “Sissel” вряд ли удастся сформулировать однозначно. Здесь имеет место стыковка многих, зачастую противоположных категорий. Огласим список полностью.

Открывается диск совершенно убийственной вещью под названьем “Bull Dog”. Солирующая флейта маэстро на блюзовом фоне задает драйв всей композиции в целом. Ближе к середине трека пробуждается вкуснейшая гитара Янне Шаффера, проступает эпизодическая струнная аранжировка и действо понемногу сворачивается. “Surto's Pyle'as” – по мелодике практически скандинавская плясовая, но в джаз-роковой интерпретации. Флейта пререкается с саксом, бушует перкуссия – в общем, все при деле. Гвоздь программы – “Storpolska”. Вот где настоящая полифония! Мотивы польки растворяются в структурированной мешанине психоделических созвучий. Пиковая фаза группового импровизационного помешательства с запредельной энергетикой. Расслабленный полублюзовый темп “Your Own House” весьма обманчив, ибо пронзительные соло Линда не способствуют успокоению. Заглавная “Sissel” – фьюжн по-шведски: электропиано, риффующая гитара, упорядоченная ритм-секция служат лишь обрамлением для неровных протяжно-отрывистых монологов флейты. Замыкающая “Games People Play” – эдакий псевдо-восточный джаз, заключающийся в бесконечном повторении музыкальной фразы, постепенно обрастающей нюансами.
Вердикт: сугубо интересный альбом, не имеющий ничего общего с поздними работами Бьорна Джейсона Линда.

White Willow “Ex Tenebris” (1998)

Вторая позиция в дискографии великолепных норвежцев. Ракурс обозначен весьма неожиданно: коллектив под управлением гитариста/композитора Якоба Хольма-Лупо воспылал страстью к готическим мотивам. Что отразилось не только в заглавии альбома («Из тьмы»), но и в названиях треков (“Leaving the House of Thanatos”, “…a Dance of Shadows”), а также в структуре мелодий. Фольклорные интонации предыдущего диска поутихли, действо наполнилось тайной. Правда, аналоговый инструментарий с волшебной флейтой никуда не исчезли, посему, невзирая на мистический колорит, музыка звучит тепло и душевно. Место за ударными занял сам Матиас Ольссон (Anglagard), за вокальные партии отвечает Сильвия Эриксен (начиная с этого альбома, основная певица White Willow). Быть может, не ошибусь, если скажу, что это самая красивая и загадочная из четырех пластинок группы. Отсутствие быстрых темпов позволяет выявить ее изящную выразительность, оценить по достоинству прозрачный, капельку минорный лиризм. Тихое очарование “Ex Tenebris” в полной мере проступает лишь при втором-третьем прослушивании. Уникальный шанс заглянуть в глубины незримого.

Roger Glover “Elements” (1978)

Ни hard’ом единым жив музыкант. Отдельные бойцы клана Deep Purple на протяжении 1970-х творили и в более серьезных жанрах. Особенно преуспел в этом отношении органист Джон Лорд. Заведующий басовым отделом Роджер Гловер старался не отставать от коллеги (как-никак выпускник консерватории по классу щипковых инструментов). Спустя четыре года после выхода первой сольной пластинки (рок-мюзикла “Butterfly Ball”) он отважился на шаг № 2.

“Elements” – концептуальное симфо-роковое полотно, повествующее о четырех кольцах силы, олицетворяющих первоэлементы всего сущего. К делу Гловер подошел ответственно, помимо баса сыграв на гитаре и клавишных. Остальные позиции поделили: саксофон – Ронни Эспери, ударные – Саймон Филлипс, фортепиано/перкуссия – Микки Ли Соул, скрипка/кларнет – Грэм Прескетт (по совместительству дирижер и аранжировщик), акустическая гитара – Мартин Бирч (продюсер Black Sabbath). На вокалах Лиза Страйк и Хелен Чэппел. Поехали.
1) "The First Ring Made of Clay". Ни дать, ни взять эстрадная классика в традициях The Alan Parsons Project. Полупопсовый мотив, оркестровое обрамление плюс пара тяжелых риффов. Темп композиции замедленный, чуть ли не doom’овый. Девушки стараются-поют, мужчины деликатно им вторят. Полный порядок.
2) "The Next a Ring of Fire". Скоростной арт-роковый номер, навевающий воспоминания об инструментальных изысках альбома “Nexus” незабвенных Argent. Гловер демонстрирует умение работать с синтезаторами. Впечатляет.
3) "The Third Ring’s Watery Flow". Бессловесная поп-артовая баллада с жутко красивой мелодикой, великолепными струнными секциями и милым воркованием кларнета маэстро Прескетта.
4) "The Fourth Ring’s With the Wind". Медитативная псевдо-индийская рага, ряженная в симфонические кружева. Голосовые рулады от дуэта Страйк—Чэппел и примкнувших к ним Гловера с Бирчем. Пилит на электроскрипке Грэм Прескетт, стучат на табла Филлипс с Ли Соулом. Все прекрасно, все в нирване.
Закрывается диск репризой, композиционно дублирующей первую вещь.
Обобщая вышесказанное: весьма недурственный опус, способный понравиться широкой аудитории слушателей обоего пола.

Devil Doll “The Sacrilege of Fatal Arms” (1993)

Саундтреки бывают разные. Одни способствуют адекватному восприятию видеоряда, другие, прямо скажем, – единичные, могут существовать сами по себе, ибо являются полновесными произведениями искусства. К этой немногочисленной категории шедевров как раз и принадлежит данный альбом. Интересующихся подоплекой его создания отсылаю к прекрасной статье Сергея Дементьева, посвященной творчеству Devil Doll (см. In Rock. 2001. # 3). Здесь же хочется уделить внимание непосредственно музыке.
Команда под управлением м-ра Доктора сделала приличный шажок вперед, подобравшись вплотную к рубежам, за которыми распахивается обширное поле академической классики. Свыше 70 минут изумительных стилевых наслоений: торжественно-зловещие оркестровки, готические эскапады церковного органа, драматические оперные хоралы, рефлексивные фортепианные партии, камерные наигрыши приглашенного струнного трио. Речитативы под аккомпанемент рояля сменяются резкими моментами прогрессивного хард-рока. Голос фронтмена гипнотизирует. Его умение держать паузу (почти по Станиславскому) содействует усилению интриги, а порой и вовсе – нагнетанию атмосферы тихого ужаса. И когда лидер уникального словено-итальянского конгломерата обреченно шепчет: “I kept the secret”, не поверить в это нельзя. Имеют место обильные звуковые эффекты: воссоздание характерной атмосферы светского раута, наложение записи бравурной маршевой увертюры, а также сэмплов с голосами Муссолини, Ленина, Гитлера и присягающих новобранцев в ряды РККА, по-видимому, призванное подчеркнуть внушительный потенциал мирового зла... Пафос альбома порою достигает высот, сравнимых разве что с театральными постановками времен Эсхила и Софокла. Один из самых примечательных прогрессив-актов 1990-х.

Principal Edwards “Round One” (1974)

Не самая серьезная британская формация среднего арт-рокового звена, однако довольно-таки любопытная в музыкальном отношении. Спродюсированный Ником Мэйсоном (Pink Floyd) четвертый по счету альбом группы имеет ярко выраженную артистическую направленность. Практически каждую композицию диска отличает стремление к театрализации. В качестве наиболее ярких вещей выделю следующие: дилогию “Halibut Rock”/“Milk & Honeyland” с интересными фортепианными пассажами, певческой подачей в манере английских менестрелей прошлого и средневековыми клавишно-флейтовыми интерлюдиями; “Juggernaut”, наполненную своеобразными «деревенскими» скрипочками и тонко аранжированную легкими оркестровыми мазками; балладу “Dear Mrs. O’Reilly”, в которой заигрывания с фольклором оформлены весьма изысканно, не в последнюю очередь за счет красивого вокального решения – разложения на голоса: мужской/женский. По звучанию команда напоминает Jethro Tull и Gryphon в определенные их периоды, естественно, с поправкой на не столь высокий уровень исполнения. В целом же вполне приемлемый образец жанра.

Cressida “Cressida”/“Asylum” (1970/1971)

Ярчайшие представители британского рока конца 1960-х. Эталонный образчик прото-прогрессива, в какой-то степени повлиявший на становление и развитие симфонического арт-рока. Впрочем, не только. Даже завзятый коллекционер винила Микаэль Окерфельдт (Opeth) не скрывает своей любви к данному коллективу.
Первый альбом группы – собрание из 12 до крайности мелодичных, шибко приятных для уха пьес. В основе саунда ансамбля – виртуозные органные пассажи Питера Дженнингса и ритм-н-блюзовые партии гитары Джона Хейуорта, в которых драйв гармонично уживается с теплым лиризмом. Порою едва уловимы отголоски творчества предшественников – The Beatles, Moody Blues, Procol Harum. Львиная доля композиций построена на клавишном обыгрывании приемов музыки барокко (взять хотя бы органное интро а-ля И.-С. Бах в “Depression”). Весьма удачны джазовые фортепианные пробежки в таких вещицах, как “Time for Bed” и “One of a Group”. Эпизодическое использование меллотрона (“Cressida”, “Down, Down”) добавляет привлекательности и без того симпатичным песням. Замечательная, фактически лишенная недостатков пластинка, исполненная атмосферы подлинно домашнего уюта.
Вышедший годом позже “Asylum” записан в слегка измененном составе: на ответственный пост гитариста заступил Джон Калли (Culley) – тезка выбывшего Хейуорта. В композиционном отношении альбом ознаменовал переход к более сложным структурам. И если заглавный трек еще выдержан в ключе игрового ритм-н-блюза, то следующий за этим 10-минутный эпик “Munich”, принадлежащий перу органиста Дженнингса, – практически полноценный арт-рок с изящными оркестровыми аранжировками и нежными тембрами флейты, озвученными приглашенным музыкантом Гарольдом МакНиром (также отметился в пьесе “Lisa”). Нашлось место и своеобразному акустическому приколу “Goodbye Post Office Tower Goodbye”, и легкой джазовой репризе “Reprieved”, подкрашенной вокализом певца Ангуса Каллена. Короткая “Summer Weekend of a Lifetime” по мелодике близка к традиционным английским фолк-балладам. Замыкающая 12-минутная “Let Them Come When They Will” позволила развернуться всем участникам квинтета: тут вам и блюзовые эскапады гитары, и хрипловатый говор органа, и симфонические кружева вкупе со свинговой ритм-секцией…
На этой высокой ноте Cressida прекратила существование. Джон Калли перебрался в хард-роковую бригаду Black Widow, а ударник Йен Кларк нашел кратковременное пристанище в рядах Uriah Heep. Впрочем, легенды не умирают. И оба альбома команды – лучшее тому доказательство.

Opeth “Morningrise” (1996)

Вторая позиция в дискографии шведского коллектива и, пожалуй, наиболее сумрачное их творение. Определенной новацией можно считать сильный крен в сторону эпоса: пять композиций, длина которых варьируется от 10 до 20 минут. В музыкальном отношении диск продолжает линию, заложенную предыдущим magnum opus – “Orchid”; оригинальный гибрид дэт-металла скандинавской школы и прогрессива. Заметно увеличилось вкрапление doomовых интонаций. Бласт-битовые подкладки ударных наводят на мысль о проникновениях black-составляющей в звуковые структуры Opeth. Повышенное содержание гроул-вокала подкрепляет мистическую подоплеку текстов, цементируя общую атмосферу тотальной тьмы. Даже акустические вставки, вопреки обыкновению, лишены прозрачности и мерцают загадочной многозначительностью. Лишь в завершающей “To Bid You Farewell” мрак понемногу рассеивается, уступив место романтической элегии с явными арт-роковыми влияниями. Но право на безысходность остается за музыкантами вплоть до финальных аккордов…
Добавлю, что микшированием и звукорежиссурой занимался небезызвестный Дэн Сванё (Edge of Sanity, Nightingale etc.) – следовательно, прописан материал на крайне высоком уровне. Да и кто бы сомневался.

The Alan Parsons Project “The Turn of a Friendly Card” (1980)

Факт известный и общепризнанный: лучшим альбомом в дискографии Алана Парсонса был и остается дебютный “Tales of Mystery & Imagination Edgar Allan Poe” (1976). Пластинка 1980-го года – намерение продублировать успех первенца.

По структуре обе программы удивительно схожи: и здесь, и там шесть композиций – четыре песенных номера, один инструментал и один эпик. Для усиления эффекта к записи привлекли The Orchestra of the Munich Chamber Opera под управлением Эбергарда Шёнера (этот филармонический коллектив уже имел опыт сотрудничества с рокерами, достаточно вспомнить сольные опусы Джона Лорда 1970-х гг.). Любопытно наличие отсылки к упомянутым «Историям таинства и воображения Эдгара А. По»: начальная вещь “May Be a Price to Pay” открывается оркестровым интро, подозрительно смахивающим на вступление из “The Raven”. Сильной стороной группы всегда являлись яркие запоминающиеся баллады. На сей раз авторский тандем Эрик Вульфсон—Алан Парсонс переплюнул сам себя, породив стопроцентный хит “Time”, и по настоящее время с успехом исполняемый на концертах. 16-минутная “The Turn of a Friendly Card”, наряду с симфоническими веяниями и точной гитарной игрой Йена Бэйрнсона, вобрала в себя диско-ритмы, как бы напоминая: сюиты сюитами, а на дворе восьмидесятые. Несмотря на довольно приличный крен в сторону поп-рока, нельзя не признать: альбом получился. Да, это уже не шедевр полноценного арта, однако весьма интересный образец эстрадной симфонической музыки, обладающий собственной привлекательностью. На том и остановимся.

Dice “The Four Riders of the Apocalypse” (1977)

Игра в классику не всегда оправдывает себя. У шведского квартета Dice она задалась. «Четыре всадника Апокалипсиса» – произведение в четырех частях, решенное в традициях симфонизма XIX в., но транскрибируемое средствами рок-музыки. Участники группы выступают в качестве талантливых иллюстраторов, живописуя сочными инструментальными мазками картины напастей, известных со времен Ветхого Завета.
1) «Война». Бравурная маршевая увертюра, полная органных раскатов, сменяется вкрадчивым затишьем, переходящим в битву, где, как и положено, царят хаос и разрушение (бесчинствует ритм-секция, беснуются гитара и клавиши), дабы под занавес обернуться колокольным звоном, плывущим над выжженной землей.
2) «Болезнь». В общее симфо-проговое действо вливаются расслабленные джазовые нотки, создавая иллюзию неторопливости. Но вслед за этим накатывает внезапная вспышка безумия, разрушая ритмически стройный рисунок. Ядовитый лихорадочный морок застилает обширное поле звука…
3) «Алчность». Стремление к безудержному накоплению выражается в энергичной работе связки ударные—бас и тотальных клавишных поливах, подкрепляемых гитарными риффами.
4) «Смерть». Траурный реквием трансформируется в виденье чистилища с неистовым дьявольским хороводом (забавные рок-н-ролльные вкрапления в духе Samla Mammas Manna). А далее невесомое странствие к небесам и торжественный вход в чертоги рая (ассоциация с отдельными фрагментами «Картинок с выставки» незабвенного Модеста Петровича Мусоргского, нечто близкое по структуре).
Довольно солидный опус, имеющий неплохие шансы на переложение для большого оркестра. Одна из лучших арт-роковых работ второй половины 1970-х.

Omni “Tras el Puente” (2000)

В творчестве арт-рокового коллектива из Андалузии тесным образом сплелись воедино две традиции: симфо-проговая и Кентерберийская. Записывавшийся на протяжении 1990—1993 годов альбом включает девять инструментальных композиций. Из наиболее ярких вещей отмечу игровую десятиминутную "Contracorriente" ("Countercurrent"), своим настроением отсылающую к дебютной пластинке Camel (гитара во второй части трека звучит совершенно по-лэтимеровски); мистическую "Vuelo Nocturno" ("Night Flight") и следующую за ней мелодичную "Viento de Levante" ("Rising Wind"), где к общему действию уместно подключается гитарный синтезатор; "Con-tacto" ("In-touch") с прочувствованным блюзовым соло на фоне джаз-роковой ритм-секции. В заглавной эпической “Tras el Puente” ("Behind the Bridge") с ее протяженным интро а ля Asia Minor улавливается неистребимый fantasy-аромат, а 7-минутная "Oasis" опаляет горячим дыханием восточной пустыни...

Не шедевр, но весьма любопытная и красивая в музыкальном отношении работа, достойная вдумчивого прослушивания.

Duncan Mackay “Chimera” (1974)

В рассветную эпоху арта Дункан Маккей являлся весьма уважаемой персоной в британских рок-кругах.
Уроженец английского города Лидс, он в середине шестидесятых годов прошлого столетия покинул стены отчего дома и перебрался в Порт Элизабет (Южная Африка). Здесь, по прошествии времени, Дункан совместно с братом Гордоном сколотил команду под названием Tricycle. Так они выступали до 1974 года, когда маэстро решил, что хватит с него африканской экзотики, и навострил лыжи обратно в Соединенное Королевство. По приезде на родину мистер Маккей с головой окунулся в музыкально-концертную деятельность. Его клавишные партии звучат на альбомах The Alan Parsons Project (1977—79), 10 CC (1978—83), Camel (1981) и других известных исполнителей. Однако в рамках означенных программ развернуться мощному таланту этого молодого человека было сложно. Если уж говорить начистоту, в чужих проектах роль Маккея фактически сводилась к фоновой работе. Чего не скажешь о «Химере».
Никаких гитар. Ритм-секция + тяжелая артиллерия в виде разнокалиберных клавишных. Три монструозных эпических композиции. Легкая наивность отдельных фрагментов свидетельствует о пограничном характере альбома: своеобразный водораздел меж прото-прогом и полноценным артом. Редкие вокальные вкрапления (голосовой тембр маэстро весьма схож с Бадди Лаки из Psychotic Waltz). Но самое главное – умопомрачительная игра Дункана. Столь фантастическую технику редко встречаешь даже в арт-роке. Сравнения напрашиваются сами собой: Кит Эмерсон, Рик Уэйкман, отчасти Джон Лорд… Искрометный, местами неоклассический прогрессив с обильными поливами «Хаммонда» и чистого фортепиано. Зажигательный драйв при полном отсутствии пафоса.
Всем любителям игрового симфонического арт-рока, жаждущим новых открытий в привычной для них области, – самые настоятельные рекомендации к поиску данной пластинки.

Artsruni “Cruzaid” (2002)

Ваган Арцруни, без преувеличения, национальное достояние армянского народа. Просто диву даешься, сколь талантлив этот человек. Композитор, гитарист, певец, выступающий в самых разных жанрах – от авторской песни и симфонической музыки до этнического рока и прогрессива. К последнему из означенных жанров как раз и относится единственный студийный альбом коллектива Artsruni. На диске представлено восемь полноформатных композиций, из которых лишь две с вокалом (на армянском). Отсутствие клавишных совершенно не обедняет звучание. Полифония обеспечивается умелым сочетанием инструментария: акустическая гитара, обильное использование флейты (и отсюда постоянное сравнение с Jethro Tull), разномастные перкуссионные ухищрения, наконец виртуозная работа электрогитариста Вагана Амирханяна, придающего красивейшей, глубоко лиричной и проникновенной музыке мощный хард-роковый импульс. Отдельной похвалы заслуживает ритм-секция в лице ударника Левона Хахвердяна и бас-гитариста Артура Молитвина, чьи смачные плотные «грувы» вызывают неподдельное восхищение. Часть вещей содержит изысканный восточный колорит, отголоски традиционного южно-кавказского народного мелоса. В целом же пластинка разнообразна по настроению (но отнюдь не эклектична): можно и погрустить, и улыбнуться, и ритмично притопнуть ногой, при желании – потрясти хаером, если имеется. В общем, арт-рок в Армении есть. Арт-рок высшего качества. Доказано Artsruni.

The Mystic Moods Orchestra “Clear Light” (1973)

Американский рецепт изготовления коммерчески успешного альбома начала 1970-х:

1) берем потенциального композитора; 2) многократно прослушиваем Jesus Christ Superstar и саундтреки Лало Шифрина; 3) пишем с десяток хитовых номеров; 4) подключаем к процессу рок-группу с ритм-н-блюзовым уклоном, эстрадный оркестр, смешанную (м. + ж.) четверку вокалистов; 5) записываем, штампуем. Как говаривал слепой Пью, дело сделано. А если серьезно, получилось великолепно. Это, конечно, не прогрессив. Симфонический поп рок, так, пожалуй, будет правильнее. Яркие мелодии, превосходные аранжировки, колоритные голоса – жутко вкусная вышла пластинка. На что похоже? Черт его знает. Слышится многое: отголоски E.L.O., бродвейских мюзиклов, опусов Эндрю Ллойд Уэббера… Эдакий звуковой оттиск с целой эпохи, воспринимающийся сегодня, прошу заметить, не как образчик антиквариата, но довольно-таки живо и любопытно. Вечные ценности, хмыкнет кто-то. На сей счет промолчу. Не люблю высокопарных фраз. В конце концов, музыка остается. И возвращаться к ней еще предстоит. Уж больно хороша, чертовка.

Opeth “My Arms, Your Hearse” (1998)

Альбом, подводящий итог изысканиям Opeth классического периода. Дальше развернется не менее увлекательная история, однако трилогия “Orchid”—“Morningrise”—“My Arms, Your Hearse”, на мой взгляд, вершина всей дискографии шведов. После короткого фортепианного “Prologue” слушателя без лишних слов окунают в прогрессив-дэтовую стремнину, отнюдь не мешающую команде Микаэля Окерфельдта демонстрировать завидный мелодический дар. Длинные и жесткие эпические полотна сменяются тихими напевными репризами, гроул-партии чередуются с красивым и чистым многоголосием. В музыке явственно ощущается темная сырость осеннего леса. Парадокс, но, несмотря на брутальную составляющую, служащую, скорее, маскировкой, диск воспринимается как вполне лирическое произведение. За дисторшированным гитарным саундом кроются подлинные элегии. Конек ансамбля – гармоническое вплетение в композиционную канву невесомо-прозрачных отступлений, где скрещиваются меланхолия и напряженное ожидание неотвратимости фатума. Особая благодарность за Camelовские нотки в завершающей части печального номера “Credence” (жемчужина пластинки) и замыкающей “Epilogue” (чистой воды арт-рок с летящими соло и ностальгической Hammond-подсветкой).

Jan Hammer “BEYOND the Mind's Eye” (1992)

Кинолента «Газонокосильщик» (The Lawnmower Man), впервые продемонстрировавшая человечеству, что такое виртуальная реальность, подтолкнула руководство некоторых компьютерных фирм к мысли всерьез заняться разработкой новых технологий в схожем ключе. Американская компания Miramar в содружестве с японскими 3-D аниматорами взялась за создание видеопрограммы, целиком и полностью состоящей из непродолжительных компьютерных клипов, частично основанных на образах вышеупомянутого «Газонокосильщика». Открытым оставался вопрос музыкального оформления. И тут на горизонте замаячила фигура маститого клавишника Яна Хаммера. Пылающий энтузиазмом ветеран джаз/прог-рока сочинил четырнадцать инструментальных тем, максимально органично вписавшихся в анимированное действо. Просматривая конечный результат, сознаешь: более точный выбор композитора вряд ли возможен. Достоинства музыки Хаммера оказались столь очевидными, что вопрос издания ее в виде самостоятельного альбома решился мгновенно. Так чем же она хороша? – спросит любопытствующий меломан. Мелодикой, отвечу я. Ни единой проходной вещи. Каждая композиция излучает собственную яркость и моментально врезается в память. Уметь писать «цепляющие» инструменталы – это, знаете ли, тоже искусство. Великий и ужасный Ян Хаммер довольно лихо синтезировал мягкий негрузный фьюжн с коммерческими электронными тенденциями, аранжировав столь искусно, что американские обозреватели, источая восторги (один из критиков сравнил “BEYOND…” с «Фантазией» Уолта Диснея), поместили диск в категорию «прогрессив». Бесспорно, легкий бриз арт-рока здесь прошумел, однако во избежание дискуссий и споров будет лучше соблюсти нейтралитет, охарактеризовав пластинку как саундтрек, чем, по сути, она и является. Любителям мелодичной инструментальной музыки настоятельные рекомендации к поиску и прослушиванию.

Tool “10,000 Days” (2006)

Наконец-то! Затянувшееся сверх меры ожидание (со времен выпуска предыдущего диска “Lateralus” минуло пять лет) нарушено, изголодавшиеся поклонники в восторге. Есть от чего.
Калифорнийские мастера саунд-гипноза потрудились на славу. 76 минут музыки пролетают на одном дыхании. Еще более жесткие гитарные риффы Адама Джонса, звенящая и гудящая на все лады ритм-секция Джастина Ченселлора и Дэнни Кэйри, меланхолично-отрешенный (а где надо – яростный) вокал Мэйнарда Джеймса Кинана. Детальная проработка звучания: каждый удар по тарелкам и бочке отрывисто-четок, как голос полководца на марше; басовые партии (одна “The Pot” чего стоит!) изумляют до крайности; гитара со всевозможными примочками венчает этот инструментальный триумвират, убедительно доказывая, что наличие обязательных клавишных в прог-металле отнюдь не догма. Tool есть Tool, дамы и господа. Оригинальные, непрерывно растущие над собой, не боящиеся «заморачиваться» на самые неудобоваримые темы, и по-прежнему узнаваемые с первых же аккордов. Музыкальные прогрессии группы основываются не на потребности выдувать сто нот в секунду или же проведении сверхчастой ритмической смены рисунка. Здесь свои каноны. Чуток психоделической монотонности, легкое прикосновение индастриала, немного заигрываний с микрохроматикой… Постоянная изобретательность – вот отличительное свойство американской четверки. Что ж, у них это здорово получается. И остается с нетерпением ждать нового шедевра. Даешь пятилетку в три года! – а, парни?

Camel “Footage II” (2005; DVD)

Нестареющие душой ветераны арт-рока продолжают размеренно шествовать сквозь пески и барханы времени. Вторая часть видео-ретроспективы – еще один подарок поклонникам коллектива. 80 минут материала включают разнообразные архивные редкости и пару относительно свежих номеров. В исполнении классического состава группы звучат такие ударные вещи, как “Arubaluba” (1973, альбом “Camel”) и “White Rider” (1974, альбом “Mirage”), плюс примкнувшая к ним “Another Night” (1976, альбом “Moonmadness”).
Год 1977, процесс текучки кадров. Квинтет (Лэтимер, Барденс, Уорд, Синклер, Коллинз) с концертом на ипподроме. Разумеется, без треков со «Снежного Гуся» (1975) не обойтись. “Rhayader”/“Rhayader Goes to Town” обретают новую ипостась. И если первая композиция играется в канонической манере (правда, в две флейты. Раз уж пришел Мел Коллинз, грех не воспользоваться), то продолжение симфо-прогового опуса обрастает джаз-роковыми аранжировками, обильно задействуется саксофон. Более типичные для этого набора исполнителей “Skylines” и “Highways of the Sun” (1977, альбом “Rain Dances”) искрятся сочным драйвом. Замыкает обойму “Never Let Go” с дебютной пластинки, также представленная в стилистике фьюжн.
Смурная эпоха восьмидесятых. Ряженные в нововолновую обертку “Lies” и красивейшая “Drafted” (1981, альбом “Nude”) добавляют пикантности звуковому хронологическому путешествию.
Миллениум. Новое лицо немолодого Верблюда. С чувством юмора у Лэтимера и К° все в порядке, что подтверждает задорное наяривание в акустическом варианте (две гитары, клавишные, перкуссия) сугубо электрической “Slow Yourself Down” (1973, альбом “Camel”). Однако следом идет проникновенная “Eyes of Ireland” (1996, альбом “Harbour of Tears”), и тертые калачи Колин Бэйз и Эндрю Лэтимер дают волю чувствам, пуская скупую мужскую слезу. Заводная Genesisоподобная “Fox Hill” (2003, альбом “A Nod & a Wink”) c великолепными гитарно-синтезаторными партиями и волшебной флейтой ставит яркую жирную точку в повествовании.
Остается поблагодарить Camel Productions за чудесный праздник и…. ждем продолжения.

Jon Lord “Pictured Within” (1998)

Стилистический предшественник диска “Beyond the Notes” (2004) получился более тонким и одухотворенным, нежели последний. Быстрых энергетических номеров с фольклорной мелодикой на альбоме нет, как, впрочем, и органа «Хаммонд», и влияний рок-музыки. Чистое фортепиано в окружении оркестра солистов, при эпизодическом участии ритм-секции в виде безладового баса и перкуссии. Гостями выступают флейтист Тийс ван Лир из легендарной голландской арт-роковой группы Focus, вокалисты Миллер Андерсон и Сэм Браун. “Pictured Within” состоит из 12 симфонических элегий, разбитых на четыре части (по три трека на каждую). Атмосфера пластинки очаровывает изысканностью. Точно воздушно-ажурная паутинка, поблескивающая в предзакатной лазоревой гамме. Хрупкая красота, нежность и чувственность, сказочный полет эмоций в процеженном гармонией пространстве. Выделить лучшую композицию проблематично: все как на подбор. Дань уважения старой доброй Англии косвенно присутствует в “From the Windmill”, джазовые обертоны проскальзывают в “Arc-En-Ciel”, ангельскими хоралами насыщена эпическая “Crystal Spa”…
Бесподобно звучащий бриллиант искусной огранки от седовласого британского джентльмена. Настоящий подарок истинным ценителям прекрасного.

Asha [Denis Quinn] "Open Secret" (1987)

В переводе с санскрита слово asha означает "надежда". Именно такой творческий псевдоним избрал себе британский композитор/органист и по совместительству практикующий трансперсональный психотерапевт Дэнис Куинн.

"Open Secret" - первый альбом в дискографии проекта. Инструментальный симфонический нью-эйдж с элементами арт-рока, этники, барокко и средневекового фольклора. Восемь композиций, большинство из которых строятся на обыгрывании основной мелодической темы различными способами. Как обозначено в буклете, "a poignant, haunting piano, soaring guitar, gentle rhythms and delightful orchestrations blossom in the heart of the listener with tantalising splendour". В принципе, справедливо. Творчество Asha апеллирует к эмоциональной составляющей человеческой натуры, проще говоря, не к разуму, а к чувствам. Для поклонников прогрессивного рока этот диск может быть интересен разве что по причине факта: за вспомогательные партии клавишных, испанский бас, мандолину, 12-струнную и ритм-гитары, отвечает Anthony Phillips (ex-Genesis), выступащий также в роли аранжировщика и продюсера альбома. А эпизодические партии соло-гитары исполняетт маэстро Andy Latimer (Camel). Помимо перечисленного арсенала и традиционной ритм-секции насыщенное полифоническое звучание обеспечивают скрипка, флейта и гобой. Пластинку можно смело рекомендовать любителям возвышенно-красивых мелодий, безнадежным романтикам и мечтателям всех мастей.

Ragnarök "Fjärilar I Magen" (1979)

Дебютный альбом шведского коллектива, вышедший в 1977, стилистически был выдержан в русле мягкого инструментального фолк-арт-рока. Европейские меломаны приняли его весьма благожелательно, ожидая скорого продолжения. И оно последовало, однако лидер группы гитарист Peter Bryngelsson, судя по всему, не из тех, кто потакает публике. Не зацикливаясь на собственных звуковых достижениях прошлого, он отважился сотворить нечто оригинальное.

"Fjärilar I Magen" - альбом-сюрприз, открывающийся бескомпромиссной, почти doom-металлической "Adrenalin", напоминающей по манере Black Sabbath (!). Идущая за ней "Första Ön" - неторопливая пьеса с рефлексирующим пиано, тягучим басом, летящими гитарными проходами и разнокалиберной перкуссией. "Osten är Röd" - чистой воды спейс-рок, своего рода аудиоряд к невеселым размышлениям на вечные темы, сменяющийся энергетическим зарядом опять-таки минорного прогрессив-фьюжн ("Var glad var dag") в традициях Djam Karet. "Blamolnfolket" поначалу являет собой электроакустическое музицирование с вкраплениями духовых; во второй части композиции к делу подключается ритм-секция, несущая затаенную ярость, готовую в любой момент прорваться наружу. Однако мечтательные соло флейты сводят агрессивность на нет, и все возвращается к истокам. Короткий гитарный экзерсис "Brushanespel" с первых же аккордов отсылает к Pink Floyd середины 1970-х. Эдакий препарированный космический блюз-рок. Замыкает пластинку нью-эйджевая медитация "Vattenytor", придающая эклектичному содержимому альбома необходимую смысловую целостность.

Последующие творения Ragnarök "Fata Morgana" (1981) и "3 Signs" (1983) также отмечены печатью эксперимента, но в целом менее интересны. Покинув группу, гитарист/композитор Брюнгельссон создал психоделик-проговый проект Triangulus, а после его распада в 1990 переключился на сольную деятельность, изредка радуя поклонников новыми музыкальными полотнами.

Björn J:son Lindh “Svensk Rapsodi” (1989)

«Если бы горы могли петь», - помечтал в 1995-м норвежец Терье Рюпдаль. У шведа Бьорна Джейсона Линда поют. И не только горы. В каждой ноте – блестящие отточия небесных светил, протяжные гармонии скандинавского лета, благоухание трав над полночными водами далеких озер… Скуден язык. Беден до чрезвычайности. Как выразить словами ту совершенную красоту, что питает каждую композицию на альбоме? Как обозначить хотя бы набросками уникальную целостность и самобытность образов? Линд – счастливец. Ибо сумел прикоснуться к хрупкой субстанции вечности, не отрываясь от корней, от священных истоков, имя которым – Швеция. Оригинальный флейтист, пианист и композитор, он в едином порыве создал нечто по-настоящему уникальное. Здесь светлая нордическая грусть соседствует с колоритными аранжировками традиционных мелодий, эфемерные возвышенно-ирреальные отзвуки гармонично вплетаются в канву симфо-роковых оркестровок. Бесподобная инструментальная мозаика, которую Бьорну помогли воссоздать бас-гитарист Сэм Бенгтссон, ударник Аке Сюндквист, скрипачи Ян Уганд и Лина Виллемарк (в паре треков можно слышать ее чарующий голос), гитаристы Хенрик Янсон и Янне Шаффер – закадычный друг маэстро Линда (их, начавшееся еще в 1970-е гг. сотрудничество продолжилось в рамках легендарной команды Isildurs Bane, где оба постоянно фигурируют со времен эпохального альбома “Cheval - Volonte de rocher”).
Бесконечно чарующая музыкальная сказка.

Merit Hemmingson "Balsam" (1975)

Женщины в интеллектуальном роке - явление штучное. Но и такое имеет место быть. Знакомьтесь, Мерит Хеммингсон - "Queen Of Swedish Hammond Folk Groove", как ее величают поклонники. Музыкальную карьеру начала в 1960-е, играя в разнообразных девичьих ансамблях. Однако известность у себя на родине и в ряде европейских стран снискала в качестве сольного исполнителя, композитора и арранжировщика. В основе творчества Мерит - фольклорные традиции Скандинавии, преломленные сквозь призму таких направлений как джаз, классика и арт-рок. Многие именитые шведские музыканты почитали за честь работать с ней. Вот и на данной пластинке в качестве гостей засветились не менее уважаемые трубач Руне Карлссон, флейтист/клавишник Бьорн Джейсон Линд, гитарист Янне Шаффер и ряд других деятелей нордического прогрессива. Двенадцать треков, наибольший из которых длится порядка шести минут. И подобная лаконичность, пожалуй, единственный упрек к содержимому диска. Все остальное заслуживает похвалы: необычный коктейль из симфонического рока, неторопливого уютного фолка, джазовых обертонов, элементов босса-новы, оттеняемый весьма приятным вокализом самой госпожи Хеммингсон. Как ей удается столь гармонично сочетать эти жанровые кусочки в единое целое - загадка. По меркам прогрессивного рока вещи не отличаются головоломной закрученностью, но оно здесь и не требуется. Атмосферный, местами печальный, но удивительно теплый по звучанию орган, красивый женский голос, выводящий бессловесные протяжные рулады, мгновенно узнаваемый уникальный почерк флейты Бьорна Линда. Можно сплавить Баха с аккомпанирующей джазовой трубой, добавить оркестр, толику северной грусти - и никто не обвинит в вычурности. Все очень естественно, как и должно быть в природе. В природе настоящей музыки, которую дарит нам Мерит Хеммингсон.

Opeth “Ghost Reveries” (2005)

После выхода шедевра меланхоличного арт-рока – альбома “Damnation” с шведами случилось много всяких разностей. Во-первых, распрощались с лейблом Music for Nations. А заодно и с продюсером-«дикобразоведом» Стивом Уилсоном. Перешли под крыло Roadrunner Records. И самое главное – обзавелись постоянным органистом, увеличившись, таким образом, до размеров квинтета. Ладно, это все внешняя сторона дела. С музыкой что, спросите? Хм… С музыкой непросто. Ясно одно: прогрессируют, черти. Раздвигают, понимаешь, рамки жанров по самое некуда. В Лунном Городе (именно так расшифровывается название коллектива, почерпнутое из фантастического романа Уилбера Смита) вновь заработал металлопрокат. Только уж весьма необычный. Death / art-rock / prog-metal… Новобранец Пер Вайберг, отвечающий за аналоговое звучание, облагораживает ретро-палитрой зычный гроул Микаэля Окерфельдта (впрочем, соотношение «рыкающего» вокала с чистым равное – 50 на 50). Последнее, пожалуй, единственный элемент экстрима на диске. В инструментальной части особо жестких рифов не наблюдается. Музыка стала разнообразнее, колоритнее, интереснее. Нашлось место даже астральному блюзу – такой вот элемент неожиданности. Один из лучших релизов года.

Lethe “Lethe” (1981)

Lethe – одна из жемчужин голландского прогрессивного рока, яркий и самобытный коллектив, чей единственный инструментальный альбом совсем немногим уступает опусам именитых соотечественников – Focus, Finch и Supersister. Костяк группы составили три школьных приятеля, некогда участники симфо-прогового ансамбля Mirror: Philip de Goey (piano, oboe, flute, cor Anglais), Johan Saanen (bass) и Kees Walravens (guitar, classical guitar). Доукомплектованный парой музыкантов (Thuur Feyen – organ, piano, strings; Hans Lambers – drums, percussion, xylophone, vibraphone, strings) состав приступил к репетициям в 1978 г. А спустя три года невеликая армия рок-интеллектуалов получила роскошный подарок.
На диске четыре композиции. Открывающаяся птичьими трелями и журчанием воды камерно-акустическая “Lethe” настраивает на вполне безмятежный лад. Фортепиано, классическая гитара, английский рожок, гобой, прозрачное струнное обрамление – никакой электроники. Все дышит красотой и покоем. Расслабляешься, готовясь к аналогичному продолжению. Но, как говаривал старый мудрый ребе в известном анекдоте, не дождетесь. “Avebury Circle” – подлинная «обманка». Поначалу джазовое пиано ведет умиротворенный диалог с маскирующимся под сакс английским рожком, чуть погодя в их беседу вклиниваются глубокие басовые нотки и негромкие электрогитарные обертоны. А дальше – истинное пиршество для любителей зажигательного симфонического фьюжн-прога. Точеные партии каждого инструмента, необычные звуковые решения (чего стоят короткие хард-блюзовые вспышки на фоне клавесина). Полистилистика изумляет. Бесконечное разнообразие сменяющих друг дружку в рамках одного трека музыкальных тем. В третьей вещи под названием “Cold in fingers” слушателя подстерегают классный «Хаммонд» и флейта в духе Jethro Tull, бесподобные басовые пробежки и колоритная гитара. Заключительная “Le Tombeau II” – терпкий изысканный фьюжн, способный с лихвой удовлетворить аппетиты гурманов и ценителей жанра. Золотой фонд прогрессива, нестареющая классика.

Pluto "Voyage Into A Dreamer's Mind" (1980)

Молодая (на тот момент) норвежская бригада, исполнявшая приятный для уха среднестатистического прогера мягкий "негрузный" симфо-арт-рок с космическим налетом и неплохой мелодикой. Ближайшие жанровые ориентиры - Nektar и Pink Floyd. Для всего альбома в целом характерны полное отсутствие быстрых ритмов, редкие вокальные вкрапления и наличие красивых (местами - печальных) гитарно-флейтовых интерлюдий. Резких звуков не наблюдается, музыка плавно струится янтарным бальзамом, обволакивая слушателя оттенками "a pleasant mood". Невольно закрываешь глаза, и безвоздушное околоземное пространство становится уютным и обитаемым. Из вещей запоминающихся выделю композиции: "The Struggle", отсылающую к Camel времен "Миража"; "Encounter" с явными фолковыми корнями (ускорить бы раза в три, добавить тяжести - и готов полноценный металлический хит); ну и, пожалуй, замыкающую "Au Revoir", синтезаторные переливы которой воскрешают в сознании знаменитый советский мультфильм "Тайна Третьей планеты". Треки на пластинке по меркам стиля довольно непродолжительные, самый затяжной - 7 минут. Воспринимается альбом крайне легко, под такие удобно коротать снежные зимние вечера (норвежцы ведь!). Четверо из квинтета в 1990-х образовали команду Electric Wonderland, по подаче материала во многом схожую с Pluto. А вообще-то все ребята из ансамбля с богатым послужным списком, успевшие варягом поиграть в самых разных составах; органист Freddy Ruud и вовсе светился одно время в рядах Kerrs Pink.

Подводя итог: мило. Не то, чтоб восхитительно, но мило.

Terpandre “Terpandre” (1981)

Единственный альбом французского прогрессивного ансамбля имени Терпандра – античного поэта и музыканта, одного из лучших исполнителей на кифаре, которому приписывают усовершенствование этого инструмента, а также создание высокого нома (особого жанра религиозной музыки), застольных песен и всякого другого. Очень мягкие и светлые по звучанию полотна коллектива несут в себе заряд мечтательности. Джаз-роковый драйв соседствует с лирической задумчивостью зрелого арта. Двое из участников секстета играют на синтезаторах, электропиано и меллотронах. С этой клавишной полифонией крайне удачно сочетаются скрипичные и редкие гитарные партии. Вокал отсутствует. Весьма приятный для уха симфонический прогрессив-фьюжн, без особых наворотов, зато со своей индивидуальной окраской.

Orphaned Land "Mabool: The Story of the Three Sons of Seven" (2004)

Металлических команд из Израиля до сего времени я, признаться, не слышал. Тем интереснее было знакомиться с альбомом, работа над которым заняла целых семь лет. А причина кроется в монументальности замысла: сотворить эпическое полотно на тему Потопа (именно так переводится слово Mabool), густо замешанное на ветхозаветных сюжетах и мистическом символизме каббалы, с привлечением многочисленного традиционного для народностей Ближнего Востока инструментария (saz, buzuki, oud и др.), еврейского хора и симфонического оркестра. В общем, размах впечатляет. Корни музыки Orphaned Land лежат в дэт-металле, однако в сравнении, скажем, с теми же Opeth звучат ребята гораздо мягче. Соотношение гроула и чистого вокала примерно равное. Прибавьте сюда национальный колорит, лирику на английском, иврите, латыни и йеменском (тексты взяты из Книги Бытия, поэзии Рабби Шалом Шабази и книги "Halel"). Результат - концептуальный этнический прог-металл, до крайности самобытный и привлекательный. Если первый трек еще вызывает ассоциации с прогрессив-дэтовыми коллективами скандинавской школы, то последующие композиции несут на себе четкий ориентальный отпечаток, с редкими вкраплениями индастриала (что в отдельные моменты придает израильтянам схожесть с ранними альбомами Pain of Salvation). Цельная, хорошо продуманная, глубокая работа. Если и не шедевр, то весьма близко к этому.

Jade Warrior “Way of the Sun” (1978)

Jade Warrior из тех странных ансамблей второго эшелона британского прог-движения, к которым нельзя подходить с одинаковой степенью восприятия. На своих ранних пластинках они сочетали экзотическую псевдо-восточную психоделическую размытость с пасторальными балладами и довольно прямолинейными рок-н-ролльными номерами. Подобная эклектика у одних находила горячий отклик (подозреваю, что таких меньшинство), у других вызывала стойкое неприятие. В схожем ключе команда проработала до 1974 г., когда встал законный вопрос: что дальше? Результатом переосмысления музыкальных приоритетов явился отличный альбом "Floating World", обозначивший новую веху в деятельности команды. Его стилистические находки участники коллектива постарались развить на последующих релизах - "Waves" (1975) и "Kites" (1976). Однако смена стилистики пришлась по вкусу не всем. Умственные разброд и шатания привели к сокращению состава до двух единиц. Таким образом, “Way of the Sun” записывался уже творческим тандемом Джон Филд (флейта, клавишные)—Тони Дьюиг (гитары) при гостевом участии друзей. Как и три диска-предшественника, "Way of the Sun" представляет собой всецело инструментальный альбом, подчиненный единой концепции. Филд и Дьюиг вновь обращаются к восточной тематике, только на сей раз "неазиатского" происхождения. Навеянный египетскими мистериями, неспешный, несколько меланхоличный «Путь солнца» демонстрирует прекрасную в своей целостности картину. В звучании много воздушных моментов, колоритных «эфирных наслоений». Однако ритмическая связка ударных и баса вкупе с гитарными выкрутасами не позволяют музыке окончательно оторваться от земли. Масса красивостей, сопровождающих, главным образом, светлые акустические фрагменты. Замыкающий трек “Death of Ra” – тягучее хитросплетение гитар и флейты – порождает размышления на вечные темы. Можно по-разному относиться к творчеству Нефритового Воина в целом, но “Way of the Sun” достоин быть услышанным.

Taal “Skymind” (2003)

- И «Зеленого» переплюнете?

- А чего ж…, - ответили музыканты Taal, почесав в затылках, и задумчиво удалились в студию.

Дебютный альбом французов “Mister Green” (2000) во всех отношениях стал шедевром. И чтобы превзойти его… Но, черт подери, они это сделали! «Небесный разум» отличается не только повышенным содержанием англоязычного вокала, но и революционностью музыкального материала. Все фирменные «фишки» ансамбля на месте (единственное, элементов цирковой клоунады поубавилось). Уникальное в своей гармоничности хитросплетение жанров: арт-рок, джаз-рок, R.I.O., отголоски творчества французских уличных музыкантов, местами чуть ли не оперетта, прогрессив-металлические скорости при удивительной прозрачности всей структуры. Наконец, камерно-симфоническая составляющая, за которую отвечает приглашенный струнный квартет. Taal вновь обескураживают слушателя. Остается гадать, что преподнесут бравые парни в следующий раз. Впрочем, бессмысленная это затея, все равно не раскусишь.