31 июл. 2011 г.

Mandalaband IV "AD - Sangreal" (2011)

"Альбом посвящается памяти Стюарта "Вулли" Уолстенхолма, служившего маяком для Barclay James Harvest, Maestoso, Mandalaband, и почившего 13 декабря 2010 года. Да не ослабеет живой огонь его музыки. R.I.P." Такой невеселой нотой в буклете предваряется долгожданный диск обновленных Mandalaband. Концептуально "AD - Sangreal" продолжает серию историко-мифологических путешествий, начатых пластинкой "BC - Ancestors" (2009). Центральным элементом повествования на сей раз выступает чаша Грааля, легенды о которой занимали умы людей различных эпох и сословий. Вот и инициатор проекта Дэвид Рол поддался вековому очарованию старинной повести Кретьена де Труа. Тематика сюжета охватывает разнообразные временные и географические пласты: от путешествия Иосифа Аримафейского в Британию до альбигойского крестового похода и роспуска ордена тамплиеров. Но волнует нас, конечно же, не культурологическая сторона вопроса, а вокально-инструментальное воплощение насыщенной деталями схемы. Над ее воссозданием трудилась дружная команда притеревшихся друг к другу ансамблистов: клавишники - Стюарт Уолстенхолм, Жозе Мануэль Медина, Дэвид Рол; гитарист Эшли Малфорд; басисты Крэйг Флетчер и Дэвид Клементс; ударник Ким Тёрнер. Над партиями разнообразных духовых колдовал прославленный Трой Донокли, а основная певческая часть досталась Марку Эткинсону, семейному дуэту Барбары и Бриони Маканас + неутомимый многостаночник Рол неплохо отметился в данной связи. Развернутые композиционные выкладки традиционно включают в себя приятные вокальные линии, где солиста активно поддерживает хор; мощное оркестровое обрамление (ответственные - мастермайнд Дэйв и его соавтор Жозе); замечательную рок-полифонию, в которой не последнюю роль играют представители "винтажной" эры клавишных - меллотрон и орган "Хаммонд"; чередование проникновенно-элегических мотивов с уместно пафосными номерами эпического свойства. По степени мелодической яркости "AD - Sangreal", возможно, немного уступает предшественнику, но внушительный размах фантазии и отточенный профессионализм действий артистов не оставляют шанса для критики. Вдобавок ко всему мистер Рол умудрился сыграть на чувствах поклонников, вернув из небытия загадочного персонажа по имени Дэйв Дюран. Для тех, кто не в курсе, скажу, что голос этого человека (в чьей реальности сомневались многие, приписывая псевдоним самому затейнику Дэвиду) звучит в сюите "Om Mani Padme Hum" с дебютного лонгплея Mandalaband (1975). Ныне его нестареющий магический тембр питает внушительную фреску "The Kingdom of Aragon", содержащую также трогательные пассажи кельтского вистла от Троя Донокли. Отдельного упоминания достойна бонусная "Galadriel" - красивейшая пьеса из наследия Barclay James Harvest. Переанжированная силами членов Mandalaband, эта вещь абсолютно естественно укладывается в обойму с оригинальными творениями Рола со товарищи. Ну, и существенный штрих - щемящий лид-вокал Вулли: последняя дань уважения ушедшему от нас великому таланту...
Резюмирую: прекрасный релиз от культовой группы, обретшей вторую молодость в новом тысячелетии. Любителям симфо-прога пропускать не советую.

29 июл. 2011 г.

Michael Chapman "Heartbeat" (1987)

В бессмысленной толчее будней мы окончательно утратили возможность прислушиваться к главному - тому великому природному метроному, что определяет границы жизни для всех и каждого, - биению сердца. Напомнить об этом людям взялся английский музыкант Майкл Чэпмен (р. 1941). Начав артистическую карьеру в далеком 1966-м году, он со временем приобрел славу одного из лучших гитаристов Великобритании, чей спектр интересов колебался от фолка до джаза и блюза. Но будучи прогрессором по сути своей, Майкл не чурался пробовать силы и в других направлениях. "Heartbeat" - прекрасное тому доказательство.
Представляя 38-минутную инструментальную сюиту как "brilliant new age project", сотрудники выпускающего лейбла Voiceprint немало согрешили против истины. Ведь рамки уникального творения Чэпмена на поверку оказываются гораздо шире нью-эйджевых стандартов. Не случайно продюсером и и звукоинженером на альбоме значится заядлый экспериментатор Том Ньюман, питающий слабость к бессловесным субжанровым конструкциям. Да и имена других участников записи свидетельствуют о том, что все здесь не столь однозначно. Так, клавишник Ричи Клоуз на протяжении 1984-85 годов гастролировал в составе Camel; басист Рик Кемп сотрудничал со Steeleye Span и Майком Бэттом; и только ударник Стивен Харрисон к указанному хронологическому моменту еще не располагал послужным списком.
Деление "Heartbeat" на девять секций - мера условная, поскольку в формате компакт-диска произведение заявлено одним гигантским треком. Поступательное развитие носящей лирический характер интродукции вполне сопоставимо по ряду параметров с отдельными опытами Дана Ар Браза, а выпуклые басовые фигуры мистера Кемпа заставляют вспомнить манеру Дэйва Стюрта, удачно оформившего безладовыми пассажами диск "Breathing the Storm" культовых Jade Warrior. Связка "All Is Forgiven"/"The Chuckle" - это незамысловатые жизнерадостные рок-аккорды, переходящие в залихватский, профессиональной выделки фанк с блистательной гитарной фразировкой мастермайнда. В четвертом по счету сюжете "Africa" на передний план выступают клавишные и перкуссия, само же повествование приобретает некоторое сходство с энигматическими опусами Майка Олдфилда. Этюд "The Minute You Leave" - среднее арифметическое меж рефлексивным арт-роком и красочной нью-эйдж-палитрой: редкостно выразительные партии баса, плавные синтезаторные арпеджио, уютные струнные переборы... шикарная пьеса. В главе "Tristesse" преобладают мотивные элегические элементы, опять же четко ассоциирующиеся с Олдфилдом (удивляться тут, в принципе, нечему: продюсером большинства ранних лонгплеев Майкла был все тот же ловкач Ньюман). "Redskin Bridge" смыкается с блюз-роковыми полотнами сольного Джона Пол Джонса, зато последующий набросок "Tendresse" - монотематическая фантазия в русле атмосферной электроники. Замыкающая "Heartbeat Reprise" - сверхприятное клавишное парение в вышине, сопровождаемое аккуратнейшим гитарным рисунком.
Резюмирую: беспрецедентное мелодическое путешествие к сокровенным тайникам души, реализованное с умом и талантом. Советую ознакомиться.

27 июл. 2011 г.

Beggars Opera "Pathfinder" (1972)

Своей третьей пластинкой BO завершили прогрессивный сезон в собственной истории периода 1970-х. Дальнейшие студийные опыты шотландцев можно сравнить с беспомощным барахтаньем в помпезном припопсованном болоте. Музыканты по инерции пытались вести диалог со слушателем, однако беседа на привычном уровне у них, хоть тресни, не ладилась. Но то дела иного сорта. Нас же в первую голову интересует "Pathfinder". И уж чего-чего, а поводов для грусти эта работа не дает совершенно.
К начальному этапу ее создания Beggars Opera вновь поменяли игровую стратегию, вернувшись к формату квинтета. Невзирая на тот факт, что активное участие Вирджинии Скотт при записи диска "Waters of Change" (1971) внесло свежую струю в творчество коллектива, мастермайнд Рикки Гардинер принял нелегкое решение отстранить супругу от процесса. Впрочем, на подобный шаг лидер BO отважился сознательно, ибо жаждал в очередной раз произвести на свет нечто оригинальное. Что ж, у них получилось.
В сопоставлении со структурно многослойными альбомами прежних лет "Следопыт" отличается некоторой прямолинейностью. Но и здесь не обошлось без разного рода тонкостей и маленьких хитростей. Открывается релиз песней "Hobo" - трагичной историей об умирающем бродяге. Сочиненный органистом Аланом Парком сюжет в композиционном отношении закономерно вращается вокруг массивной клавишной составляющей. Однако немаловажную роль тут выполняет гитарная штриховка Гардинера, взявшего на вооружение энергичную хард-роковую манеру. Ну, и как обычно на высоте шикарный вокалист Мартин Гриффитс, очень по-теплому оформивший лирическую часть действа. Замахнувшись на известный хит Джимми Уэбба "MacArthur Park" (к слову, одна из самых красивых мелодий в мировом эстрадном наследии), BO по-своему аранжировали этот классический номер, выдав в результате очаровательный эпический арт-пассаж. Отдельно хочется отметить превосходную оркестровку умельца Парка, добившегося гармоничного саунд-рисунка путем сочетания клавесина, органа, фортепиано и меллотрона. Довольно любопытна по стилистике "The Witch", насквозь прошитая искристыми соло-партиями электрогитары Рикки (характерный нюанс: если замедлить ритм "Ведьмы" вдвое, выйдет типичный "саббатовский" этюд). Алхимия титульной пьесы основана на двух китах - повторяющихся риффах того же Гардинера и воздушных хоралах Гриффитса; как ни крути, особого рода новаторство вполне ощутимо. Необычно выстроены коллизии трека "From Shark to Haggis": если первая половина его выдержана в русле полупсиходелической рефлексии в джазовых тонах, то ближе к финалу слушателя настигает тотальное фольклорно-плясовое безумие. Стройный, как стрела, мягкий и деликатный прог-инструментал "Stretcher" не таит каких-либо сюрпризов: предугадать, чем все закончится, совсем несложно; правда, за почти что лэтимеровский бархатный тембр гитары можно простить и очевидную предсказуемость ходов. В концовке под названием "Madame Doubtfire" наша "оперная труппа" ударяется в оккультные мотивы, устраивая эффектный дьявольский цирк с конями, переодеванием и полнейшим хаосом под занавес.
Резюмирую: хороший подарок для каждого, кто не прочь предаться мечтаниям под знаком ретро. Рекомендую.

25 июл. 2011 г.

Beggars Opera "Waters of Change" (1971)

К 1971 году Beggars Opera вступили в фазу взросления. Вдоволь потешившись классикой на дебютном альбоме, ребята под управлением Рикки Гардинера (лид- и акустическая гитары, вокал) решили показать, на что способны без "потусторонней" помощи отошедших в вечность корифеев симфонизма. Но для начала шотландским прогрессорам пришлось осуществить некоторую перестановку в составе. На место внезапно выбывшего из команды басиста Эрскина (успевшего все же приложить руку к одной из пьес грядущей пластинки) был взят не менее проворный Гордон Селлар. Попутно светлую голову лидера BO посетила идея о расширении клавишных возможностей группы. С этой целью Рикки привлек к работе жену Вирджинию Скотт, вверив ей партии меллотрона и разнообразные бэк-вокалы. В таком вот расширенном варианте музыканты принялись за создание "Waters of Change".
К немалому удивлению поклонников, в девятизарядной композиционной обойме не оказалось ни одного опуса "по мотивам". Каждая их позиций несла на себе печать оригинальных авторских измышлений. И честное слово, тут было чему порадоваться! Футуристические раскаты "Хаммонда" с пространной меллотроновой "подложкой" + гипнотично-мелодичные пассажи гитары и обворожительный лирико-драматический тенор Мартина Гриффитса - таковы слагаемые первого трека "Time Machine". Органно-перкуссионная интролюдия "Lament" опирается на торжественные медиевальные интонации, по-своему обыгрывающие послебатальные позывные волынки. В "I've No Idea" сочинители Парк и Гриффитс отталкиваются от ритм-н-блюзового шаблона, однако в итоге раскрашивают действо артистическими подробностями, заимствованными из обширного прото-прогового арсенала (моментами вспоминаются соплеменники наших героев - великолепный английский квинтет Cressida). Разреженно-астральное звучание загадочного инструментального этюда "Nimbus" отчасти предвосхищает "эфирную" стилистику, к которой возрожденные Beggars Opera обратятся по истечении тридцати пяти лет (об этом - как-нибудь в другой раз). Яркая карнавальная плясовая "Festival" сотворена клавишником Аланом и певцом Мартином при посильном вкладе "ушельца" Маршалла Эрскина, не только прописавшего здесь фирменные басовые вензеля, но и добавившего к комплексному саунду "оперных" друзей зажигательные всполохи флейты. Едва ли не главным номером всего лонгплея выглядит изящная инкрустация "Silver Peacock", вобравшая в себя столь обожаемые маэстро Парком виртуозные псевдо-барочные ходы наряду с красивейшими вокальными распевами фронтмена Гриффитса. Определенной отсылкой к высокому "академическому" штилю должно считать камерный набросок "Impromptu", где из подручных средств наличествуют классическая гитара и меллотрон, с энной степенью точности имитирующий тембр виолончели. Завершает пиршество колоритнейшее эмоционально-переменчивое произведение "The Fox", в коем довольно сложно отделить шутовство от правды чувств. Впрочем, тут оно, быть может, и не требуется...
Резюмирую: еще один первоклассный подарок для любителей раннего британского арт-рока и необходимое прибавление в коллекцию настоящего меломана.

24 июл. 2011 г.

Beggars Opera "Act One" (1970)

Уроженец Эдинбурга Рикки Гардинер (р. 1948) с детства любил итальянскую оперу. Впоследствии, наряду с этой милой привязанностью, в его жизнь прочно вошли The Shadows, Хэнк Марвин и электрический шестиструнный Fender Stratocaster (купленный в юности и поныне остающийся главным инструментом Рикки). Переехав в Глазго, не по годам развитый шотландский парнишка основал школьный бэнд The Vostoks (кстати, назван так в честь космического корабля, на котором совершил свой полет Юрий Гагарин), где пела будущая супруга нашего героя Вирджиния Скотт. Потом были The Kingbees и The System, а в 1969 году неутомимый Гардинер при поддержке друзей замутил Beggars Opera. Другими членами коллектива стали вокалист Мартин Гриффитс, органист Алан Парк, басист Маршалл Эрскин и ударник Рэймонд Уилсон. Хотя репертуарную политику ансамбля формировали все пятеро, решающее слово принадлежало лидеру. И уж тут-то он сумел развернуться как следует, соединив в целое разнополярные страсти - к классичесской опере и заряженному энергией року...
"Act One" - одна из краеугольных пластинок британского прото-прогрессива начала семидесятых. Изданная лейблом Vertigo, эта программа привлекла внимание слушателей не только явной новизной идей, адекватно претворенных в жизнь при помощи маститого звукоинженера Мартина Бирча (на тот момент постоянно работал с Deep Purple), но и вдохновенным энтузиазмом исполнителей. Ребята и впрямь постарались на славу, сложив вместе кусочки замысловатой саунд-мозаики. Вступительный этюд "Poet and Peasant" позаимствован из наследия австрийского композитора Франца фон Зуппе (1819-1895), автора популярных некогда оперетт. Гардинер со товарищи ловко перевели комический венский кунштюк на рок-н-ролльные рельсы: галопирующая техника долговязого ударника Уилсона замечательно сочетается с лихим гарцеванием "Хаммонда", глубокими басовыми структурами и отменной риффовкой гитарреро. Отдельного упоминания заслуживает певец Гриффитс, чей гибкий и сильный голос являлся визитной карточкой ранних Beggars Opera. С благородной седой стариной отчасти соприкасается и стилизованная под необарокко "Passacaglia" с ее изящными органными партиями и прихардованными струнными выкрутасами. Пограничного характера также придерживается вещь "Memory": мелодические гармонии парадоксальным манером содержат в себе строгие симфонические интонации и неумеренный ритм-н-блюзовый драйв. "Raymonds Road" - самый яркий номер альбома, по сути являющийся помпезной рок-фантазией на мотивы Моцарта, Дворжака и иже с ними. Что до эпической конструкции "Light Cavalry", то она вновь обращает нас к творчеству господина фон Зуппе: очередная безукоризненная транскрипция полузабытой опереточной безделицы, талантами квинтета возведенной в ранг настоящего драматического искусства. В бонусах фигурируют тяжелый (а ля Purple) эскиз "Sarabande" и недурственный хард-н-артовый трек "Think", воплощенный со знанием дела.
Итог: блестящий образец неоклассического прогрессива, по праву включенный в "золотой фонд" нестареющего английского рока. Наслаждайтесь.

Madrigal "On My Hands..." (1996)

Американский ансамбль Madrigal (первоначальное название - UVU) появился на свет в 1977 г. по инициативе двух подростков - Кевина Додсона (вокал, ударные, акустическая гитара) и Дэйва Цеберта (клавишные). На протяжении лет команда давала концерты по городам Соединенных Штатов и Канады, не имея возможности увековечить свои творения в студии. Случай представился лишь в 1988 г., когда от старожилов в составе остался единственный участник - Додсон. Дебютная пластинка Madrigal явилась одним из сильнейших прог-релизов восьмидесятых. Мощные, комплексные аранжировки; великолепные вокальные гармонии; интересные мелодические находки, помноженные на симфоническое и джазовое обрамление тем, - все говорило о высоком профессионализме музыкантов. Увы, интерес к подобного рода произведениям у публики той поры был минимальным, так что членам бэнда пришлось ждать своего часа еще восемь долгих лет...
Над "On My Hands..." вместе с Кевином трудилась дружная бригада инструменталистов: гитарист М. Стивен Дорнбирер, клавишник Майкл Розенталь, басист Стив Спингер и духовик Чак Суонсон. В композиционном отношении Madrigal продемонстрировали стойкую приверженность идеалам "золотой" эпохи арт-рока. Перед нами - удачный симбиоз канонов британского прогрессива четвертьвековой давности и сугубо штатовского "мажорного" подхода к внешнему оформлению песенного ряда. По сути квинтет маэстро Додсона предвосхитил рождение Spock's Beard, взявших на вооружение приемы схожего плана. Но вернемся к "On My Hands...". Открывающий трек "Shout" - своеобразное признание в любви к таким культовым группам, как Gentle Giant и Каnsas. От первых унаследованы характерное распевное многоголосие + хитроумная ритмика, от вторых - не менее показательные эпизоды, в которых выразительный вокал Кевина реет над переливчатыми волнами клавишных. Энигматическая фреска "Living on the Edge" опирается на неопроговое звучание образца ранних девяностых, что, в принципе, нисколько ее не портит. Очень хороша электроакустическая элегия "Old World Charms", пропитанная светлой сказочной грустью. Заводная "Showdown" зиждется на озорных "менестрельских" мотивах (флейтовые эскапады Суонсона вызывают совершенно определенно "талловские" ассоциации), скрещенных с чем-то неуловимо "канзасовским". "Средневековая" атмосфера пьесы "Castings" несет в себе элементы рок-оперы с примесью стилистики отдельных сочинений из "артуровского" цикла Рика Уэйкмана. Есть тут и приятный для слуха AOR-пассаж ("Survivors"); и эпический прогрессивный хард-рок, "заточенный" под Стива Уолша с небезызвестной компанией ("On My Hands"); и просто чудесная хоральная симфониетта лирического свойства ("The Stumbler")...
Резюмирую: отличный программный альбом, отмеченный зрелым мастерством и тонким вкусом его создателей. Советую ознакомиться.

22 июл. 2011 г.

Flash "Out of Our Hands" (1973)

Соревноваться с призраками - затея так себе. Покуда британцы Flash выжимали последние соки из раннего наследия Yes, лидеры успели выйти на новый виток развития, обставив гипотетических конкурентов по всем параметрам. Однако рулевой квартета Питер Бэнкс (гитары, бэк-вокал, синтезаторы Moog и ARP, банджо) предпочел не замечать очевидного. Демонстрируя завидное упрямство, пышущий энергией мастермайнд в компании соратников взялся окучивать знакомую до запятой гряду в надежде на богатый урожай. Но желания и возможности суть вещи разные. Запас вдохновения у членов Flash иссяк где-то посреди процесса. Тем не менее третья пластинка англичан получилась довольно "слушабельной", хотя и не без странностей.
В отсутствие матерого органиста Тони Кэя (экс-Yes), отбывавшего трудовую повинность при записи дебютной программы группы, многочисленные клавишные партии плавно перекочевали к басисту/вокалисту Рэю Беннетту. Таким образом, в распоряжении последнего оказались меллотрон, фортепиано, клавесин и синтезатор ARP. С аналоговым арсеналом старина Рэй управился сносно, но, пользуясь привилегией ведущего автора материала, звуковые акценты расставил по-своему. Что в итоге, спросите? А вот что...
Поначалу картина складывается оптимистично. За оформленным Бэнксом кратким астральным интро "Open Sky" следует лихой этюд "None the Wiser (King)", сварганенный по рецептам Yes, правда, без свойственных законодателям жанра затяжных соло. На плотную ритмическую основу нанизаны упругие гитарные риффы, поданные в высшей степени изобретательно и со вкусом. Дальше имеет место "Farewell Number One (Pawn)" - милая акустическая баллада, в которой певец Колин Картер действует на многоголосом фоне, выстроенном при активном пособничестве коллег. В изменчивой, словно хамелеон, теме "Man of Honour (Knight)" главная роль отводится Питеру, заочно сводящему счеты со Стивом Хау; его манера игры на классической гитаре с характерной "красочностью" штриха вполне узнаваема. Что ж, мастерство здесь присутствует, вот только стоит ли заново придумывать велосипед? Начиная с пьесы "Dead Ahead (Queen)", герои постепенно утрачивают хватку. Шаловливые аккорды Муга на пару с атмосферными клавесинными пассажами не могут ликвидировать идейных прорех в структуре; композиция воспринимается надуманной, чему, кстати сказать, способствует певец Картер: в фиоритурах фронтмена улавливается определенное сходство с Гедди Ли из еще неоперившихся на тот момент Rush. "The Bishop" - бенефис маэстро Беннетта, при поддержке драммера Майкла Хага орнаментирующего саунд-пространство искусными басовыми виньетками. Гиперкомплексная зарисовка "Psychosync" вновь апеллирует к творчеству команды Джона Андерсона, да ведь одними ассоциациями сыт не будешь... Ту же карту Flash разыгрывают в чудаковатой, отмеченной налетом монотематизма вещи "Manhattan Morning (Christmas '72)", основное достоинство которой - отменное электрогитарное наполнение. В финале нас ожидает вычурно-пафосный коллаж "Shadows (It's You)?", буквально нашпигованный хитрыми прогрессиями вперемежку с помпезной вокальной акробатикой.
Резюмирую: в целом крепко сбитая (пусть и не без изъянов) работа, не выдающаяся за рамки арт-мэйнстрима семидесятых.

20 июл. 2011 г.

Birds and Buildings "Bantam to Behemoth" (2008)

Приведя в восторг мировую прог-аудиторию дебютным альбомом Deluge Grander, неугомонный затейник Дэн Бриттон (клавишные, гитара, вокал) параллельно запустил новый проект Birds and Buildings. В стилистическом отношении обе команды схожи: приоритетное направление - симфонический прогрессив (большей частью инструментальный), помноженный на приджазованность и умозрительные магматические zeuhl-элементы. Однако музыкальные планы "Bantam to Behemoth" выглядят на порядок изощреннее развернутых структур первой пластинки DG. Спутниками Бриттона в этом звуковом приключении стали его друзья: постоянный компаньон Бретт д'Анон (бас, гитара), Брайан Фальковски (саксофон, флейта, кларнет) и Малкольм МакДаффи (ударные). На результате же совместного труда невероятной четверки хотелось бы остановиться подробнее, ибо он того, несомненно, заслуживает.
Девятиминутная интродукция "Birds Flying Into Buildings" - достаточно агрессивный саунд-коктейль с ворохом аналоговых тембров (меллотроновый фон, наступательные легато органа) и периодическими нырками в различные области джаза - как традиционного, так и модального. Строго говоря, вся эта детальная вереница различных субжанровых слоев служит неплохой иллюстрацией к живописным кошмарам нежно любимого Дэном фламандца Иеронима Босха; блистательный разгул коллективной исполнительской фантазии! Определяющим настроением этюда "Terra Fire" выступает возвышенно-лучезарная гамма, перебиваемая спорадически возникающими мощными аккордами гитары и сакса. Тематические изгибы пьесы "Tunguska" демонстрируют намеренно эклектичный подход к композиции: тут и легкий эмбиентально-мистический флер, и напористый прогрессивный фьюжн высочайшего класса, и мотивные "винтажные" переливы клавишных... Последующий эпик "Caution Congregates and Forms a Storm" преобразует эмоциональный схематический ряд "Тунгузки" в нечто совершенно иное; его развитие протекает по стопроцентно симфоническому сценарию (на ведущих ролях фортепиано и меллотрон), местами перекликающемуся с событийно богатыми сюжетами англичан The Enid. Другой центральный сегмент релиза - масштабное полотно "Chronicle of the Invisible River of Stone", выдержанное в светлых неоклассических тонах и сопровождаемое эфемерным вокалом специально приглашенной Меган Уитли. Исключительно хорош пролонгированный игровой комплекс "Yucatan 65: The Agitation of the Mass", навевающий сладостные воспоминания о культовых группах семидесятых (в частности, Happy The Man). Ломаные структуры "Chakra Khan" также наследуют линии ретро, правда, с уклоном в виртуозный, насыщенный нюансами джаз-рок. Продолжает феерический пир духа обширная фреска "Battalion", где Бриттон со товарищи по-своему оживляет темные материи великого кобайского изобретения под условным названием "цойл". Венчает программу на редкость приятная для слуха кантилена "Sunken City, Sunny Day", филигранно претворенная в жизнь замечательными американскими кудесниками.
Резюмирую: абсолютно шикарный образец истинно прогрессивной рок-музыки. Настоятельно рекомендую каждому меломану.

17 июл. 2011 г.

Fields "Fields" (1971)

Экс-лидер формации Rare Bird органист Грэм Филд известен миру как автор нашумевшего хита "Sympathy". Собственно, эта песня сыграла с Филдом злую шутку. Побив все рекорды популярности в таблоидах стран Старого и Нового Света, "Sympathy" по сути обозначила точку невозврата для "Редкой Птицы". Продюсеры жаждали от ансамбля новых коммерчески успешных свершений, но композитор Грэм отчетливо понимал, что самого себя уже не переплюнуть. Да и не желал он скатываться в область форматного поп-рока. Словом, Филд подался на вольные хлеба, оставив коллег в состоянии глубокой задумчивости.
Начинать с нуля значительно проще, когда у тебя в кармане контракт с лейблом-мейджором. Заключив договор с CBS, маэстро занялся поиском единомышленников. Драммер нашелся сравнительно быстро: старый приятель Роберт Фрипп порекомендовал Филду ударника Энди МакКаллоха, с которым работал над диском "Lizard". Третьим участником Fields стал малоизвестный, но весьма опытный музыкант Алан Барри. Вооруженный двухгрифовым "Гибсоном", этот замечательный человечище явился для Грэма настоящей палочкой-выручалочкой: вокалист, гитарист, басист, неплохой клавишник (вспомогательные партии меллотрона на пластинке - его рук дело) + весьма креативная личность. В общем, было от чего оттолкнуться...
В декабре 1971 года лондонская пресса возвестила о "втором пришествии" Грэма Филда. И пусть на фоне тех же Rare Bird, годом ранее сокрушивших умы прог-аудитории эпическим лонгплеем "As Your Mind Flies By", безымянный дебют Fields выглядел скромно; у этого альбома хватает своих достоинств. В центре внимания, конечно же, яркая игровая манера мастермайнда. Необарочные беглые органные пассажи превосходно сочетаются с лирической вокальной подачей Барри и предельно точной ритмической штриховкой МакКаллоха (образцовый пример - трек "A Friend of Mine"). В более "роковых" эпизодах ("While the Sun Still Shines", "Over and Over Again", хард-блюзовой рапсодии "A Place to Lay My Head") наши герои тоже смотрятся довольно уверенно. В контексте релиза встречаются и пьесы погранично-экспериментального характера (прогрессивный психоделик-мадригал "Three Minstrels"), однако наиболее выигрышно Fields преподносят себя в пианистических балладных полотнах ("Not So Good", "Feeling Free") и в сказочных элегийных историях фольклорно-акустического плана ("Fair-Haired Lady"). Ну, и нельзя не отметить замыкающий программу превосходный инструментальный коллаж "The Eagle", исполненный в лучших традициях симфонического арт-рока семидесятых.
Выстрелив столь многообещающим первенцем, трио отправилось в большое гастрольное турне. По признанию Грэма, в континентальной Европе их принимали куда теплее, чем дома. В перерывах меж концертами артисты выстраивали дальнейшую стратегию, которая, увы, не понадобилась. Смена руководящего состава CBS отразилась на репертуарной политике компании, в результате чего Fields получили отставку и чуть погодя распались. МакКаллох нашел пристанище в команде Greenslade, а позднее переметнулся в аккомпаниаторы к Дункану Маккею. Барри вплотную занялся сессионной карьерой. Что касается Филда, то его жизненной стезей сделался мир классической музыки. Как бы там ни было, единственный на сегодняшний день альбом Fields - отличный вариант для каждого любителя качественного британского прото-прога. Наслаждайтесь.

15 июл. 2011 г.

Myster Möbius "Myster Möbius" (2010)

В процессе гибридизации формы прогрессивного рока порой уходят настолько далеко от корней, что остается лишь изумляться. Ярчайший тому пример - творчество франко-венгерского коллектива Myster Möbius. Хотя инструменталистов в составе трое (басист/стикист Янош Хегедуш, гитарист Бен Константини, ударник Бастьен Шампенуа), сами MM числят себя квартетом: четвертым номером в обойме выступает художник-дизайнер Бриджит Кулл, чьи потрясающие видеоинсталляции являются неотъемлемой частью сценических шоу группы. В принципе, Myster Möbius - команда сугубо концертная. Только наблюдая их вживую, можно прочувствовать всю мощь, силу и артистизм "гипнорока", оценить по достоинству высочайший исполнительский уровень каждого из ребят. Однако и в записи оригинальность композиционных выкладок транснационального проекта немало поражает воображение.
Изданный на лейбле Musea Parallèle безымянный первенец MM на несколько порядков отличается от привычной продукции авторитетного прог-концерна. Девять позиций пластинки по воспроизводимому эффекту напоминают мозговой штурм, предпринятый профессионалами "музспецназа". Изощренные ритмические головоломки дуэта Шампенуа-Хегедуш причудливым образом взаимодействуют с агрессивным "зудом" гитарных запилов маэстро Константини. Такова общая картина начальной пьесы "Mirage". Густо замешанная на сэмплерной технике вещица "Marche" явно инспирирована лучшими образцами из безразмерного наследия англичан Ozric Tentacles: те же невесомые синтетические бэкграунд-ландшафты, уверенный рисунок ударных и ломаная траектория струнных выкрутасов старины Бена. Нарочито искусственные модуляции этюда "Carbone 14" зиждутся на сочетании электроники с яростно-экстремальными атакующими маневрами ансамблистов (определенно, без "металлических" влияний дело не обошлось). Кошмарная мозаика "Technoïde" в предельно жестком ключе высмеивает особенности так называемой "клубной культуры"; танцы спятивших андроидов на открытой всем музыкальным ветрам площадке кажутся порождением воспаленного бредом сознания. Кричащая эклектика полотен Myster Möbius словно под микроскопом укрупняет страхи и комплексы современной урбанистической цивилизации с ее инфернальным пространством подземки, ультравысокими частотами сотовых телефонов, потайными опасностями Интернет-паутины и остальной, знакомой большинству из нас атрибутикой эпохи. Впрочем, "пир во время чумы" также отмечен нотками довольно специфического юмора. Речь в данном случае о треке "Cigany", где драйвовые аккорды гитары ("цыганщина" парижского фасона) пропущены сквозь призму холодного и расчетливого кибер-пауэра. Последующие опусы Myster Möbius содержат: а) трип-хоповую тонику, хорошо утрамбованную оглушительным барабанным боем мсье Шампенуа ("Icarus Airlines"); б) полу-медитативные секвенции в духе Стива Хиллиджа ("Systéme Solaire"); в) технологичный индустриальный space fusion, обильно начиненный деталями ("2102364"); г) озрикоподобную саунд-схему, эпизодически инкрустированную джаз-роковыми пассажами ("Mach 5").
Резюмирую: убийственный адреналиновый коктейль, приготовленный мастерами своего дела. Тем, кто предпочитает нетрадиционные сложносоставные звуковые ряды, - очень даже советую. А вот проклассически ориентированным меломанам лучше бы подыскать что-нибудь поспокойнее.

12 июл. 2011 г.

Arc "... At This" (1971)

История Arc неотличима от жизнеописаний десятков иных составов, сформировавших лицо раннего английского арт-рока. Основатель команды Мик Галлахер (фортепиано, орган, гитара, вокал) пришел в музыку на заре шестидесятых. Поначалу играл в полупрофессиональных ритм-н-блюзовых ансамблях, а вскоре стал одним из организаторов группы The Crestas, позднее переменившей название на The Chosen Few. В 1967 г. четверка во главе с Миком уже именовалась Skip Bifferty и вовсю "нарезала" психоделию, коей прочили большое будущее (кстати, тогда же гитаристом в Skip Bifferty был принят Джон Тарнбулл, впоследствии тоже вошедший в Arc). Квартету пофартило выпустить безымянный альбом и несколько синглов на лейбле RCA Victor. Но в дальнейшем внимание Галлахера привлекло набирающее силу прогрессивное движение, и смекалистый органист решил попытать счастья на этом поприще. К Мику и Джону присоединился басист/вокалист Том Даффи: так возникли Arc. С ударниками у ребят ситуация складывалась не очень, и только по заключении контракта с шефами Decca Records в 1970 г. место за барабанами занял австралиец Дэвид Монтгомери.
В отличие от высоколобых интеллектуалов из элитного прог-дивизиона наши бравые парни действовали без ложной зауми. Мелодизм, помноженный на простоту и доступность текстов, сулил Arc'аровцам коммерческий успех. И в общем-то так оно и случилось. LP "... At This" - это прежде всего набор симпатичных, превосходно аранжированных песен без особенных "заморочек". Тут имеется напористый хард-прог, сдобренный прекрасными вокалами и прошитый крепкими гитарными соло ("Let Your Love Run Through"); комплексный рифф-рок на ритм-н-блюзовой платформе ("It's Gonna Rain"); мотивная лирическая юмореска в легких кантри-кружевах с примесью элементов оперетты ("Four Times Eight"); психоделическая элегия с вкраплениями модных в ту пору компонентов индийской раги ("An Ear Ago"); немного эклектичное варево из бойцовых тональных прогрессий, перемежаемых напевно-артистическими откровениями фронтмена ("Great Lager Street"). В "Hello, Hello, Monday" слушателю предлагается прото-арт самого отменного качества: множественные ритм-сбивки, фоновые хоралы, чередование акустических эпизодов с ядреными электрическими кусками + явственный неоклассический привкус, различаемый в клавишных пассажах Галлахера. Оставшиеся позиции также весьма хороши: это и забойный опус "Perfectly Happy Man", моментами неуловимо напоминающий творчество Uriah Heep; и манерная глэм-баллада "Sophie's Cat"; и замыкающее программу странновато-оригинальное сочинение неопределенной направленности "You're in the Garden", по всей видимости предназначенное "на десерт" эстетствующим меломаньякам.
Резюмирую: не шедевр, но добротная и по-своему привлекательная пластинка, способная понравиться большинству почитателей ретро-прогрессива. Рекомендую.

10 июл. 2011 г.

Moth Vellum "Moth Vellum" (2007)

До 2007 года о существовании команды Moth Vellum мало кто слышал. Но стоило квартету из Сан-Франциско выпустить самиздатом первый безымянный альбом, как ведущие прог-порталы Инета дружно возвестили о приходе новых героев жанра. Признаться, подобные восхваления всегда настораживают. Однако личного интереса ради я таки решил причаститься творчества неведомой доселе четверки. А вынимая CD из проигрывателя, в очередной раз вспомнил старую истину: сколько людей, столько и мнений. Говоря начистоту, восторгов зарубежных коллег в отношении Moth Vellum не разделяю. Американцы попросту "изобретают велосипед" из стократ проверенных британских деталей. Собственно, они и сами не отрицают генеральных влияний с той стороны. Так, выросший в Германии гитарист Йоханнес Лули сообщает поклонникам, что с юных лет его кумирами были Yes, Pink Floyd, Genesis. Клавишник Том Линхэм в качестве примеров для подражания называет Рика Уэйкмана и Тони Бэнкса, а в числе излюбленных инструментов упоминает орган с меллотроном. Ударник/вокалист Мэтт Суинделлз и басист/вокалист Райан Даун также не стыдятся англоманских пристрастий, добавляя к общему списку источников вдохновения еще и экстравагантную персону Элтона Джона (пусть это останется на их совести).
Рассуждать о музыке Moth Vellum, не прибегая к сопоставлениям, попросту не получится. Не хочу сказать, что заштатная четверка - такие уж отъявленные плагиаторы, но... Ладно, пойдем по порядку. Трек № 1 - "Let the Race Begin". Ассорти из знакомых генезисовских приемов (на пространном меллотроновом ковре проступают "заточенные" под звучание псевдо-Муга гармонические синтезаторные стежки), ритмических прогрессий а ля The Flower Kings и обильных, не лишенных приятности певческих упражнений в духе неопрога второй половины восьмидесятых. В "Whalehead" равнение делается на коллективы типа Saga, да и по атмосфере пьеса более походит на коммерческий радиоформатный АОР, нежели на прогрессив аналоговой эпохи. Оригинальными элементами авторской мысли прошито 13-минутное полотно "Salvo", сконструированное по несколько необычным канонам (правда, гитарные соло Лули с головой выдают в нем последователя Дэйва Гилмора; впрочем, ничего зазорного в этом нет), но и здесь без оглядки на Genesis (во второй части произведения) не обошлось. В эпической "Against the Suns" Moth Vellum преподносят себя форменными мелодистами и ретроградами. Самой же любопытной вещью с точки зрения композиции мне видится "Walk It Off", в коей обнаруживаются неглубокие следы джаз-рока, меланхоличность скандинавского розлива и отдельные аранжировочные эпизоды, заимствованные у представителей шведской прог-школы 1990-х. Идущая финалом репризная пятиминутка "Against the Suns" дарует ощущение просветления, воспринимаемое жизненной необходимостью по завершении столь насыщенной подробностями серии разномастных выкладок.
Резюмирую: неплохая в целом программа, рассчитанная на тех, кому по душе поздние Big Big Train и прочие группы того же сорта.

7 июл. 2011 г.

Pekka Pohjola "Space Waltz" (1985)

Восьмидесятые явились проверкой на прочность для музыкантов, чей взлет состоялся в предшествующем десятилетии. Вот и закаленный всевозможными прогрессивными баталиями Пекка Похьола был вынужден приспосабливаться к игривым законам нового времени. И если на диске 1982 г. "Urban Tango" скромный финский гений вовсю экспериментировал с жанрами - от танго до тяжелого джаз-рока, то изданный годом позже LP "Jokamies / Everyman" (по сути саундтрек к картине режиссера Ханну Хейкинхеймо) имел значительный крен в область атмосферной электроники. Вошедшие в моду синтезаторные веяния также наложили заметный отпечаток и на программу "Space Waltz", о которой пойдет речь ниже.
Дабы удержаться от поверхностных ритмических фигур и обеспечить пластинке достойное гитарное наполнение, Пекка привлек к работе старого знакомого Сеппо Тыни, с коим практически не взаимодействовал за минувшую пятилетку. Другими членами команды сделались клавишники Юсси Лиски и Тимо Весайоки + ударник Кеймо Хирвонен. Результатом их совместной деятельности стал весьма своеобразный творческий продукт, носящий пограничный характер. Взрывной "вихрастый" фьюжн, которым так славился Похьола образца семидесятых, поменял полярность. Мощная энергетика виртуозов, привыкших к немыслимой инструментальной эквилибристике, испарилась за ненадобностью. На смену ей пришел очаровательный софт-джаз с нью-эйджевым привкусом, по-прежнему не рассчитанный на коммерческий успех. Своими эклектичными по настроению пьесами "Space Waltz" знаменует наступление зрелости в жизни Пекки и его друзей. Трудно поверить, что у оптимистичных синти-пассажей номера "American Carousel" и комплексных оркестровых маневров пластинки "Visitation" (1979) один и тот же автор; однако факт есть факт. Незатейливый клавишный бэкграунд вступительной вещи служит превосходным фоном для безукоризненных соло-партий замечательного Сеппо Тыни, нисколько не растерявшего за эти годы мастерства и таланта. В осенней "шарманочной" мелодии "Cat Boulevard" эстафету принимает синтезаторный волшебник Юсси Лиски, путем умелого смешивания различных тембральных оттенков достигающий нужного эффекта (необходимо отметить и басовую ворожбу лидера, становящуюся заметной при повторном прослушивании). Титульный опус демонстрирует наличие пороха в пороховницах у каждого из ансамблистов: тут и намек на симфо-антураж, и наступательные атаки ритм-секции, и агрессивный боевой раскрас электрогитары... Апогеем звуковой панорамы в целом можно считать 13-минутный эпик "Risto", содержащий несколько основных стадий: приятную клавишноориентированную интроспекцию, традиционно витиеватые адреналиновые выбросы шестиструнного агрегата дядюшки Сеппо в центральном сегменте конструкции и экстатические мажорные аккорды, возобладающие в финальном хронологическом отрезке. Замыкает действо энигматическая зарисовка "Changing Waters", в изобразительных решениях которой улавливается объемный кинематографический подтекст (к этой интригующей истории Похьола вернется позднее, в 1992 г., сделав ее краеугольным камнем одноименного альбома).
Резюмирую: отличный релиз, наглядно показывающий удивительную живучесть профессионально скроенного фьюжн-арта в непредназначенных для него условиях.

5 июл. 2011 г.

Wobbler "Afterglow" (2009)

Норвежцы Wobbler - одно их ключевых имен скандинавского прог-дивизиона. Сногсшибательным дебютным диском "Hinterland" (2005) эти славные парни установили чрезвычайно высокую планку. Да и как иначе, если в содержательном отношении тот альбом представлял собой мощнейший концентрированный прогрессив образца семидесятых, переосмысленный с учетом музыкальных влияний новейшего времени. Казалось бы, столь плотно спресованным материалом новые нордические герои выстрелили по максимуму, не оставив шанса на продолжение. Однако Wobbler сумели перехитрить суровые законы реальности. Как выяснилось, в творческих закромах норвегов скопились заготовки, сочиненные аж в 1999 году. И после восторженно принятого аудиторией первенца, этого сверхмассивного пробного шара с умозрительной пометкой "шедевр", квартет решил ударить по слушателю тайным оружием схожего калибра. Публичная обкатка ряда композиций прошла в 2005 г. в Соединенных Штатах на ежегодном мероприятии NEARfest (The North East Art Rock Festival). Гиперкомплексные вокально-инструментальные выкладки Wobbler произвели здесь небольшую сенсацию, группа стала главным открытием фестиваля. На волне американского успеха коллектив развернул активную концертную деятельность. Но и при насыщенном гастрольном графике северяне не упускали случая похлопотать над собственным наследием. Лишь в июне 2007 г. члены бэнда наконец-то приступили к записи пластинки номер два.
Используя проверенную некогда схему, наши бравые умельцы уложили треки псевдо-концептуальным манером. И хотя с позиции хронологии "Afterglow" выглядит скромнее предшественника, по количеству нюансов он, возможно, превосходит собрата. Точка отсчета - короткая клавишная интродукция "The Haywain", в структуре которой несложно распознать мотивы средневекового гавота. Эпический боевик "Imperial Winter White" служит великолепной демонстрацией исполнительских талантов каждого из ансамблистов. В 15-минутной конструкции уместилось многое: тут и бесконечное варьирование ритмических комбинаций, создающее эффект "лоскутного одеяла"; и довольно агрессивная окраска отдельных сегментов, идущая то ли от классических номеров King Crimson (сказывается также опыт игры в металлических составах кое-кого из основных действующих лиц группы), то ли от легендарных шведов Änglagård. Богатейший "винтажный" арсенал (Mellotron M400, Hammond C3, фортепиано, Minimoog, синтезаторы ARP, Solina String Ensemble, электропиано, клавесин) органиста Ларса Фредрика Фрёйзли обеспечивает изысканную полифонию + поддерживает соответствующую ретро-атмосферу. В распоряжении другого ведущего артиста - гитарреро Мортена Андреаса Эриксена - не менее серьезный инструментарий (от различных моделей "Гибсонов" и "Фендеров" до двухгрифового монстра "Джей Тёрсер", чьи тембры задают тон на различных участках программы). Отменно потрудились басист Кристиан Карл Хальтгрен с ударником/духовиком Мартином "Нордрумом" Кнеппеном, а равно и приглашенный за компанию с вокалистом Тони Йоханнессеном флейтист Кетиль Эйнарсен. В сугубо акустическом мадригале "Interlude" к струнных дел мастеру Эриксену присоединяются гости - барокко-гитарист Ульрик Гастон Ларсен и виолончелистка Сигрун Инг. Атакующим напором и широким разнообразием саунд-палитры отличается 13-минутная пьеса "In Taberna", тембральными красотами радующая взыскательный слух меломана. Бессловесный эпилог под названием "Armoury" - мрачноватый эстетский кунштюк, затейливо выписанный в стилистике необарочного фолк-рока а ля Gryphon; как ни крути, для ребят из Wobbler в этом явный элемент новизны.
Резюмирую: превосходный, глубокий и умный релиз, ни капельки не уступающий предыдущей работе. Наслаждайтесь.

3 июл. 2011 г.

Riccardo Cocciante "Mu" (1972)

В Италии (и за ее пределами) Риккардо Коччианте преимущественно известен как успешный эстрадный певец. Действительно, начиная с середины 1970-х, этот автор/исполнитель выпустил немало хитов, достигших вершин популярности. Однако данная сторона творчества Коччианте нас интересует меньше всего. С точки зрения меломана-прогрессора, самым любопытным релизом в дискографии Риккардо видится его дебютный альбом "Mu"...
Рожденный в 1946 г. в Сайгоне, полу-итальянец/полу-француз Коччианте впервые увидел Рим в тринадцатилетнем возрасте. Вскоре "вечный город" сделался своим для Риккардо. Друзья, учеба, увлечение музыкой... Все сплелось в тугой клубок эмоций, но за круговертью будней молодой человек не забывал о мечте - добиться сценического признания. И случай не заставил себя ждать...
Заключив контракт с крупным лейблом RCA, наш герой приступил к записи первой пластинки. С подачи продюсера/аранжировщика Паоло Доссены к процессу привлекли внушительную когорту аккомпаниаторов - англичан, итальянцев, бельгийцев. Одних только клавишников, помимо самого Риккардо, насчитывалось трое, включая опытного арт-рокера Паоло Рустичелли (синтезатор, меллотрон). Другим знатным "варягом" стал Йоэль Вандругенброек (флейта), прославившийся в качестве лидера экспериментальной формации Brainticket. В общем, компания подобралась достойная. И результат совместного труда музыкантов также получился на загляденье.
По структуре "Mu" представляет собой сюиту в четырех частях, разбитую на девять треков. Полупсиходелическая интродукция испытывает слушателя на прочность двухминутным нагнетанием звуковых эффектов, дабы по истечении времени обрести строгий классический арт-рисунок, в коем акустический инструментарий (гитара, ситар) гармонично взаимодействует с перкуссией и пассажами на синтезаторе Муга. Дальнейшее развитие сюжетных плоскостей движется по не менее любопытному сценарию. 26-летний мастермайнд Коччианте раскрывается здесь не только как талантливый многоликий вокалист, но и как весьма одаренный композитор, тонко чувствующий нюансы палитры. В итоге имеем волшебный идейный сплав прогрессивного толка с превосходным полифоническим содержанием. Драматичность повествования наслаивается на драйвовые рок-партии (прослеживается определенное влияние "Jesus Christ Superstar" Э. Ллойд Уэббера), умелую оркестровку, солидные органные перекаты (ответственный - Мики Фрейзер), игровые элементы фольклора и яркую напевность, характерную для жителей солнечного Апеннинского полуострова. Иными словами, перед нами отличный образец раннего итало-прога, воплощенный с безукоризненным вкусом и отмеченный профессионализмом его создателей.
Вердикт: прекрасная программа, искренне рекомендуемая к ознакомлению.

1 июл. 2011 г.

Fireballet "Night on Bald Mountain" [plus 7 bonus tracks] (1975)

Любовь к классике - не самое частое явление для рок-групп из Соединенных Штатов. Однако и в этой многослойной среде порой встречаются уникумы. Герои данного обзора - эстетствующий квинтет из Северного Джерси под названием Fireballet. Вообразив себя прямыми наследниками громкой славы легенд британского прогрессива (ELP, Gentle Giant, Rick Wakeman), нахальные молодые люди принялись усердно атаковать демо-пленками духовика Йена Макдональда, одного из родоначальников King Crimson. Проникшись творческими опытами ребят, мэтр согласился спродюсировать их дебютный LP, а также внести в альбом свою музыкальную лепту. Плодом совместных профессиональных усилий стал уверенный и мощный релиз, решенный в симфоническом арт-ключе. "Темные лошадки" Fireballet сумели заявить о себе на удивление ярко, что называется, в лучших традициях. Только вот - в чьих именно - вопрос, требующий прояснения.
Поскольку состав единовременно располагал двумя мастерами клавишных дел (Брайан Хауи - ответственный за органную часть; Фрэнк Петто - фортепиано, электропиано, ARP 2600, меллотрон, струнный синтезатор, цифровой секвенсор Oberheim DS-2), полифонические структуры пластинки отличаются сбалансированностью и предельно выверенными оркестровыми гармониями. В основе масштабного десятиминутного вступления "Les Cathédrales" лежит парадоксальная саунд-амальгама: сперва слушателя потчуют деликатными симфо-проговыми пассажами неопределенной географической принадлежности; затем обдают до боли узнаваемыми аккордами хитовой "Theme One" Джорджа Мартина, но в аранжировке, приближенной к варианту Van der Graaf Generator (не случайно маэстро Макдональд счел нужным использовать в канве произведения альт-саксофон - явный респект Дэвиду Джексону); после наступает черед изощренной музыкальной драматургии, буквально заимствованной у Genesis (лид-вокалист/ударник Джим Комо удачно подстраивается под голосовой тембр Питера Гэбриэла); а к завершению трека "зажигательный американский балет" выдает нечто более или менее оригинальное, правда, в гитарных партиях Ричи Кланды чувствуется влияние Стива Хау (Yes). Неоклассический опус "Centurion" содержит небольшой певческий сегмент в духе Питера Хэммилла, тогда как инструментальное его наполнение инспировано атмосферой боевого задористого средневековья. В эту же линейку плавно укладывается номер "Fireballet", зато выразительная элегия "Atmospheres" по своей рефлексивно-философской природе вполне соотносима с отдельными главами генезисовского "Агнца". Наконец, главное блюдо программы - "Ночь на Лысой горе" (ну-ка хором - имя автора!) в прочтении разудалой пятерки пропиталось элементами джаза + украсилось своеобразными лирическими отступлениями; в любом случае, вышло очень недурно.
В бонусы составители определили полностью второй диск Fireballet ("Two too...", 1976 г.). С жанровой точки зрения это все тот же игровой прогрессив, с небезынтересным развитием ряда вещей, однако по энному количеству пунктов не дотягивающий до привлекательной целостности предшественника.
Резюмирую: невзирая на обилие рассеянных по палитре цитат, я искренне рекомендую данную работу поклонникам эпического симфоник-арт-рока. Готов поручиться, что сюжетные коллизии лонгплея доставят вам массу приятных впечатлений. Наслаждайтесь, господа-меломаны!