22 апр. 2011 г.

Lars Danielsson "Libera Me" (2004)

Авторитет его велик и непререкаем. Позвольте представить: Ларс Даниэльссон. Бесподобный шведский контрабасист, виолончелист, композитор, наделенный безупречным вкусом и тончайшей душевной организацией. На счету этого замечательного инструменталиста сотрудничество с крупнейшими джазовыми артистами - Джоном Скофилдом, Джеком ДеДжонеттом, Майком Стерном, Пэтом Мэтини. Однако маэстро Ларс - фигура самодостаточная, истинный поэт баса, умеющий по-особому выражать собственные музыкальные переживания. Что подтверждает альбом "Libera Me" – собрание произведений, оформленных в симфо-фьюжн манере. Отнюдь не холодной и сумрачной, как можно было бы ожидать от исполнителя из Скандинавии, а напротив – лиричной и эмоциональной. Компания аккомпаниаторов у Даниэльссона подобралась доподлинно звездная. Тут и знатная норвежская троица: Нильс Петтер Мольвер (труба), Йон Кристенсен (ударные), Йан Бэнг (сэмплы); и саксофонист Дэвид Либман - соратник легендарного Майлза Дэвиса; и удивительная вокалистка Сесиль Норби - обладательница совершенно роскошного голоса...
В фундаменте практически любого из треков программы лежат мелодизм и потаенная чувственность. Акустический бас Ларса – живой собеседник с почти человеческими чертами: настроением, характером и, главное, – языком – образным, певучим, невероятно красочным. Впрочем, игра всех без исключения участников проекта изобилует вниманием к деталям, богатством гармоний, профессионально выдержанным колоритом. Единственная песенноориентированная пьеса на диске – "Newborn Broken" – джазовая баллада, озвученная в соул-ключе бархатным тембром госпожи Норби. Лучший же номер лонгплея выделить крайне сложно, каждый несет на себе печать аранжировочного таланта мастермайнда. Из самых-самых отмечу: "Asta" - поразительно нежную элегию для фортепиано, баса и духовых; заглавный классический этюд Габриеля Форе, в интерпретации шведа обернувшийся красивейшим медлительным вальсом с затейливыми партиями от ведущих солистов, поочередно выступающих на симфоническом фоне (за филармоническую направленность музыки Даниэльссона отвечает Концертный оркестр Датского радио под управлением Франса Расмуссена); энигматическую зарисовку "Shimmering", в которой сугубо северная меланхолия насыщается флюидами жарких восточных ветров; мотивный опус "Granada" с рвущимися наружу витальными страстями большого художника, и, конечно, "Forever You" – романтический эскиз, наполненный изящными фортепианными силуэтами. Отдельного упоминания заслуживает атмосферный бонус "Asnah" - пример изобретательности авторского тандема Л.Д.–Й. Кристенсен; эдакий авантюрный психоделик-саундскейп в несколько авангардном ракурсе.
Резюмирую: отменный релиз, способный удовлетворить аппетиты широкого круга меломанов. Очень рекомендую.

19 апр. 2011 г.

Lord Flimnap "Point of View" (1989)

Тем, кто знаком с "Путешествиями Лемюэля Гулливера" Джонатана Свифта, наверняка запомнился коварный завистник Флимнап - лорд-канцлер казначейства Лилипутии. Юный израильтянин Итай Эйал книг знаменитого английского сатирика не читал. О странствиях Гулливера он узнал из телевизионного сериала, и мерзкий характер коротышки-казначея неожиданно приглянулся Итаю. Вот и свою первую группу подросток из города Ришон-ле-Цион решил назвать в честь этого анти-героя. Коллегами Эйала (бас, лид-вокал, гитары) по Lord Flimnap стали сверстники, товарищи по летнему лагерю - Охад Гольдбарт (орган, фортепиано, синтезатор, акустическая гитара, вокал) и Алон Вейссман (ударные, перкуссия, бэк-вокал). На момент записи пластинки "Point of View" возраст каждого из участников не превышал 16 лет. Впрочем, данное обстоятельство никак не отразилось на качестве музыки, которую стоит осветить подробнее.
По признанию исполнителей, в своем творчестве они намеренно дистанцировались от местных этнических мотивов. Поскольку все троим безумно нравились прогрессивные британские ансамбли периода семидесятых, ставку сделали на англоязычное ретро-звучание. И не прогадали. Альбом получился достаточно симпатичным, в меру разнообразным, очень светлым по настроению. Структура вступительной композиции "The Wilderness" условно делится на две половины: лирическая интродукция с акустическим наполнением балладного плана и собственно прог-составляющая, представленная бескомпромиссными ритмическими играми вкупе с драйвововой перекличкой органа и гитары. От имагинативно-элегического этюда "Trapped in the March" веет классицизмом и тонкой genesisовской тревожной мечтательностью, интонационно подчеркиваемой голосом клавишника Гольдбарта. Мягкие краски пьесы "Prodigy" тяготеют к лучезарным сказочным образам, а сам трек по кондициям приближается к произведениям, свойственным ансамблям итальянской школы. В 10-минутной "Out of My Way" молодежь, наряду с артовой закалкой, демонстрирует недюжинную хард-роковую хватку: на отточенные гитарные риффы нанизываются многомерные органно-синтезаторные экзерсисы, отполированные до кристального блеска; крайне изобретательный и "вкусный" номер, заслуживающий исключительно добрых слов. Впрочем, подолгу "метать" энергетические заряды бравым израильским парням неинтересно, потому последующая кружевная зарисовка "December" сочетает в себе напевную психоделику с романтическим инструментальным антуражем, базирующимся на минорных фортепианных пассажах. Ну, и чтобы немного похохмить под занавес, ребята разбавляют серьезное содержимое релиза сумасшедшим бурлеском "Solution", где устраивают натуральную шутовскую феерию в околоджазовых тонах.
Резюмирую: отменная арт-роковая работа, воплощенная со вкусом и изяществом, проникнутая подлинным уважением к родоначальникам жанра. Рекомендую.

17 апр. 2011 г.

Alquin "Blue Planet" (2005)

Голландские рок-ансамбли всегда славились некоторой экстравагантностью. В умении изящно пересекать границу, отделяющую великое от смешного, соперничать с артистами фламандского происхождения могли разве что шведы, да и то с оговоркой. Способностью балансировать на краю меж иронией и драматизмом некогда отличались записные мастера эклектики Alquin - ветераны dutch prog сцены. В 1977 г., на закате "золотой эры" арта, участники коллектива поспешили расстаться друг с другом. Чтобы четверть века спустя иметь возможность воссоединиться в практически оригинальном составе. Alquin образца двухтысячных - это: Фердинанд Баккер (гитара, скрипка, пиано, вокал; единоличный автор музыки), Мишель ван Дейк (вокал), Дик Франссен (орган, клавишные), Рональд Оттенгофф (саксофон), Вальтер Латуперисса (бас, вокал) и Йоб Таренскеен (ударные, вокал).
Четырнадцать позиций диска "Blue Planet" - хороший повод порадоваться за старожилов прог-цеха. Определенно, реюнион случился не зря: с подобным материалом не зазорно предстать перед поклонниками. Держа в уме собственные достижения прошлого, Alquin в современной своей ипостаси отнюдь не стремятся к доскональному воспроизведению классического саунда (как, скажем, поступили в аналогичной ситуации их соплеменники Focus). Однако и водить шашни с генерацией "нео" убеленные сединами корифеи также не намерены. Все же корни есть корни. И в данном случае именно они служат необходимым вектором развития команды. Тон альбому задает вводный инструментал "Return to the Blue Planet", исполненный в замечательном игровом ключе (на ведущих ролях - гитара, "Хаммонд" и сакс) и демонстрирующий отменное мелодическое чутье маэстро Баккера. Далее следует ретро-триллер "Murder in the Park", затрагивающий психологические коллизии убийства в лондонском Гайд-парке на излете 1958 года. Мотивный фьюжн "Over & Out" со всей ясностью показывает: песенный формат приобретает для членов секстета особую привлекательность, а возможность доносить до слушателя истории, расказанные простым языком, ценима ими куда больше прогрессивных композиционных "наворотов". Голландцы не бравируют мастерством, хотя отдельные партии по-прежнему звучат ярко и сильно (к примеру, гитарные соло Фердинанда в "The Hitman"). Решающим же фактором для палитры в целом отныне делается умеренно-полифоническая раскладка, без лишнего выпендрежа и самовлюбленных пассажей. Оно и к лучшему, поскольку на общем комплексном фоне начинаешь иначе воспринимать проникновенные балладные вещи типа " Love = a Little Thing", отмеченные блюзовым чувством рефлексии ("Enough = Enough") или зрелые элегические откровения ("Pictures"). Когда же наступает момент для куража, Alquin выпускают наружу драйвовые заряды ("Can't Sleep", "Singapore Connection" и др.), свидетельствующие об избытке пороха в пороховницах. Одним словом, "шарман", как любили говаривать в старину.
Резюмирую: весьма приличный релиз от крепко стоящих на ногах закаленных бойцов арт-фронта. Советую ознакомиться.

14 апр. 2011 г.

The Dog That Bit People (1971)

Двусмысленная вывеска, невзрачная обложка... Очередной ансамбль, о котором завтра никто не вспомнит? Как знать. Для сотрудников британской конторы Esoteric Recordings, к примеру, подобные "приветы из прошлого" сродни драгоценным каменьям. Они - предтеча эпохи, открывшей миру множество гениальных имен. И пусть герои данного обзора не снискали громкой славы при жизни. Достаточно того, что сей достославный квартет внес свою лепту в копилку раннего английского прогрессив-рока.
Идея попробовать силы в русле музыки "для продвинутых" пришла в светлые головы басиста Мика Хинкса и драммера Боба Лэмба в конце 1968 г. Оба к тому моменту составляли ритм-секцию бирмингемской формации Locomotive, исполнявшей соул- и ска-номера. Невзирая на относительно успешное положение дел, Хинкс с Лэмбом страстно желали создать нечто стоящее в качественно ином направлении. И когда под руку подвернулся авторский тандем Джон Казуэлл (гитара, вокал) + Кит Миллар (пиано, орган, меллотрон, гитары, гармоника), мечта потихоньку начала воплощаться в реальность. Позаимствовав название у книги рассказов американского юмориста Джеймса Тёрбера, четверка погрузилась в творческий процесс. Вскоре нашелся продюсер, а там подоспели и рекординг-сессии в легендарной студии Abbey Road...
В отличие от ряда коллег по цеху, пробавлявшихся родным островным фольклором, The Dog That Bit People пристально следили за выкрутасами "штатников", представлявших рок-лагерь Западного Побережья. Особым вниманием у бирмингемцев пользовались песни Нила Янга. И на отдельных треках пластинки влияние заокеанского артиста ощущается достаточно явственно.
Композиционный слой лонгплея неоднороден. Есть здесь среднетемповые вещи с излишне приторным певческим наполнением ("Goodbye Country"); разухабистые зарисовки в духе умеренно-прогрессивного блюз-харда ("The Monkey and the Sailor"); отголоски народных мелодий, "заточенных" под стилистику кантри ("Lovely Lady", "Someone Somewhere"); и попросту симпатичные конструкции смешанного плана ("Sound of Thunder", "Red Queen's Dance"). Однако наибольшего эффекта The Dog That Bit People добиваются в том случае, когда действуют без оглядки на кого-либо. Таковы, скажем, превосходная пьеса "Cover Me in Roses", сочетающая душевно-элегические хоралы "под акустику" с артовыми клавишными пассажами, или не менее прекрасная интролюдия "Walking", тонко оркестрованная меллотроном Кита Миллара. Излишнее увлечение "американизмами" напоминает о себе во второй части релиза, где наличествуют мажорный опус "Mr. Sunshine" и беззаботно-искристая "Tin Soldier" c растянутым рефренным fade-out'ом. Тем, кто предпочитает произведения "позабористее", предназначена адреналиновая добавка в виде "Reptile Man", нашпигованная острыми риффами и зловещими вокодированными куплетами. Под занавес идет совсем уж безалаберный, но чертовски приятный бонус-сингл "Merry Go Round", свидетельствующий о биг-битовом происхождении Псины, Что Кусает Людей.
Резюмирую: непретенциозный и по-своему привлекательный подарок для внушительной армии любителей прото-прога. Советую ознакомиться.

12 апр. 2011 г.

Stackridge "Mr. Mick" (1976)

Концептуальность - одна из характерных черт прогрессива. Ведущие представители арт-крыла семидесятых в процессе творческого роста закономерно отдалялись от стандартного песенного формата, осваивая новые территории: рок-оперы, оратории, балеты и концерты с симфоническими оркестрами постепенно сделались неотъемлемой частью жанра. Команды второго прог-эшелона старались не отставать от "больших", но для масштабных экспериментов требовались соответствующий идейный размах и отменная исполнительская техника. А этим могли похвастаться лишь немногие...
"Mr. Mick" - последний из "классических" релизов британцев Stackridge. К тому моменту оригинальный состав команды претерпел изменения. И самой большой потерей для ребят стал уход гитариста Джеймса Уоррена - человека, формировавшего репертуарную политику ансамбля на протяжении лет. Однако и в отсутствие фронтмена Stackridge сумели с блеском вывернуться из создавшейся ситуации. К авторскому тандему Муттер Слейтер (флейта, клавишные, вокал)—Энди Дэвис (гитара, клавишные, вокал) присоединился детский писатель Стив Огард, помогший экстравагантной парочке с сочинением истории об изнывающем от одиночества пенсионере, чьи моральные императивы на поверку оказываются созвучными анархическим постулатам надвигающейся панк-революции. Вместе со Слейтером и Дэвисом над альбомом трудились верный басист Джеймс "Крюн" Уолтер, ударник Пит Ван Хук (Van Morrison's Band), духовик Кит Гиммелл (Audience) + маститый клавишник Дэйв Лоусон (Greenslade). Обязанности лидера взвалил на себя флейтист Муттер. Робкий и застенчивый вне сцены, он, по признанию Энди Дэвиса, изрядно удивил всех своим ярким преображением в период работы над "Mr. Mick" и в последующих "живых" шоу, напоминая подчас заправскую кинозвезду, для которой купаться в свете софитов - штука вполне естественная. Что касается непосредственно диска, то в его содержательной канве удачно сошлись сразу несколько директивных линий: это и мюзиклоподобные эстрадные номера, выдержанные в особом stackridge'овском стиле ("Hey! Good Looking", "Save a Red Face", "The Slater's Waltz" с очаровательным вокалом Джоанны Карлин); и мелодичная поп-психоделия сугубо инструментального плана ("Breakfast With Werner Von Braun", "Coniston Water"); и вставные "нарративные" эпизоды c довольно сумасбродным аранжементом ("Mr Mick's Walk", "Hazy Dazy Holiday", "Mr Mick's New Home"), театрально обыгрываемые не на шутку раздухарившимся Слейтером. Фольклорные корни проклевываются в напевной акустической зарисовке "Can Inspiration Save the Nation?", а непроходящая увлеченность наследием The Beatles ясно видна в контексте пьесы "Fish in a Glass", ставящей не просто точку, но жирный восклицательный знак в финале авантюрного повествования.
Резюмирую: подлинная жемчужина английского арт-рока середины семидесятых. Не пропустите.

10 апр. 2011 г.

Fugato Orchestra "NOÉ" (2010)

Вопрос выживания масштабных арт-проектов - задача отнюдь непростая в век информационной вседоступности. Тем более, если речь идет об оркестре. Однако уникальному венгерскому коллективу Fugato Orchestra чудодейственным образом удается не только оставаться на плаву, но и двигаться вперед, к новым творческим открытиям. Курс на эклектику, взятый командой Балаша Альпара (клавишные, вокал) в 2004 г., получил продолжение в виде второй развернутой работы "NOÉ". Межстилевой crossover-подход превратился в основополагающий принцип для участников формации. И пусть морщат носы господа-пуристы, радетели за чистоту. В случае с Fugato нельзя не признать главного: их комбинационные мультижанровые выкладки расцвечены несомненным композиторским талантом и тонким вкусом маэстро Балаша, "заварившего кашу" с единственной целью - подарить слушателю возможность настоящего музыкального приключения. Что ж, последуем и мы за Белым Кроликом.
Открывающая диск вещица "Pangari" отличается широтой диапазона, вобравшего в себя ультрасовременные электронные тенденции, ритмику традиционных мадъярских плясовых, кинематографический симфо-бэкграунд и мелодичнейшие вокальные линии без слов. В сравнении со столь необычным произведением куда более характерной для ребят Альпара выглядит 8-минутная конструкция "Hétnyolcad / Seven-Eighths", сочетающая благородство классицизма с прогрессивной "завернутостью". Кельтским колоритом проникнут этюд "Irish Coffee", в центре которого превосходные флейтовые пассажи Кристи Лукаш и Сильвии Маршалл, разбавленные джазовыми пианиссимо мастермайнда. Отголоски древней валлийской легенды оживают в небольшой, насыщенной деталями cугубо оркестровой пьесе "Nalvorelda"; магия Fugato ощущается здесь в полной мере. "Ébredés / Awakening" - серьезная заявка на авангард модернистского плана; похоже, в этом четырехминутном сегменте Балашу удалось наконец реализовать потаенные амбиции и создать нечто, несвойственное ему ранее. Весьма недурственны полу-академический набросок "Interlude - Nalvorelda remix" и трудно идентифицируемая гипнотическая прогрессия "Tatiosz / Tatius". Драматическая интерлюдия "Világsíró Asszony / The Timeless Wheeper" выделяется отчетливой тягой к "театральности", тогда как расположенная рядом "Csak egy népdal / Just a folk song" - замысловатый опыт по синтезу мотивной народной балладности с полифоническими аранжировочными структурами. Изяществом и моцартианской кружевной легкостью пленяет филармонически ориентированный номер "Játszótér / Playground", а его ближайший сосед "Joke" демонстрирует отменные симфонические фьюжн-кондиции. Красивая песенная история "Amália dala / Amália's song", фигурально выражаясь, пункт отдыха перед концепт-финалом - титульным эпиком "NOÉ / NOAH" - сверхмассивным саунд-ковчегом, воздвигнутым Альпаром и Кº на зависть прочим коллегам по цеху.
Резюмирую: на редкость занимательный и по-хорошему оригинальный звуковой экскурс, способный удовлетворить чаяния разнопородных слоев прогрессивного сообщества. Очень рекомендую.

7 апр. 2011 г.

Titus Groan "Titus Groan" [plus 3 bonus tracks] (1971)

Титус Гроан - персонаж одноименного романа (1946) английского писателя Мервина Пика (1911-1968), положившего начало фундаментальной трилогии о Горменгасте. В Западной Европе это произведение давно завоевало культовый статус, окружив себя преданной армией поклонников. Одним из восторженных почитателей литературной саги являлся молодой музыкант Джон Ли. Когда в 1968 г. парню втемяшилось в голову учредить собственный бэнд, вопрос с названием решился мгновенно. С полгода ушло на стабилизацию состава, который в конечном счете стал выглядеть так: Стюарт Кауэлл (клавишные, гитара, вокал), Джон Ли (бас), Тони Пристленд (саксофон, флейта, гобой), Джим Туми (ударные). Надо сказать, в стилистическом отношении группа росла как на дрожжах (что особенно заметно по бонусам). Если в семидесятом четверка с энтузиазмом "нарезала" приджазованный ритм-н-блюзовый попс, то изданный позже полноценный лонгплей содержал изрядно "повзрослевший" материал, исполненный со знанием дела.
Хард-блюзовое наследие прошлого "аукается" в стартовом номере "It Wasn't for You": ритм-секция здесь работает в весьма характерном ключе, однако мощные брассовые партии выводят структуру на уровень крепкого фьюжн-сочинения. Эпическая 12-минутная пьеса "Hall of Bright Carvings" включает в себя множественные оттенки прог-спектра - от намеченных пунктиром фольклорных интонаций до вкуснейшего залихватского джаз-рока, сдобренного эпизодическими напевными хоралами. Флейта, гитара и орган образуют своего рода драматическую триаду в проникновенной фреске "I Can't Change", отличающейся резкими, но удивительно продуманными сменами настроения: меланхолия + просветленный мажор, соединяющий биг-битовый бэкграунд с бессловесными "пабабадам", присущими, в частности, комедийным саундтрекам румыно-французского маэстро Владимира Косма. "It's All Up with Us" - мотивная история, без лишнего напряга излагаемая в приятной джаз-артовой манере; и лишь ближе к завершению композиции Titus Groan ускоряют темп, изображая коллективное "скатывание с катушек". Впрочем, подобная псевдо-хулиганская выходка нисколько не портит общее впечатление от звукового рисунка. И вот финал, энергичная вещь "Fuschia", выдержанная в русле британского прото-прога тех лет, частично напоминающая опусы соплеменников - Jody Grind.
Вышедшую на лейбле Dawn пластинку встретили с интересом. И казалось, нет преград для восхождения к вершинам успехам. Но усилившаяся конкуренция расстроила виды наших героев на дальнейшую совместную деятельность. Кауэлл сперва метнулся под крыло к Полу Бретту, после играл с Алексисом Корнером и другими артистами. Ударник Туми в интервале с 1978 по 1980 гг. трудился в new wave формации The Tourists за компанию с Энни Леннокс и Дэйвом Стюартом. Судьба двух оставшихся членов ансамбля, к сожалению, неизвестна.
Что же касается непосредственно Titus Groan, то их творчество я искренне рекомендую любителям типично английского раннего арт-рока на джазовой основе.

5 апр. 2011 г.

Quaterna Réquiem "Quasimodo" (1994)

Национальное достояние Бразилии. И это не шутка, не громкие слова, но чистая правда. Quaterna Réquiem - живые классики симфонического прогрессива Южной Америки, одни из законодателей жанра; творческая лаборатория, давшая старт ряду сторонних профильных коллективов (Kaizen, Index и др.). По воле создателей, - Элизы Вайерманн (клавишные) и Клаудио Дантаса (ударные; к слову, родственники - брат и сестра) - ансамбль задумывался как объединение музыкантов, способных выражать оркестровый дух арт-роковыми средствами. Основным композитором и аранжировщиком изначально выступала Элиза - девушка с консерваторским образованием и достаточно серьезными амбициями.
Дебютная пластинка QR "Velha Gravura" (1990; в 1992 г. альбом выпущен на CD с двумя дополнительными треками) явилась хорошим трамплином для новичков, доказав их состоятельность и продемонстрировав академический подход к сочинению пьес. Однако далее что-то разладилось внутри самой группы: состав покинули Клебер Фогель, Марко Лаурия и Джонс Джуниор. Заменой им стали гитарист Жозе Роберто Кривано и басист/лютнист Фабио Фернандез. С этими людьми и была записана фундаментальная программа "Quasimodo".
Преимущественно инструментальное собрание исполнений открывается игровой зарисовкой "Fanfarra". В звуковой палитре явственно преобладают синтезаторы Элизы, солирующей в манере, инспирированной экзерсисами Рика Уэйкмана образца семидесятых. Эпическое полотно "Os Reis Malditos" зиждется на сочетании стилизованных старинных мотивов (романтическая элегия в интроспективной фазе, гавот салонно-дворцового свойства) с бьющей ключом живительной силой прогрессива, настоянного на стремительных клавишных пассажах и умелых электрогитарных партиях. Несколько озорная "Aquintha" понижает градус чопорности: бодрая и весьма позитивная конструкция, частично напоминающая произведения английских многостаночников Gryphon. "Irmãos Grimm", посвященная знаменитым немецким братьям-сказочникам, кондиционно перекликается с содержимым безымянного первенца Index, что в принципе неудивительно: школа-то одна. Впрочем, все вышеозначенные вещи можно рассматривать в качестве затяжной прелюдии к главному "блюду" - 39-минутной титульной сюите, навеянной сюжетными коллизиями романа Виктора Гюго "Собор Парижской богоматери". Дабы гарантированно погрузить слушателя в атмосферу средневековья, синьора Элиза пригласила к сотрудничеству духовика Серджио Диаза (ответственный за рекордеры + крумгорн во вступлении "The Madmen's Pope" и в центральном фрагменте "Esmeralda"), а также доверила вокальную линию григорианского толка в эпизоде "Notre Dame" настоящему монаху-бенедиктинцу. Остальные части этого магнум-опуса базируются на бессловесных тональных переходах от активных прог-всплесков к среднетемповой (местами астральной) драматике "высокого штиля"...
Резюмирую: интересный и по-своему разноплановый релиз, в котором полет фантазии неотделим от предельно выверенного авторского расчета. Поклонникам комплексного неоклассического арт-рока - на заметку.

2 апр. 2011 г.

Stackridge "Purple Spaceships Over Yatton - Best of Stackridge" (2006)

Вертикаль британской рок-музыки семидесятых сопоставима с канонической структурой антологии древнегреческих мифов: здесь имеются и боги - властители прогрессивного Олимпа, и герои, не претендующие на главенство, однако же славные своими деяниями. К последним с полным право можно отнести Stackridge - ансамбль, чье богатое творческое наследие являет собой настоящий культурный феномен рок-сцены Туманного Альбиона.
В 1969 г. уроженец Бристоля Джеймс Уоррен (гитара, вокал) перебрался в близлежащий город Бат, где вскоре свел знакомство с Энди Дэвисом (гитара, клавишные, вокал) и Джимом "Crun" Уолтером (бас), игравшими в местной блюзовой группе. Проникшись друг к другу симпатией, ребята отважились на создание совместного коллектива, коим стал Stackridge Lemon (в 1970 г. "лимон" отпал за ненадобностью). В состав участников вошли также флейтист Майкл "Mutter" Слейтер, скрипач Майк Эванс и ударник Билли "Sparkle" Бент. Необычный репертуар бэнда в исходной стадии складывался из различий во вкусовых предпочтениях авторского трио Уоррен/Дэвис/Уолтер. Если Джеймсу импонировали стройные гармонии The Beatles, то Энди в собственных опытах отталкивался от гиперкомплексных выкладок Фрэнка Заппы, а Джим Уолтер попросту фанател от Incredible String Band и Fleetwood Mac. Как признался впоследствии Уоррен, "на ранних этапах нашей деятельности я главным образом заботился о мелодике песен, тогда как Crun и Дэвис опирались на привычный им блюзовый гитарный базис". Впрочем, тут маэстро Джеймс несколько скромничает, ибо инструментальное наполнение подавляющего большинства опусов Stackridge несет в себе не только здоровый элемент эклектики, но к тому же сдобрено порцией юмора, проникающего даже в названия треков. Теперь немного о самой компиляции.
Заявленные в сборнике произведения (таковых наличествует пятнадцать) прекрасно отражают разносторонность взглядов создателей и уникальный саунд-колорит, присущий исключительно Stackridge. Разумеется, дело не обошлось без "коронных" хитов вроде "Lummy Days" (визитная карточка команды), "Do the Stanley" или "Dora the Female Explorer". Достоинства вышеперечисленных сочинений очевидны каждому, но если желаете прочувствовать истинное креативное волшебство англичан, рекомендую повнимательнее вслушаться в развернутые эпические конструкции - "Syracuse the Elephant" и особенно "Purple Spaceships Over Yatton", со временем превратившуюся в "изюминку" концертных программ формации. Магическими флюидами пронизана драматическая элегия "Coniston Water", в чем-то близкая по кондициям к отдельным пьесам шведов Änglagård. Струнная аранжировка в колыбельной "Humiliation" исполнена под руководством великого продюсера Джорджа Мартина по тем же рецептам, что и в легендарной битловской "Eleanor Rigby". Да и в целом подобных нюансов на диске хватает. А поскольку словами всего не расскажешь, советую обратиться непосредственно к первоисточнику. Поверьте, он этого заслуживает.