27 мая 2009 г.

Kosmos "Polku" (2007)

В переводе на русский короткое финское слово "polku" означает "путь". И это довольно точно отражает суть второго альбома ребят из города Турку. Музыкальное странствие "космонавтов" по-своему весьма занимательно. Начав его в составе команды Viima, секстет из Суоми с каждым шагом все более отдалялся от прог-рока классического европейского образца в сторону народных мотивов озерного северного края, не отказываясь при этом от электрического аналогового инструментария. Живительная сила нестареющих лапландских напевов - вот источник вдохновения для скромных скандинавских арт-рокеров. Данная программа служит естественным продолжением предыдущего диска "Tarinoita Voimasta" (2005). За два года в рядах Kosmos свершились отдельные изменения, но основные действующие лица уцелели. Как и прежде, голосом ансамбля является фолк-дива Пяйви Килмянен. Ее очаровательный вокал под акустический аккомпанемент в инстроспективном треке "Polku I" задает тон всей пластинке. Эстафету подхватывают сопровождающие леди Пяйви мужчины: Киммо Ляхтинмяки - ударные, орган, пиано, меллотрон, синтезатор; Яапо Хилениус - гитара, конги; Исмо Вирта - гитара, орган, меллотрон, синтезатор; Кари Вайнионпяа - гитара, бас; Олли Валтонен - терменвокс, перкуссия. Помогают им приглашенные скрипач Юкка Аалтонен и мастерица игры на духовых Паулиина Исомяки. Что же выдает нам в итоге столь дивное содружество исполнителей? Чарующее полотно концептуального толка, хронометраж которого до обидного невелик: всего-то тридцать восемь минут. Впрочем, оно - мелочь, ибо музыка превыше всяческих похвал. Пресловутый нордический минор тотально царит в каждой из композиций. Но - парадокс - нет в нем депрессивного мрака и смурной осенней тяжести. Прозрачный "серебристый" тембр певицы придает содержимому треков легкий сказочный флер. Неторопливая ритмика подчеркивает балладно-былинную сущность творчества Kosmos, близость к корням. Роковых красок здесь поменьше, нежели в дебюте, но в плане драматургии, умелого развертывания интриги "Polku", пожалуй, даст фору многим. Послушайте, к примеру, пьесу "Eksyin" с ее темнеющими на горизонте меллотроновыми кущами, напряженными гитарными переборами, вкрадчивой флейтой и печальным хоралом Пяйви Килмянен: чистой воды звуковой триллер. Любителям пощекотать нервы стоит также обратить пристальное внимание на вполне невинный с виду номер "Ouija": по интонационному строю вроде бы колыбельная, однако же призрачные саунд-эффекты, нагнетаемые маэстро Вялтоненом, заставляют держать ухо востро; не иначе, перед написанием опуса участники коллектива в массовом порядке приобщались к наследию дядюшки Хичкока. Впрочем, мечтательно-лирическая вещица "Nuoruus" сглаживает остроту впечатления, уводя нас в абсолютно иную плоскость, к чертогам гармонии и света...
Резюмирую: замечательный, оригинальный, по-настоящему колоритный релиз. Очень рекомендую.

25 мая 2009 г.

David Lanz "The Symphonic Sessions" (2003)

Вздумай он писать мемуары, ручаюсь, чтиво вышло бы увлекательное. И название у них наверняка было бы благопристойно-пафосное, что-нибудь вроде "Моя жизнь в искусстве" (незримый реверанс великому Станиславскому). Однако в свои пятьдесят восемь маэстро далек от подобной мысли. Да и не мудрено, ведь призвание его - музыка.
Дэвид Ланц - один из наиболее почитаемых американских композиторов/исполнителей в стиле "нью эйдж". Но сводить творчество артиста лишь к приятственным сладким мелодиям в корне неверно. Вехи биографии этого уроженца Сиэттла куда интереснее и шире, чем может показаться непосвященному. В середине шестидесятых Дэвида неудержимо влекло к рок-н-роллам и блюзам. Именно такой игровой манеры придерживалась его первая команда The Towne Cryers. Затем настал черед прото-прогрессива, которым Ланц занялся в составе канадского ансамбля Brahman (любопытно, что доверили ему не клавишные, а бас-гитару). Ну, а дальше наш герой увлекся музыкальными экспериментами, призванными способствовать открытию у слушателя естественных энергетических каналов, записал серию фортепианных альбомов, снискавших успех у определенной части аудитории. Имя его сделалось известным публике, волной пошли выступления по городам и весям. Но и в текучей череде нью-эйджевых будней находилось время для весьма любопытных затей: (например, сотрудничества с гитаристом Полом Спиром, результатом коего явились три пластинки своеобразного пейзажного софт-арта). Словом, не все так просто в карьере этого достопочтенного джентльмена. И "Symphonic Sessions" - еще один занимательный штрих к портрету Мастера.
Этот концерт для фортепиано и группы с оркестром по сути свел воедино три стихии, пленяющие Ланца и ранее: всеобъемлющий симфонизм, тонкую пианистическую элегийность и ритмические рок-отголоски. Программа содержит преимущественно авторские вещи самого Дэвида, аранжированные по законам означенных жанров. Впрочем, открываются сессии посвящением первопроходцам - культовым англичанам The Moody Blues, подарившим миру бессмертную "Nights in White Satin". Последующими опусами (очаровательным красочным "Sitting in an English Garden" и особенно разнокалиберно-мощным "Vesuvius") мистер Ланц демонстрирует сверкающие грани композиторского таланта (черт подери, а ведь мог бы запросто работать в симфо-проговом ключе!). Лирико-драматический этюд "Prelude - The Approaching Night" - серьезная заявка на классику, в то время, как его логическое продолжение - "Nocturne" - невероятно образное полотно саундтрекового толка. Центральная часть диска - два камерно-нью-эйджевых номера ("Cristofori's Dream", "Water from the Moon"), зафиксированных в момент живого перформанса Дэвида. Бетховеновскими интонациями веет от нестандартной интерпретации знаменитой битловской "Girl". В пьесе "Where the Tall Tree Grows" преобладает сильное натурфилософское начало. Замыкает действо трехчастная инструментальная поэма "The Skyline Firedance Suite" - апофеоз творческих амбиций мессира Ланца. Впечатляюще красивая, виртуозная, не лишенная глубины фреска.
Итог: изысканно-утонченный релиз, отличный повод немного отдохнуть от неуемных проговых сложностей. Наслаждайтесь.

19 мая 2009 г.

Narrow Pass "In This World and Beyond" (2009)

Представители итальянского арт-рока снова в деле. Факт отрадный, поскольку дебютное творение Narrow Pass "A Room of Fairy Queen's" (2006) - чистый образец редкостной элегантности. Пресытившись чертогами королевы эльфов, доблестный синьор Марко Монтоббио (гитары, гитарный синтезатор, клавишные, перкуссия) решил абстрагироваться от душных рамок этого мира и отправился за кромку горизонта, туда, где простирается могучая бездна вневременья. Компанию ему составили верные соратники: вокалисты Валерия Каучино и Алессандро Корвалья, басист Роберто Коста и легендарный ветеран-духовик Эдмондо Романо. Помимо проверенных бойцов Марко привлек к делу новобранцев - ударников Андре Беккаро и Андре Орландо, флейтиста/саксофониста Сандро Маринони, пианистку Элизу Монтальдо и скрипача Вито Дентамаро. В общем, солидные собрались люди. И надо признаться, не зря собрались.
С первого же трека "In This World And Beyond / Just For You " слушателя погружают в романтическую атмосферу: шум прибоя, акустическая гитара, прекрасные женские хоралы... Чувствуется, что маэстро Монтоббио весьма по душе подобные элегические этюды. Не соблазняясь закрученной "прогрессивностью", Марко творит музыку, которая у него получается лучше всего - мелодичную, воздушную, по-хэккеттовски изящную, приправленную оттенком пасторальности. Тонкие переходы от чувственной земной красоты к таинственной грусти далеких небес подчеркивают фэнтезийность происходящего. В инструментале "Beyond" нас поджидают плавные гармонии клавишных и электрогитары, элементы фолка и не утруждающая излишней смысловой нагрузкой звуковая безбрежность. Эпическая поэма "Silver Lady" - это прежде всего чарующая магия старинных ирландских напевов, растворенных в светлой арт-роковой палитре, тогда как двойная связка "Somewhere By The Sea / Timeless" по своим игровым характеристикам напоминает славных предшественников Narrow Pass - ансамбль Eris Pluvia: гитарно-саксофонные дуэли, ударные пассажи маскирующегося под орган синтезатора, искрящиеся электронные переливы... В "Heaven's Crying" имеют место флойдоподобные астральные соло и космический флер, свойственный ранним Ayreon + прочувствованные певческие партии (невесомое сопрано Валерии и коллинзовские интонации Алессандро); шикарная спейс-симфоническая пьеса. "In Your Eyes" - прозрачный лирический вояж на крыльях теплого бриза, отголоски которого проникают в самое сердце. Ну, и наконец финальный 9-минутный опус "Flying From Ireland" - квинтэссенция мечты, ожившее сновидение, пропитанное колдовским ароматом древности.
Итог: великолепная работа, предназначенная в первую голову тем, кто не утратил веру в чудеса. Рекомендую.

16 мая 2009 г.

Fantasmagoria "Day and Night" (2009)

"Скрипичный прогрессив" - оттиснуто мелким шрифтом под шапкой Fantasmagoria. И это как нельзя лучше характеризует музыкальную направленность коллектива. У руля инструментального квинтета из Страны Восходящего Солнца стоит хрупкая девушка Мики Фуджимото. Выпускница консерватории г. Сан-Франциско (США) и престижной испанской Escuela Superior de Musica Reina Sofia, она и по возвращении на родину продолжала неустанно совершенствоваться, постигая искусство композиции и премудрости джазовой гармонии в школе Пан. Здесь же произошла судьбоносная встреча с будущими коллегами по ансамблю. Помимо Мики (скрипка), в состав Fantasmagoria вошли гитарист Юнпей Озаки, клавишник Рюичи Одани, басист Наоки Китао и ударник Масатака Сува. Благодаря активной концертной деятельности и участию в международных прог-фестивалях арт-роковая артель во главе с Фуджимото-сан приобрела известность за пределами Японии. Впору было задуматься об альбоме...
Дебютное собрание демо-записей Fantasmagoria под названием "Energetic Live" было выпущено еще в сентябре 2004 года. Но полноценный релиз "Day and Night" увидел свет лишь в марте 2009: сказалась сильная гастрольная занятость ребят. Основа программы - проверенные временем композиции, неоднократно исполнявшиеся музыкантами со сцены. Центральный образ миниатюрной азиатки со скрипкой в руках, конечно, не нов: достаточно вспомнить всемирно популярную артистку Ванессу Мэй. Однако мелодические структуры Фантасмагории лежат в абсолютно иной плоскости. Несмотря на разницу во вкусах ведущих композиторов команды (если у Мики в фаворитах числятся Asturias и Dream Theater, то маэстро Озаки обожает Red Hot Chili Peppers, Aerosmith и Элвиса Костелло), сотканные ими звуковые полотна выдержаны в предельно целостной гамме. Классические интро, построенные на мотивах барокко (скрипичные соло в обрамлении имитирующих клавесинный саунд синтезаторных партий), сменяются насыщенным и напористым симфоническим прогрессив-роком. Блестящее комплексное образование Фуджимото позволяет ей без особого труда сочетать в собственных произведениях фольклорные традиции народностей Северной Европы, замысловатые джазовые экзерсисы, крепчайший фьюжн в духе The Mahavishnu Orchestra и многое другое. Варьирование темпа в сочинениях осуществляется с поистине восточной скрупулезной изощренностью, и не последнюю роль здесь играет невероятная ритм-секция: мощнейшие басовые линии подчеркиваются отточенным пунктиром ударных (наиболее показателен в техническом отношении головоломный номер "MNK"). Порою японцы обращаются к лирическим темам ("The Sparrow"), одновременно несущим в себе нечто умозрительно-таинственное. Но мечтательным рефлексиям в канве их сочинений отводится самое скромное место...
Словом, наикрутейший, многоступенчатый, профессионально воплощенный материал, рассчитанный на серьезного слушателя. Рекомендую подкованным меломанам со стажем.

12 мая 2009 г.

Jade Warrior "NOW" (2008)

Этого часа фэны Jade Warrior ждали долгих десять лет. Именно столько времени прошло с момента издания альбома "Fifth Element" (хотя в хронологическом отношении оно вряд ли правильно, ведь сам материал был записан еще в 1973 году). Конечно, все кругом понимали: после кончины гитариста Тони Дьюига прежних JW больше не будет. Однако надежда на чудо теплилась. И вот заветный миг наступил, легенда ожила в новом качестве. Во главе с неизменным Джоном Филдом (флейты, перкуссия, клавиши), с Глином Ховардом (гитара) на вокале (и это спустя тридцать пять (!) лет после его последнего выступления в составе Нефритового Воина), с удивительным Дэйвом Стюртом в роли басиста и клавишника. Довольно странно, что маэстро Филд не привлек к делу другого ветерана - Дэвида Дьюига. Но, видимо, творческие разногласия удержали его от альянса с лидером Dogstar Poets - своеобразной вариации на тему JW образца 2002 г. Как бы то ни было, а в процессе сотворения "NOW" дефицита в помощниках Джон не испытывал. Аккомпанировать вышеозначенной троице вызвались известный сессионный саксофонист Тео Трэвис, гитарист Тим Стоунз, пианист Крис Ингэм и ударник Джефф Дэвенпорт. Плюс еще пятерка гостей, имена которых в целях экономии места оглашать не станем. Итак, что же предложили Jade Warrior на сей раз? Ни много, ни мало - заглянуть в прошлое сквозь ультрамодные окуляры Миллениума. Эти убеленные сединами, разменявшие седьмой десяток корифеи точно найденной интонацией и поразительными по свежести инструментальными средствами сводят на нет притязания нынешних нео-психоделистов. Филд, дай ему Боже долгих лет жизни, оказался прозорливее и на пару порядков прогрессивнее многих и многих, действующих сегодня артистов интеллектуальных жанров. Его флейта, то мечтательно-нежная, то пронзительно-тревожная плавно реет в поистине колдовской атмосфере звуковых полей (Дэйв Стюрт, серьезно взявшись за саундскейповую часть, проявил себя натуральным кудесником). Обманчиво тихие сказки-размышления на протяжении первой половины программы убаюкивают, уносят в далекие заоблачные выси. Голос Ховарда, нарочито монотонный, бесстрастно ворожит в наушниках. Впрочем, внешняя невозмутимось - не более чем иллюзия; мастерская гипнотерапия от знатока смысловых нюансов, умело цепляющего слушателя на крючок. Стилистическая картина богата неожиданностями: в пространной транс-артовой пелене скользят строгие джазовые силуэты, клубятся на горизонте загадочные миражи извечно притягательного Востока. И в этой невесомой благодати мелькает призрак старорежимного блюза, пропущенный сквозь толщу цифровых примочек и кримзоидную хаотическую шизоидность. Переходы от возбужденно-маниакальных стенаний, пружиной закрученного драйва к тотальной расслабленности исполнены в высшей степени виртуозно. Ну а буйной фантазии сочинителей остается лишь позавидовать.
Итог: обожателям JW начала 1970-х - a must have. Тем, кто знаком преимущественно с безвокально-нью-эйджевым наследием команды, также советую приобщиться. Хотя бы для расширения кругозора.

10 мая 2009 г.

Asturias "Circle in the Forest" (1988)

Восьмидесятые, как известно, были не лучшим временем для художников звука. Тем более - эстетов со склонностью к импрессионизму. Расцвет и умирание диско, буйная поросль пригламуренных помп-металлических идолов, дикое нашествие сурового скандинавского тру-блэка... Если кому-то в этой кутерьме и оставалось дело до истинного искусства, то лишь немногочисленным артистам из разных уголков планеты. Одним из них являлся японский музыкант Йо Охаяма. В 1987 году этот двадцатипятилетний композитор, вдохновляемый ранним творчеством англичанина Майка Олдфилда, задумал воплотить в жизнь собственную арт-роковую сказку. Человек по натуре молчаливый, Йо изначально взял курс на сугубо инструментальный материал, справедливо рассудив, что музыке без слов легче будет пробиться сквозь международные языковые барьеры. В довольно короткие сроки маэстро Охаяма сочинил пять номеров, главный из которых - грандиозный эпик "Circle in the Forest" подарил название всему альбому.
Несмотря на тот факт, что Asturias - это по большому счету сам Йо (компьютерное программирование, синтезаторы, электрическая и акустическая гитары, бас, перкуссия), в записи ему помогали экс-участники симфо-прогового коллектива Shingetsu - гитарист Харухико Цуда и клавишник Акиро Ханамота. Драммером на пластинке стал Кацуми Сакураи, а в качестве специально приглашенных гостей отметились бэк-вокалистка Йоко Уено, гитарреро Хироши Очиаи и мастер "художественного стука" Хаджиме Такеуши, играющий на африканских барабанах. В столь теплой компании и был претворен в реальность "Circle in the Forest" - многослойный релиз, полный лирического пейзажного очарования и приправленный едва уловимым фэнтези-ароматом. В открывающей композиции "Ryu-Hyo" по воле мастермайнда проекта сталкиваются лбами камерный классицизм и светлый волшебный нью-эйдж. Надо сказать, что данная вещь стала знаковой для последующей реинкарнации Asturias (по прошествии лет Йо возродил ансамбль в акустическом формате и на миньоне 2005 г. "Birds Eye View" увековечил "Ryu-Hyo" в новой аранжировке). "Clairvoyance" - бодренький синти-прог, заряжающий оптимизмом и жаждой действия, по-хорошему контрастирующий с последующей, безумно красивой элегией в симфонических тонах "Angel Tree". "Tightrope" звучит как и положено мелодическому арт-року 1980-х - в пластмассово-поверхностном электронном ключе, но с живой и вполне адекватной ритм-секцией, мечтательно-рефлексивными вставками и весьма недурственной электрогитарой. Венец фантазии скромного японца, трек "Circle in the Forest" - прекрасная сюита, выражающая тонкую душевную организацию господина Охаямы, его типично восточную склонность к вдумчивой созерцательности и в то же время - стремление уравнять на чаше весов это тихое умозрительное состояние с игровым драйвом, присущим прогрессиву европейской школы.
Итог: замечательный экскурс в мир магического реализма Asturias. Рекомендуется поэтам, художникам, мыслителям и людям творческих профессий.

6 мая 2009 г.

Bonfire "Bonfire Goes Bananas" (1975)

Bonfire - своего рода продюсерский проект. Согласно стратегии руководителей голландского филиала концерна EMI, этот инструментальный квартет должен был занять почетное место ветеранов фламандского прога Focus. Дошло до смешного: новоиспеченным "наследникам престола" передали часть оборудования старших товарищей вкупе с туровым автобусом команды Тийса ван Лира. Словом, ставки были сделаны, и теперь ребятам оставалось главное: оправдать доверие боссов. Мастермайндом ансамбля стал органист/духовик Франк Витте: именно ему Bonfire обязаны львиной долей материала со своей единственной пластинки. Шесть безвокальных треков (включая один 19-минутный эпик) - таков итог коллективного напряжения сил. В плане композиционно-гармонического построения четверка исполнителей революции не произвела. Парни выдали тот продукт, который от них и ждали. И надо сказать, сработано оно на совесть. Конечно, до уровня грандов возвыситься им не удалось, но творческий замес из кентерберийского арта и симфонического прогрессива получился весьма недурен. Характерный (почти канонический) голландский саунд семидесятых заставляет вспомнить разом как уже упомянутых Focus, так и других монстров нидерландской школы - Supersister и Finch. В центре внимания - виртуозные клавишно-гитарные раскладки, оттеняемые ритмическими эскападами. Обильное использование Франком Fender Rhodes пиано, почитаемого в джаз-роковой среде, и классического рояля Steinway придает драйвовым инструменталам группы обтекаемую мягкость звучания. Партии гитариста-флейтиста Юджина Ден Хоеда также исполнены плавности линий и без причины не режут слух. Даже в трехминутные этюды участники Bonfire умудряются впихнуть максимальное количество аранжировочных приемов, от чего любой короткий номер воспринимается здесь абсолютно законченной историей. Тематическое настроение варьируется от задорно-юморного до меланхоличного. Есть и откровенные приколы в духе шведских абсурдистов Samla Mammas Manna (в этом отношении наиболее показательной является пьеса "Chinese in Europe (Part I)"). Включение в палитру духовых добавляет результату изысканной тонкости и своеобразного шарма. Любопытно, что мотивационные ходы замыкающего магнум-опуса "The Sage Of The Running Nose" фрагментарно совпадают с пассажами из сюиты "Welcome to My Rock and Roll" немцев Inquire, записанной тридцать лет спустя.
В целом же, изобретательные и комплексные игровые полотна Bonfire могут служить отличной иллюстрацией богатых возможностей прогрессивного рока для человека неискушенного и наверняка придутся по вкусу поклонникам искрящейся фантазией музыки а ля Greenslade, Camel и Happy The Man.

3 мая 2009 г.

Renaissance "Da Capo" (1995; 2 CD)

Согласно хронологии, Renaissance - один из старейших британских артовых агрегатов, первый состав которого сформировался еще в 1969 году. Но этот ансамбль в содержательном отношении имел мало общего с тем, коему суждено было впоследствии занять почетное место в международной иерархии грандов рок-музыки. Начало подлинной истории Renaissance относится к 1971-72 годам, когда с приходом вокалистки Энни Хэслэм обозначилось новое, бесконечно привлекательное лицо группы. Впрочем, не стоит забывать и остальных участников коллектива, ответственных за инструментально-аранжировочную составляющую творческого наследия Renaissance. Майкл Данфорд (гитара), Джон Таут (фортепиано, клавишные), Джон Кэмп (бас) и Теренс "Терри" Салливан (ударные). Именно им мы, слушатели, обязаны восхитительным полетом фантазии и композиционно-исполнительским великолепием, которые не покидали команду на протяжении большей части пути. В данной связи хочется упомянуть и поэтессу Бетти Тэтчер, сотрудничество с которой явилось залогом создания целого ряда превосходных вещей; многие из них вошли в рассматриваемую здесь компилятивную программу "Da Capo", изданную немецким прогрессивным лейблом Repertoire Records.
Временной охват двойного релиза составляет без малого четырнадцать лет: с 1969 по 1983 г. Отсчет ведется от треков "Kings and Queens" и "Island". По сути, наглядная демонстрация приличного авторского потенциала еще не реформированных Renaissance, когда у руля находились гитарист/вокалист Кит Рельф и ударник Джим МакКарти. Синтез классических пианиссимо с пластами психоделии и ритм-н-блюза во весь голос заявляет о себе уже здесь. Фортепианные раскаты Джона Хоукена довольно любопытным образом взаимодействуют с ритм-секцией, рождая на свет самобытный саунд, необходимую платформу для Renaissance второго созыва. Прибавьте сюда смешанные вокальные партии (вместе с Китом пела его жена Джейн) и стремление к сложным эпическим формам... Вот и выходит, что будущие маститые артисты начинали отнюдь не с чистого листа. И ударное клавишное интро в пьесе "Prologue" - красноречивое подтверждение преемственности курса (собственно, виртуозные партии органиста Таута в течение длительного периода служили мелодическим стержнем для сочинений квинтета). Однако речь идет не о копировании. Обновленцы активно взялись за развитие манеры отцов-основателей, и введя в палитру элементы английского фольклора, достигли совершенства на альбомах "Turn of the Cards" (1974) и особенно "Scheherazade and Other Stories" (1975). Во второй половине 1970-х замечательные британцы несколько сбавили обороты, сделав ставку на красоту голоса мисс Хэслэм и выразительные пассажи Джона Таута, но до идейного кризиса было еще далеко...
Итог: отличная экскурсия в светлый образный мир выдающегося прог-ансамбля. Очень рекомендую.