30 июн. 2008 г.

Gargamel "Watch for the Umbles" (2006)

Гаргамель - персонаж известного французского комикса о смурфах (сине-белых гномах). По сути своей, типаж довольно злобный и склочный. Непонятно, чем он так зацепил пятерых норвежских парней, но назваться они решили именем этого постыдного члена гномьего сообщества. Том Углебаккен (гитара, вокал, флейта, саксофон), Гайр Торнес (бас-гитара), Лейф Эрленд Хьелмен (виолончель), Бьорн Вигго-Андерсен (клавишные) и Мортен Торнес (ударные, перкуссия, вокал) в собственных изысканиях пошли проверенной ретро-проговой тропой. Только вот путь их, в отличие от соотечественников Wobbler, лежал не по солнечной сказочной стороне, а все больше болотами да мрачнейшими чащобами. Музыка Gargamel, выражаясь языком киношным, олицетворяет собою темную сторону жизни. Эти патологоанатомы душ человеческих крайне умело орудуют звуковыми скальпелями, дотошно препарируя людские страхи, воздействуя на нервные окончания слушателя. Пульсирующие рефлексии "Watch for the Umbles" в чем-то перекликаются с творчеством британских корифеев жанра - Van Der Graaf Generator. Аналоговая атмосфера диска тембрально тепла, но это мнимая теплота. В лице Gargamel мы имеем весьма ершистый арт-роковый экземпляр. От беспросветного вокала Тома Углебаккена веет какой-то загробной тоской. Хаммондно-меллотроновые пассажи Вигго-Андерсена при поддержке виолончели Хьелмена обеспечивают необходимый колорит и пищу воображению. Темп меняется от трека к треку. Есть здесь и погребальные плясовые, и траурные вальсы, и джазовые пробежки электропиано, и легкая "кримзонутость" отдельных моментов - в общем, полный минор в лучших скандинавских традициях. Иногда оно красиво до безобразия (особенно, когда в общее действо вплетается флейта), иногда скорбно до одури. Но однозначно здорово. Первенец получился что надо, не комом, а совсем наоборот. Зрелый, эпический, по-хорошему старомодный, и при том меланхолично-эксцентрично-неврастеничный прогрессив-рок.
Кушать подано, господа меломаны. Прошу к столу.

29 июн. 2008 г.

Beardfish "Sleeping in Traffic: Part 2" (2008)

Позиции скандинавского прога на международной арене традиционно сильны. И прошлогодний дебют молодых шведских ребят из Beardfish еще раз убедительно продемонстрировал сие. По сравнению с большинством современных арт-роковых составов, увязших в бесконечных клише, парни звучат как минимум свежо и очень интересно (и это несмотря на ярко выраженные ретро-тенденции в их творчестве).
Итак, после выхода "Sleeping in Traffic: Part 1" группу заметили и пригласили поучаствовать на сентябрьском фестивале ProgDay (США), где их выступление просто взорвало публику. Компакты Beardfish разобрали в считанные мгновения (к немалому удивлению самих "рыб-бородачей"), как следствие, интернациональный контингент поклонников коллектива существенно вырос. Столь успешное начало вдохновило северных прогрессоров на дальнейшие подвиги, и по возвращении в родной город Гавле талантливая четверка засела за работу.
"Sleeping in Traffic: Part 2" - альбом весьма яркий. Как и ранее, 99 процентов материала написано лидером команды - мультиинструменталистом Рикардом Шёблумом, отвечающим за орган, фортепиано, синтезаторы, аккордеон, вспомогательную гитару и основной вокал. Однако стилевая палитра здесь гораздо шире. Откровенного посягательства на "святые мощи" Gentle Giant слушатель уже не заметит. Зато несомненно порадуется элементам польки, фолк-рока и оперетты, сплетенным воедино с изысканными прогрессиями. Местами это звучит похоже на юморной нордический арт-рок в манере Samla Mammas Manna, местами вспоминаются Genesis эры Питера Гэбриэла. Однако в целом Beardfish никого не клонируют, оставаясь привлекательными как раз за счет самобытности. По признанию маэстро Шёблума, песни записывались старинным способом на многоканальный магнитофон, в результате "вышло клево". Саунд и впрямь типично семидесятнический, настоящий пир духа для меломана-ностальгиста. И в центре этой занимательной конструкции грандиозный заглавный эпик длиною аж в 36 минут (!) - один из старейших опусов Beardfish, исполнявшийся на концертах еще в 2002 году, но дозревший до студийного воплощения лишь теперь. Вот здесь-то бравый квартет развернулся на полную катушку, задействовав богатый арсенал своих средств, по ходу трека легко и ненавязчиво расправляюсь с довольно непростыми ритмико-мелодическими задачами, увлекая за собой в стремнину жанровых наслоений - от заводного харда до не менее заводного диско. В общем, не релиз, а одно сплошное удовольствие. Рекомендую.

28 июн. 2008 г.

Zaal "La Lama Sottile" (2004)

Zaal - детище итальянского композитора и клавишника Агостино Макора. Проект объединил в работе целый ряд замечательных музыкантов, включая безотказного басиста Фабио Дзуффанти и гитариста Стефано Марелли (оба - Finisterre, Höstsonaten). Представленный на альбоме материал охарактеризовать одним словом весьма затруднительно. Перед нами целиком инструментальный, красивый и по большому счету камерный прогрессивный фьюжн. Мастермайнд ансамбля - искусный пианист. Однако, помимо чистого фоно, Агостино также использует синтезаторы, меллотрон, клавесин, rhodes- и wurlitzer-пиано. При этом нос не задирает и, в отличие от многих солистов, старается не "забивать" соратников. В принципе, можно сказать, что на протяжении практически всего игрового времени диска синьор Макор скромно держится в тени, а на переднем плане находится виртуозный скрипач Серджо Капуто (шикарная фамилия!). Характер треков неоднозначен. Если, скажем, композиция "Zelig" являет собой любопытный симбиоз классического арт-рока с chamber new age в духе Уильяма Аккермана, то почти 10-минутная "Il Destino Di Haghia Sofia" - крепкий фьюжн со всеми вытекающими. Комплексный номер "Progress" - первоклассный образец симфонического прогрессива, отдаленно напоминающий вышеупомянутых Finisterre. Любители джаза "без примесей" по достоинству оценят стилизацию под 1960-е "Naan", где лидирующую партию ведет саксофонист Паоло Пецци. Таинственная атмосферная "Il Cannocchiale" - эдакий саундскейп-этюд а ля Роберт Фрипп (King Crimson), незаметно перетекающий в позитивную "Cinquequarti" с ее тотальным струнным наполнением. И вновь мажорные тона отступают в тень под деликатным натиском почти что скандинавской меланхолии ("Limbo") - своеобразным реквиемом на троих (меллотрон/пиано, скрипка, виолончель). В финальной "Sul Mutamento" звуковой алхимик Агостино Макор добавляет в реторту элегическую прозрачность раннеосенних дождевых капель, мешая ее с типично джаз-роковыми свингом и драйвом. И все это, прошу заметить, звучит естественно, мягко, а где-то просто волшебно; ощущается умелая рука Мастера.
Вердикт: удивительно добрый и светлый релиз, рекомендуемый лицам, не разучившимся воспринимать прекрасное.

27 июн. 2008 г.

Opeth "Watershed" (2008)

Девятая студийная работа неистовых шведов записывалась в измененном составе. Вместо великолепного гитариста-мелодиста Петера Линдгрена, игравшего в группе с 1991 года, пришел техничный и более "проговый" Фредрик Окссон. А покинутое Мартином Лопесом место за ударной стойкой занял его тезка Мартин Аксенрот. С притоком свежей крови обновилась и музыка. Открывающая диск "Coil" - совершенно нехарактерный для Opeth этюд, решенный в полу-акустических, полу-оркестровых тонах, да к тому же с привлечением дополнительного женского вокала (Натали Лорикс). Однако элегическое настроение полностью исчезает к началу второго трека, являющего собою ядреный и злобный прогрессив-дэт, в финальной стадии разбавленный меланхолическим минором. Та же меланхолия типично нордического свойства с легким фолковым оттенком сквозит и в первых тактах номера "The Lotus Eater", но уже на двадцатой секунде слушателя сметает ураганный шквал, скроенный из мощнейших бласт-битов и электрогитарных атак, наполненный утробным рыком разбуженного монстра и кристально чистыми вокализами (Микаэль Окерфельдт отменно хорош во всех голосовых ипостасях), превосходно сочетающийся с атмосферными клавишными вставками и моментами семидесятнического арт-рока, где меллотрон маскируется под флейту, а орган скрывается за ширмой искусственно привнесенных кинематографически звучащих диалогов. Балладного типа "Burden" трогает своей поэтически печальной красотой и почти попсовым многоголосием. Лирические сдвоенные соло плачут незримым дождем. До крайности эмоциональная зарисовка с оригинальным уводом (эффект последовательно расстраиваемых струн). "Porcelain Heart" поначалу воскрешает где-то подзабытые экспрессивные метания альбома "Damnation", дабы затем пригвоздить Вас прог-металлическим стержнем. "Hessian Peel" в первой своей ипостаси воспринимается как очередной ретрообразный артовый опус, исполненный высокого трагизма; вторая же часть этого "марлезонского балета" то головокружительно брутальна, то обманчиво напевна. Замыкающая "Hex Omega" - квинтэссенция диска, гармонично соединяющая в себе всю разношерстную гамму чувств и образов.
Итог: еще один классный релиз от коллектива из Гетеборга, демонстрирующего дальнейший творческий рост. И это, безусловно, не может не радовать.

25 июн. 2008 г.

Mind Doctors "On the Threshold of Reality" (1971 or 1976?)

По степени противоречивости информации о релизе творение английского дуэта Mind Doctors многим даст фору.
Во-первых, год издания. На обложке компакт-диска указано следующее: "записан в середине семидесятых как побочный продукт наркотической сессии участников ансамбля Wicked Lady". И не поймешь, то ли хохма, то ли всерьез... Аналогичный текст проскальзывает на нескольких интернет-порталах, причем, с четким обозначением даты: 1976 год. Однако, если верить сайтам progmusic.ru, old-rock.ru, tagtuner.com и другим, издали пластинку в 1971 г. И судя по звучанию "On the Threshold of Reality", оно похоже на правду. Далее следует утомительная чехарда с названиями треков. В буклете их заявлено одиннадцать. В реальности на диске присутствует 5 композиций, длина которых варьируется от 4,5 до 20 мин (видимо, без марихуаны тут все же не обошлось...). В общем, предлагаю оставить в покое присказку и перейти непосредственно к сказке.
Итак, Mind Doctors - это Мартин Уивер (гитара, бас-гитара) и Дэйв "Док" Уодли (клавишные, перкуссия). Первый из оных бойцов прежде забавлялся тяжелым прото-прогом в командах Dark, Wicked Lady, Radar и других. Что касается Дэйва, то он исполнял схожую по стилистике музыку в группах Soft Trust и Back to Zero, а в шестидесятые даже умудрился поджемовать с Тони Айомми - будущим лидером Black Sabbath. Так что же, спросит любознательный читатель, преподнесли развеселые британские джентльмены слушателю в данном случае? Отвечаю: весьма любопытный инструментальный замес из похмельной трансовой психоделии (английский вариант краут-рока, если угодно), затяжных медитационного свойства гитарных "полетов" над погруженным в сладостную негу рассудком меломана (вспоминаются соотечественники-предшественники "докторов" High Tide, ведомые еще одним гениальным любителем "кислоты" гитаристом Тони Хиллом), игрового, чуть приблюзованного арта и реверанса в сторону вдохновителя доброй половины рокеров, старины Баха (в идущей третьим номером "Praeludium 3" наличествует мастерская клавишная вариация на одну из тем великого маэстро). Прибавьте сюда тонкое издевательство над мелодическими стандартами рок-н-ролла в центральном эпизоде финального 20-минутного опуса и... все равно получите лишь очень приблизительное представление о картине происходящего. Ибо Mind Doctors из той когорты ансамблей, что лучше один раз услышать. В общем, я предупредил. Дерзайте.
N.B. В архиве треки поименованы неверно. Правильный расклад таков:
1. Mind Doctors
2. Over The Threshold (Of Reality)
3. Praeludium 3
4. Almost Reality
5. Soldiers Of Misfortune

24 июн. 2008 г.

Incredible Expanding Mindfuck "I.E.M." (1998)

I.E.M., то бишь Incredible Expanding Mindfuck. Вот так заковыристо обозначил свой проект шаман мира звука из племени Древа дикобраза Стивен Уилсон. Одноименный первенец записывался им в одиночку частями – в 1996 и в 1998 гг. А народившись, представил слушателю в целом привычную для Стива, любителя опровергать законы гравитации, картину психоделик рока с ностальгическими меллотроновыми разливами и в то же время весьма модерновым звуком. Сочетание "космичности" Hawkwind с энергетическими ритм-подкладками в духе Ozric Tentacles (забойная волна, идущая от ударной "бочки", устремляется в одно русло с гулким пульсирующим басом) плюс то самое, до конца нераспознанное "нечто", что так свойственно всем без исключения творениям Уилсона. Активное использование аналогового инструментария наряду с цифровыми сэмплами, семидесятнические приемы обработки звука с помощью генератора (добавьте к этому отработанную тогда же технологию запуска партий задом наперед при помощи магнитофона). Космос Стива Уилсона - это тщательно контролируемая ярость. Саунд-агрессии неистовой гитары поглощаются эфирной размытостью, прерываются вычурными психо-спецэффектами (стенающие на все лады призрачные голоса, точно неупокоенные души усопших, странные шумы и призвучья в открывающем пролонгированном номере "The Gospel According to the I.E.M."). Авангардный опус "Последняя воля и завещание Эммы Пил" полнится скользящими астральными проекциями, на дающими забыть ранние эксперименты Pink Floyd. Композиция "Fie Kesh" - мистическая арабеска с восточной перкуссией. "Deafman" - напористая ритм-секция вкупе с закольцованными гитарными фразами, мощный дисторшн и невнятные вокодированные речевки. Идущий бонусом "Headphone Dust" - классический PT с меланхоличными акустическими переборами, гилморообразным приблюзованным слайдом и отстраненным, погруженным в полнейшую невесомость "Хаммондом". Тем, кому по душе альбомы Porcupine Tree “On the Sunday of Life” & “Voyage 34” – a must have. Остальным тоже рекомендую. Не исключено, что получите удовольствие.

23 июн. 2008 г.

Ako Doma "Ako Doma" (1999)

Почаще бы случались такие дебюты! Впрочем, новичками этих ребят назвать сложно, ведь до записи своего первенца чехи Ako Doma кропотливо оттачивали мастерство на протяжении ряда лет. Оформились они в 1993 году и поначалу существовали в формате трио (гитара, ударные, бас). Позднее коллектив расширился до размеров септета: присоединились клавишник, флейтистка/саксофонистка, перкуссионист и виолончелист. Началась детальная работа над материалом. В итоге ребята сумели заключить контракт с итальянским лейблом Mellow Records, издавшим данный альбом. Основу его составили записи 1997-1999 гг. Инструментальные пьесы, вошедшие на диск, отличаются весьма оригинальным прочтением тенденций прогрессивного рока как такового. Чехия славится богатыми джазовыми традициями. И это нашло свое отражение в творчестве Ako Doma. Мощный фьюжн, исповедуемый группой, интересен прежде всего отсутствием явной похожести на кого бы то ни было. Если первая вещь "Smell of the Earthworms" сродни зондированию почвы, то дальше музыкальная картина становится по-настоящему любопытной, интригующей и местами захватывающей. В саунде хитроумное сочетание разнопородных элементов. С одной стороны, заметные джаз-роковые влияния (кому еще придет в голову играть вариации на тему элингтоновского "Каравана"?), с другой - нечто странное. Достаточно агрессивная гитара на фоне солирующего саксофона (большой привет Группе Александра Костарева!), крайне подвижный "щелкающий" бас (сразу вспоминается Стив Харрис из Iron Maiden), фрагментарные увлечения клавишника электронными примочками. Релиз полон разнообразными настроениями: тут вам и горячительный опус с решительным названием "Now", и элегическая "Осенняя песнь". Однако наиболее показательным номером пластинки является завершающий 23-минутный эпик "Коррозия" - истинное прогрессивное кружево, переливающееся всеми цветами радуги. В общем, рассусоливать долго не буду, послушайте сами. Альбом несомненно того заслуживает.

22 июн. 2008 г.

Paul Gaffey "Mephistopheles" (1975)

"Мефистофель - один из семи главных демонов в средневековой демонологии. Второй из падших ангелов, и наиболее могущественный в их иерархии после Сатаны. Современному читателю в основном знаком как персонаж из "Фауста" Иоганна Вольфганга Гёте и сопутствующий демон из пьесы "Доктор Фаустус" Кристофера Марлоу" ("Толковый словарь Уэбстера").
Что касается данного альбома, замысел его принадлежит австралийскому композитору Саймону Хизу. Вдохновившись историей Мефистофеля, маэстро выстроил концепцию будущего произведения, сочинил музыкальную часть и попутно оформил всю лирику. Не желая размениваться по мелочам, Хиз привлек к воплощению своей грандиозной идеи органиста и аранжировщика Стэна Уилсона, гитаристов Марка Панча и Джима Келли, саксофонистов Тони Бьюкенена и Дона Райта, басиста Джона Янга, ударника Дуга Галлахера, оркестр из пятидесяти двух музыкантов и хор из пятнадцати человек. Солировать доверили певцу Полу Гэффи, и в итоге пластинку издали под его именем (что, конечно же, несправедливо по отношению к остальным). Саймон Хиз исполнил вспомогательные партии на синтезаторе Муга, а ответственным за меллотрон был назначен Питер Харрис. Таким образом, "Мефистофель" - внушительное симфо-роковое полотно в шести главах, обладающее чертами рок-оперы. Пол Гэффи, вещающий от лица главного героя, сумел довольно точно прочувствовать характер каждого из эпизодов. В результате его вокал простирается от торжественно-пафосного в первом треке до проникновенно-камерного ("Dreamer of Dreams") и зловещего шепота на фоне меллотроновых хоралов в "Dear People" (вот, откуда "растут ноги" у культовых словено-итальянцев Devil Doll!). Звуковые структуры базируются на грамотном сочетании оркестра с рок-группой. Эмоциональная целостность палитры нарушается лишь единожды, в песенке "Paradise" - мажорно-попсовом мотивчике, способном привести в восторг фанатов Тины Тёрнер. А так - отличное слушище для поклонников симфо-прога семидесятых.

Kit Watkins "Labyrinth" (1980)

Уроженец американского штата Вирджиния, сын учителя музыки Кит Уоткинс (р. 1953) приобрел известность как участник одной из лучших прогрессивных команд Нового Света Happy The Man. С конца 1978 г. по 1980 г. он работал в составе британской арт-роковой легенды Camel. Затем вернулся домой в Штаты и приступил карьере сольного артиста. "Labyrinth" (1980) - первое (и возможно, лучшее) творение Уоткинса, выпущенное в новом для него качестве. Записанный в содружестве с французским ударником Коко Русселем, полностью инструментальный альбом демонстрирует всю палитру музыкальных пристрастий маэстро Кита. Открывающий номер "Glass of Time" звучит в традициях поздних Happy The Man - все тот же насыщенный симфо-прог с джазовыми обертонами, только за вычетом гитары (не стоит забывать, что перед нами сольник клавишника). Идущий следом опус "Монастырь Св. Елены" не что иное, как расширенная версия Camelовской "Docks" из альбома "Nude" (1981; для непосвященных скажу, что эту вещь Уоткинс написал в соавторстве с лидером Верблюда Энди Лэтимером, однако в непосредственном создании пластинки участия не принимал). Дальнейший стилистический парад в "Лабиринте" таков: "Coin-Op Era" - диско-фьюжн в манере Яна Хаммера периода 1980-х; заглавный опус - эпический прогрессив со сложными размерами и частыми сменами ритма; "Spring 1980" - пасторальный элегический нью-эйдж, в котором наряду с синтезаторами Кит использует флейту; сочиненная в содружестве с Фрэнком Уайаттом, бывшим коллегой по HTM, "While Crome Yellow Shine" также попала на 3-й диск Счастливого Человека (как, впрочем, и сама "Labyrinth"); бодрая и заводная электроника "Spooks" - явная дань наступившим восьмидесятым и, как следствие, самая легковесная вещица альбома; "Two Worlds" - изящный арт/джаз-рок, со вкусом аранжированный и виртуозно исполненный; "4 Bars - 1 Unit" - блестящая жанровая головоломка, в замкнутом пространстве которой Уоткинс умудрился придать целостность ряду совершенно эклектичных тенденций; венчает релиз атмосферная эмбиент-трилогия "Cycles" - неожиданная грань таланта маэстро.
Подводя черту: на удивление интересный и неординарный образец позднего арт-рока. Рекомендую.

21 июн. 2008 г.

Phylter "Phylter" (1978)

Безвестные представители бельгийского симфо-прога конца семидесятых. Всего одна пластинка, изданная небольшим тиражом на маленьком лейбле Parsifal в городе Брюгге. А дальше распад и забвение. Словом, обычная история, в арт-роке подобных примеров множество. В 1993 г. этот материал раскопали энтузиасты из французской компании Spalax Records и, немного почистив звук, выпустили на CD, за что честь им и хвала.
Итак, Phylter. В составе команды играли: Патрик Филипс (орган, фортепиано, стринг-синтезатор, вокал), Марк Ван Бортель (гитара, вокал), Пауль Ван Бортель (бас-гитара, вокал), Кристиан Заман (ударные) плюс специально приглашенный Жан-Мари Эртс (ритм-гитара) и гостевой скрипач Ренс ван дер Залм. Равняясь на творчество английских апологетов жанра (в частности, Camel), они уместно смотрелись в общей обойме с другими поздне-прогрессивными ансамблями из Бельгии: Flyte, Prelude, Machiavel и т.д.
Мягкий, по большому счету клавишноориентированный симфонический арт-рок характеризуется "негрузностью", отсутствием острых моментов и исключительной приятностью саунда. Шесть среднетемповых треков включают один инструментал ("Phylter") и финальный пятнадцатиминутный эпик ("Down And Mood For Change"). Солистов, сражающих наповал своим мастерством, здесь нет. Однако звучат парни весьма неплохо. Фундаментальные проклассические наслоения синтезаторов гармонично разбавляются легким джаз-роковым гитаризмом. Вокальные партии большого драматизма или чего-то особенного в себе не несут, но и картины в целом не портят.
Вердикт: для 1978 года - вполне приличный альбом. Пусть и без признаков явной оригинальности, зато имеющий индивидуальное обаяние. Твердое "хорошо".

20 июн. 2008 г.

National Health "Playtime" (1979)

"Живой" альбом классиков британского прог-джаз-рока был записан в ходе гастролей по Франции и США, за год до окончательного развала коллектива. К этому моменту состав успел покинуть великолепный органист Дэйв Стюарт, позднее блеснувший в качестве остроумного и саркастичного летописца National Health. У руля остался второй сооснователь группы - клавишник Алан Гоуэн, по сути - антипод Стюарта, более тяготевший к джазу, нежели к арту. В итоге "Playtime" явился фактически бенефисом Алана (и достойным памятником этому виртуозному музыканту, ушедшему из жизни в мае 1981 года), несмотря на то, что лишь треть композиций с альбома принадлежит его перу. Отталкиваясь в исполнении от принципов импровизационной игры, маэстро Гоуэн сумел творчески подойти к делу, вдохнув в казалось бы давно устоявшиеся произведения новую жизнь. Как результат, все девять треков пластинки звучат в манере не National Health, но Gilgamesh - другой замечательной кентерберийской команды, в которой Алан правил бал с 1972 по 1978 годы. Ведомые им Джон Гривз (бас-гитара, вокал), Фил Миллер (гитара), Пип Пайл (ударные) и Алан Эккерт (гитара в 1, 3 и 4 треках) демонстрируют высочайший уровень владения инструментами. Отдельные вещи (как, например, миллеровская "Dreams Wide Awake") сыграны быстрее своих студийных прототипов, и в целом можно сказать, что релиз скроен из вольных вариаций на темы National Health. Думаю, любители английского джаз-рока по достоинству оценят представленный здесь материал. Что же касается тех, кто еще не знаком с творчеством Здоровья Нации, но хотел бы иметь о них представление, то им я рекомендую обратиться к номерным дискам ансамбля.

Part 1
Part 2

18 июн. 2008 г.

Kopecky "Serpentine Kaleidoscope" (2000)

Тягучий, напряженный, темный ... Вот лишь некоторые из эпитетов, которыми можно наградить второй альбом трио Kopecky. Пытливые американские братцы, оставив позади изучение таинственных традиций Востока, погружаются в мрачные пучины человеческих страхов, попутно тревожа "Черную амнезию небес". Бесконечные смены гитарных риффов, головоломные завихрения баса, более роково звучащие (в сравнении с дебютом) ударные. Металлическая сущность ряда треков разбавляется "жидкостными натяжениями" примоченных клавишных и ритм-секции. Работа фактически всецело инструментальная, если не считать мистической мелодекламации стиха одного из братьев в композиции "I Was Home and I Wept", а также откровенно экспериментального "These White Walls", где слушателя подвергают психической атаке с помощью одного лишь словосочетания, раз за разом повторяемого душевнобольным человеком. Имеется здесь и шаблонная хард-роковая раскладка, но пропущенная сквозь призму творческого метода Копекки ("Scorpion"), отчего результат приобретает совсем уж диковинные черты. Вещь под названием ''Lugosi: 1931" - своеобразное посвящение звезде черно-белых фильмов ужасов актеру Беле Лугоши, прославившемуся в свое время впечатляющим исполнением роли Дракулы. Авангардно-нойзовый номер "Wings of Asphyxia" по степени размытости и нагнетанию беспробудно-тяжелой атмосферы удушья вполне способен соперничать с сочинениями кошмарных бельгийцев Univers Zero. Таким образом, данный релиз Kopecky знаменует собой достижение определенной музыкальной зрелости. И если начистоту, мне он нравится гораздо больше, нежели последующий "Sunset Gun" (2003) с его показушным самолюбованием и безудержным уклоном в "технарство".

17 июн. 2008 г.

Kopecky "Kopecky" (1999)

Добро пожаловать в странную вселенную братьев Копекки. Несмотря на то, что эти ребята родом из американского городка Милуоки (штат Висконсин), их музыка являет собою оригинальный гибрид, содержащий в себе элементы прог-металла, причудливые хитросплетения ближневосточных ладов и индийских раг, а также влияния психоделического рока. Трио в составе: Джо (гитара, тамбурин, колокольчики, вокал), Пол (акустическая и электронная перкуссия) и Уильям (бас-гитара, ситар, клавишные) не задается целью играть сверхвиртуозно, хотя надо признать, исполняются композиции на высоком техническом уровне (особо отмечу партии безладового баса от Уилла Копекки). Нестандартная ритмика ударных - необходимый смысловой фундамент, надежная основа для выстраивания экзотических дуэлей: металлический "чес" на электрогитаре сплетается с путанной микрохроматикой ситара. Искаженный, чуть грязноватый звук соседствует с высоким и чистым голосом клавишных. В названиях треков сквозит поэтическое, порою импрессионистское настроение ("Небесно-голубая прядь", "Птичья трель цвета пирамид"). Саунд насыщен разномастными эффектами, правда, местами создается обманчивое ощущение некоторой аскетичности палитры. 50-минутное инструментальное странствие завершается эпическим шествием сквозь пески Сахары ("Al-Aaraaf") - неповторимым в своей загадочной красоте. Музыканты профессионально окружают слушателя податливой стеной из нот и гармоний, приоткрывая незримую тайну души великой пустыни. В общем, очаровательный прогрессив-акт, рекомендуемый в первую очередь любителям необычного.

16 июн. 2008 г.

Jon Lord "Boom of the Tingling Strings" (2008)

"С тех пор, как я стал писать оркестровую музыку (а впервые это случилось в 1969 году), меня не покидала идея сочинить концерт для фортепиано. Но не в традиционном значении термина, где все подчинено устоявшимся классическим канонам, а, скорее, таким способом, коим можно выразить любовь к инструменту, постигать который я начал в шестилетнем возрасте и ради которого готов творить музыку, исполняемую в итоге не мной".
Вот и получилось, что новый сольный альбом Джона Лорда - его бенефис в качестве композитора. Вдохновившись поэмой известного новеллиста Дэвида Герберта Лоуренса "Пианино", пробудившей в нем почти что детские переживания, маститый ветеран сцены засел за работу. В ноябре 2002 года 37-минутный концерт для фортепиано с оркестром был завершен. А в феврале 2003 года состоялась его премьера в австралийском Брисбейне. Место за клавишами Лорд уступил Майклу Кирану Харви, аккомпанирующим составом выступили участники The Queensland Orchestra во главе с дирижером Полом Манном. 4-хчастный опус "Boom of the Tingling Strings" - произведение в высшей степени лирическое. Поэтизированная звуковая фантазия - своего рода призма, сквозь которую взирает на мир главный герой - подросток, влюбленный в джаз и Баха (музыкально это отражено во втором фрагменте сюиты). К финалу четвертого эпизода завершается процесс его становления, но полузабытые отзвуки детства не спешат покидать душу молодого человека...
Увековечить концерт на CD маэстро доверил пианисту Нельсону Гернеру, а симфоническое обрамление поручили членам Odense Symfoniorkester, руководимым упомянутым ранее Полом Манном. Вторую половину диска занимает другое сочинение Джона Лорда - 36-минутный концерт для струнных "Disguises" - своеобразная саунд-рефлексия, во время которой слушатель погружается в мир тревожных сомнений и возвышенного романтизма.
В принципе, добавить мне более нечего. Разве что поклониться да сказать:
- Браво, мастер! Долгих Вам лет жизни и новых творческих свершений.

Part 1
Part 2

15 июн. 2008 г.

Jon Lord "Durham Concerto" (2007)

Осознание своего места в искусстве сродни обретению гармонии. Величавый маэстро Лорд давно это понял. И покуда его бывшие коллеги по Deep Purple рассекали с очередным турне, в стотысячный раз играя "Woman from Tokyo" и "Smoke On the Water", легендарный органист занимался тем, что более всего по сердцу: писал музыку для солистов и симфонических оркестров. Музыку, способную удовлетворить запросы взращенных на классике эстетов, меломанов прогрессивного толка и любителей поэтически одухотворенных многослойных композиций. "Даремский концерт" довольно легко ложится в обойму с предыдущими опусами Джона Лорда - "Pictured Within" (1999) и "Beyond the Notes" (2004), с той лишь разницей, что здесь отсутствуют аккомпанирующая рок-группа и треки с вокалом. Программа, отдаленно напоминающая по структуре эпохальный "Days of Future Passed" The Moody Blues (там, если помните, также имеется деление по времени суток), была специально подготовлена к празднованию 175-летия университета города Дарема - города, чей воздух, по словам самого Лорда, буквально пропитан вдохновением. Итак, 20 октября 2007 года концерт впервые презентовали публике. Все собравшиеся в Даремском кафедральном соборе имели возможность насладиться партиями виолончелиста Мэттью Бэрли, юной скрипачки Рут Палмер, исполнительницы на нортумбрийских рожках Кэтрин Тиккелл и собственно органными проходами Джона Лорда, выступавших при поддержке Королевского Ливерпульского Филармонического оркестра под управлением швейцарского дирижера Миши Дамева. 45-минутное произведение, по мысли создателя, призвано отобразить как природный колорит окрестностей Дарема, так и исторические моменты его славного прошлого, в частности эпизод с перенесением монахами в местный собор гробницы святого Кутберта, епископа Линдисфарнского. Результатом кропотливой работы с материалом стал органичный синтез классической музыки с элементами джаза, фолка, рока и даже рэгтайма. Палитра переливается настроениями - от нежнейших рассветных пасторалей до традиционных студенческих танцев. Седовласый мастер убедительно демонстрирует аудитории наличие ярчайшего композиторского дара. И если у кого-то еще остались сомнения в правильности избранного Лордом пути, рекомендую послушать "Даремский концерт". Поверьте, он этого стоит.

14 июн. 2008 г.

Lotus "Lotus" (1974)

Костяк этой великолепной шведской команды составили музыканты, в начале семидесятых игравшие в полупсиходелической джаз-роковой банде Asoka. С образованием Lotus стилистические ориентиры участников группы изменились не сильно. Андерс Линдвалль (гитара), Клэс Эрикссон (пиано, орган), Хеннинг Офвербек (ударные), Роберт Ларссон (гитара) и Стефан Бергренссон (бас-гитара) взяли за основу теплый (я бы даже сказал, добрый) виртуозный прогрессив-фьюжн в духе Бо Ханссона и Finnforest. Представленный на пластинке полностью инструментальный материал отличается редкостной мелодичностью. Диву даешься, как эти скандинавские уникумы умудрились втиснуть в 30 минут звучания такое обилие аранжировок. Большинство треков альбома идут на повышенных скоростях с недюжинным драйвом. Однако, есть место и для лирики (к примеру, репризная "Musen", открывающая сторону B). В отличие от многих коллег-семидесятников звучание Lotus не страдает многообразием синтезаторов и клавишных. Ребята вполне обходились минимальным набором инструментов, но при этом их музыку никак не назовешь аскетичной. В восхитительных игровых перекличках меж очень "вкусно" звучащей гитарой (точнее, двумя гитарами) и зажигательными органными соло то и дело проскальзывает нечто Camelобразное. И за это хочется поблагодарить отдельно.
Выпущенный двумя годами позднее "Vera O'Flera" был уже не столь ярок и целостен. Складывалось впечатление, что парни выдохлись: не шибко выразительный и какой-то сумбурный в содержательном отношении диск по всем показателям проигрывал дебюту. Предчувствуя творческий кризис, Lotus распались. И, видимо, это было единственно правильным решением. Ну, а первую их работу я искренне рекомендую поклонникам арт-рока 1970-х - стопроцентный кайф гарантирован.

10 июн. 2008 г.

End Zone "Thalatta Et Thanatos" (1996)

1996-й год. Немецкие прогметаллеры Mekong Delta выпускают прекрасную рок-интепретацию "Картинок с выставки" Мусоргского, после чего уходят в тень на долгие 11 лет. В то же самое время отечественный коллектив End Zone, пресытившись техно-трэшевыми запилами, записывает несколько необычный по российским меркам и неожиданный для своей аудитории инструментальный альбом, в котором также неоднократно обращается к классике. Почему я столь упорен в аналогиях меж тевтонами и "эндзоновцами"? Да просто пути музыкальной эволюции обеих команд во многом перекликаются. Хотя, справедливости ради надо отметить, что к "чистопородным" симфоническим проявлениям наши так и не приблизились. Ну и ладно. Зато неоклассических влияний на "Thalatta Et Thanatos" предостаточно. Короче, в данном случае мы имеем дело с действительно интеллектуальным релизом. Посему позвольте замолвить пару слов о музыке.
Слаженность игры и превосходная техника исполнения. Любопытное композиционное развитие - заслуга лидер-гитариста и флейтиста Олега Мишина, перу которого принадлежит 80 % материала. Остальное на совести Генделя, Чайковского, Грига и примкнувшего к ним басиста Романа Сенькина (сочиненная последним вещица "Балет Паркинсона" в первых тактах являет слушателю замысловатые соло-проходы с нестандартными басовыми размерами). Много гитары в разнообразных ее ипостасях. Однако виртуозность партий отнюдь не исключает их мелодизма (взять, к примеру, "Thalatta"). В качестве наиболее прогрессивного трека явно выделяется "Смерть царя", посвященный недооцененному историками императору Павлу I. Прекрасна акустическая вариация на тему "Пассакалии" Георга Фридриха Генделя, дающая необходимую передышку перед симфо-трэшевой молотильней "Острие струны" (турбо-версия), как раз таки отсылающей к "Концерту для группы с оркестром" пресловутых Mekong Delta. Есть место и лирической любовной балладе без слов ("Замок моей женщины") - еще одна грань таланта Олега Мишина.
Итог: крепко сбитый и мастерски воплощенный альбом от одного из сильнейших агрегатов российского тяжмета.

9 июн. 2008 г.

Alexander Kostarev Group "Live@InProg" (2003)

Александр Костарев - из редкостной породы атлантов, благодаря которым еще живо понятие "российская интеллектуальная рок-сцена". Его музыкальное становление пришлось на славные семидесятые. Тогда дядя Саша творил в составе свердловского джаз-рокового ансамбля "Перекресток". Позднее был Московский институт культуры, педагогическая деятельность, сотрудничество с коллективами различных направлений, работа звукорежиссером, прогрессивное фьюжн-трио "Космобоб"... Впрочем, об этом лучше самого Александра никто не расскажет, так что интересующихся отсылаю к обширному интервью в журнале InRock (2005. # 15). Что же касается собственно Kostarev Group, то это явление во многом уникальное и неповторимое. Могучая кучка профессионалов, в центре которой, конечно же, рыжебородый человек с зеленой гитарой + коллеги: Геннадий Лаврентьев (скрипка, табла), Екатерина Морозова (клавишные, синти-бас), Юрий Лопухин (флейта, саксофон) и Андрей Панкратов (ударные). Именно этими людьми и был отыгран совершенно умопомрачительный инструментальный live-set, запечатленный на данном CD. Выступление Kostarev Group без преувеличения ключевое событие всего фестиваля InProg, состоявшегося 22 февраля 2003 года в московском клубе "Релакс" (тому свидетелем ваш покорный слуга, побывавший на этом памятном мероприятии). Представленный квинтетом Костарева материал в высшей степени оригинален (хотя знатоки жанра в отдельных моментах могут усмотреть легкое сходство с Mahavishnu Orchestra и King Crimson). Сочетание виртуозного исполнительского мастерства и здоровой иронии, псевдо-восточных эфирных гармоний и мощнейшей прогрессивной тяжести, драйвовых барабанных грувов и парящих флейтовых пассажей... Гвоздь программы - блестящий Concerto Grosso #1, скроенный по канонам музыки барокко, но применительно к формату рок-группы (пусть и с несовсем традиционным набором инструментов). Без ехидства не обошлось и тут. Диалог гитары и скрипки - сплошное подтрунивание друг над другом с небольшим заездом в дуэль. Элементы творческого хулиганства уместно соседствуют с академической глубиной. И столь удивительный альянс настроений - лишний плюс в зачет команды Александра Костарева.
Ярчайший пример подлинного искусства.

video

8 июн. 2008 г.

End Zone "Eclectica" (1998)

End Zone - это, если хотите, наш ответ Mekong Delta. Правда, история состава оказалась недолгой, но весьма насыщенной. Как и вышеозначенные тевтоны, начинали ребята с замороченного техно-трэша. Однако уже второй, целиком инструментальный альбом "Thalatta Et Thanatos" (1997) продемонстрировал недюжинный творческий рост коллектива. От монументального опуса, частично основанного на собственных версиях произведений Чайковского, Грига и Генделя, веяло определенной свежестью (принимая в расчет отечественную рок/металл сцену) и уверенным профессионализмом. Да оно, в общем-то, и понятно, ведь лидер-гитарист/флейтист Олег Мишин - выпускник Гнесинского училища, ударник Олег Милованов успел поиграть в Hellraiser и Мастере, а клавишник Александр Дронов и вовсе заслуженный ветеран российского тяжмета, в послужном списке которого значатся легендарные Земляне, Круиз, Валькирия и уже упомянутый Мастер. Таким образом, третья (и последняя) пластинка End Zone "Eclectica" явилась любопытным гибридом прогрессив-металла с неоклассикой. Особый пункт - инструменты, использовавшиеся при записи: гитары "Урал" с процессорами "Лель", ударные Engels и клавишные "Юность" (!). И надо заметить, звучит все это весьма пристойно. Музыкальную часть "эндзоновцы" отработали на уровне: крепкий симфо-прог-трэш. Англоязычного вокала (по нему в свое время не прошелся только ленивый) второго гитариста Игоря Лобанова касаться не буду - это на любителя. А вот спасибо скажу, хотя бы за обработку финала "Хованщины" обожаемого Модеста Петровича Мусоргского. Молодцы, оригинально переосмыслили. Знатоки, возможно, оценят и кавер на "Refuse/Resist" Sepultura, но тут уже я не спец.
В целом, добротный образец жанра. Молодым не грех послушать для общего развития и расширения музыкального кругозора.

5 июн. 2008 г.

a-ha "Early Morning / Summer Moved On"

Немного отвлечемся от прога.
Две душевные песни в акустическом формате от знаменитого норвежского трио a-ha.


video

4 июн. 2008 г.

Kotebel "Structures" (1999)

"Kotebel - не группа. Скорее, проект, основанный на долгосрочной стратегии: воссоздать в рамках прогрессивного рока перспективы классической музыки. Слияние обоих миров будет проходить постепенно. И данный альбом - первая ласточка, необходимая основа для последующих релизов. Если Вам по душе изысканный рок, если в музыке Вы ищете вдохновение и красоту, то мы приглашаем Вас к участию в этом путешествии".
Такими словами напутствует своего потенциального слушателя Карлос Плаза - органист, композитор и собственно прародитель Kotebel. В качестве соисполнителей маэстро подключил флейтиста Омара Акосту, перкуссиониста Карлоса Франко и Адриану Плаза, ответственную за тамбурин во втором треке. Пресловутые структуры дебютного диска оказались густо замешаны на синтезаторном звучании, причем отнюдь не аналогового свойства. Однако упрекать лидера проекта за это не хочется. Синьор Плаза подошел к делу вполне профессионально. И даже при отсутствии обязательного рок-комплекта - то бишь гитары, ударных и баса - умудрился записать крайне насыщенный, интересный, небанальный, да к тому же полностью инструментальный материал. Есть тут и романтические этюды, полные воздуха и света, искрящиеся драйвом дуэли клавишных и флейты, классические пианиссимо на фоне искусственных оркестровок, эпизодически воскрешающие в памяти тени могучих англичан The Enid (не случайно нынешних Kotebel зарубежные рецензенты все чаще поминают в одной обойме с этими грандами оркестрового рока, равно как и с венграми After Crying, а также шведами Isildurs Bane) и удивительное, какое-то возвышенно-радужное, но вместе с тем и несколько грустное настроение. Словом, отличный альбом, играющий роль трамплина для будущих достижений проекта.

2 июн. 2008 г.

Kotebel "Omphalos" (2006)

Пожалуй, наиболее впечатляющая на сегодняшний день работа испанского коллектива, ведомого бессменным органистом Карлосом Плаза. Надо сказать, что и предыдущий релиз "Fragments of Light" (2003) был чертовски хорош, но "Omphalos" с легкостью перекрыл достижения предшественника. Как и прежде, основной тематической канвой композиций Kotebel служат разнообразные эзотерические сюжеты. В данном случае слушателя ждет обширная экскурсия, берущая истоки в космогонии Древнего Египта и следующая сквозь островки эллинистической мудрости к мистическим излучинам каббалистических учений. Впрочем, смысловая подоплека здесь второстепенна. Главное - музыка. А она действительно прекрасна. Клавишные оркестровки в исполнении Карлоса и Адрианы Плаза дышат проклассической мощью, которая многократно усиливается засчет завораживающего оперного вокала Каролины Прието. Не отстает от коллег виртуозный флейтист Омар Акоста, чьи партии то тонки, образны и лиричны, то залихватски хулиганисты - в зависимости от характера треков. Басист Хайме Паскуаль - обладатель интересной техники звукоизвлечения, включающей приемы двуручного тэппинга (впрочем, здесь оно слышно эпизодически; это следует наблюдать воочию - благо, на сайте YouTube имеется соответствующее видео). Однако более других меня впечатлил гитарист-универсал Цезарь Гарсиа. Его манера игры - оригинальный симбиоз джаз-роковых ходов в духе Аллана Холдсуорта и проникновенных соло а-ля Дэвид Гилмор. Все вещи альбома по-своему грандиозны: и открывающая эпическая "Ra" с ее волшебным симфонизмом, и увесистый фьюжн-металлический номер "Excellent Meat" - бенефис маэстро Гарсиа, и центральная сюита в 6 частях "Pentacle's Suite", где звуковое поле пронзают вибрации фортепиано и духовых...
Долго говорить не хочу, в словах не передашь чарующей красоты пластинки. Просто резюмирую: один из лучших прогрессивных актов нового времени. Не пропустите.

Part 1
Part 2

1 июн. 2008 г.

Höstsonaten "Winterthrough" (2008)

"Winterthrough" служит логическим завершением "сезонного" цикла, открытого Фабио Дзуффанти одиннадцать лет тому назад прекрасным альбомом "Höstsonaten". От осенней сумятицы итальянские музыканты плавно пришли к зимним холодам. Воплощать заснеженные звуковые пейзажи неугомонному маэстро Фабио (бас-гитара, электрическая, 12-струнная и классическая гитары, клавишные) помогали Маттео Наум (лид- и ритм- гитары), Робо Виго (фортепиано, клавишные), Алессандро Корвалья (меллотрон, синтезаторы Муга), Эдмондо Романо (саксофон, флейты, волынка) и Маурицио ди Толло (ударные, перкуссия). Как видите, картины зимы получились полностью инструментальными, что меня лично вполне устраивает. Отличительным коньком Höstsonaten была и остается ярко выраженная мелодичность материала (что отнюдь не исключает его прогрессивности) с упором на аналоговый саунд. Здесь это также имеет место быть. По сути "Winterthrough" является единой сюитой с довольно условной разбивкой на треки. На обширном композиционном поле каждому исполнителю есть, где разгуляться (естественно, в рамках заданного курса). И если в первой половине диска особая роль в общей палитре отведена духовым, за что отдельное спасибо ветерану итальянского арт-рокового фронта Эдмондо Романо (ex-Eris Pluvia, The Ancient Veil), то во второй части релиза основу для настроения цементируют разнообразные клавишные. Впрочем, не буду умалять достоинств остальных артистов. Сквозная тема пластинки (кстати говоря, альбом издан в двух форматах - CD и LP) изысканно преломляется и весьма красиво обыгрывается всеми участниками действа (пусть и не шибко виртуозно, зато с душой). Словом, отменный подарок поклонникам коллектива, да и просто любителям хорошей музыки.