30 дек. 2008 г.

Black Bonzo "Sound of the Apocalypse" (2007)

О вечных арт-роковых ценностях, шведы, похоже, осведомлены более прочих. Не случайно подавляющее большинство команд этого скандинавского региона используют в своем инструментальном арсенале аналоговые агрегаты, изобретенные сорок лет тому назад. Black Bonzo как раз из когорты таких вот убежденных ретроградов. Несмотря на сравнительно молодой возраст, в собственном творчестве пятерка музыкантов старается следовать традициям английских ансамблей ранних семидесятых. Чашечки звуковых весов Черного Бонзо сохраняют баланс меж напористым, но в то же время достаточно лиричным хард-роком, характерным для легендарных Uriah Heep, и лихой прогрессивной ритмикой. При этом композиционно-исполнительская подача у ребят отличается предельной самостоятельностью и идейной свежестью, невзирая на внешнюю консервативность саунда. Отрадно, что источниками вдохновения, помимо упомянутых Хипов, здесь выступают не монстры типа YES и Genesis, коим сейчас и так подражают многие, а, скорее, группы прото-артового эшелона (Czar, Cressida, Gracious etc.). Без ненужного выпендрежа шведский квинтет погружает нас в мир, полный теплых тембров и распевного многоголосия (вокалист Магнус Линдгрен - достойный продолжатель дела великого Дэвида Байрона, одни лишь изумительные хоралы в "The Well" чего стоят!). В гармонических гитарных ходах Йоакима Карлссона сквозит увлечение Миком Боксом вперемежку с Брайаном Мэем (Queen). И хотя моментами его шестиструнный друг начинает отчаянно "блюзовать", эти финты воспринимаются очень даже в тему. Никакого самолюбования нет и в помине. Эффектное солирование с целью произвести впечатление на слушателя тут почти сведено к нулю. Все участники коллектива работают практически в унисон, создавая плотный полифонический швал. Окруженный массивными корпусами "Хаммондов", "Роландов", Меллотронов и Мугов, органист Никлас Олунд великолепно справляется с задачей реализации стены звука, отменно расставляя акценты и задавая необходимый тон всей программе в целом. Отрывистые аккорды его гранд-пиано в интроспективной стадии заглавного 13-минутного эпика удивительно-гипнотическим образом воздействуют на подсознание меломана, подстегивая воображение последнего. Мрачная торжественность красок велеречиво свидетельствует: апокалипсис не за горами. Но мы сами тому виной. И покуда еще не поздно исправить ситуацию. Ведь шанс на спасение есть всегда...
Итог: превосходный альбом, по силе и яркости не уступающий соплеменникам BB - ретро-прогерам Beardfish. Советую приобщиться.

27 дек. 2008 г.

Solaris "1990" (1990; 2 CD)

На своем втором полнометражном релизе венгерские летописцы "Марсианских хроник" решили вспомнить о грешной Земле-матушке. "1990", применительно к содержимому пластинки, - весьма условная хронологическая отметка. Точка записи, не более. Ведь тематический охват альбома куда как шире - от видений Эдемского сада и завоевательных набегов викингов до лицезрения футуристической тьмы Лос-Анджелеса-2026. Такое повествовательное разнообразие позволило великолепному мадьярскому септету существенно расширить стилевой инструментальный калейдоскоп: тут вам и грозный маршевый арт-рок "A Viking Visszatér", и проговый этюд в классических тонах "Ellenpont", и проникновенная "Óz" - удивительное сочетание прозрачной элегичности с электрическим драйвом. Полнейшей несерьезностью (в такт названию) отличается "Mickey Mouse" - эдакий электронный рок-н-ролл, незаметно переходящий в залихватское прогрессивное буйство. Рефлексивная "Eden" впечатляет красотой мелодических решений и общей атмосферой духовной зрелости. Настоящее раздолье для изысканных пассажей флейтиста Аттилы Коллара, благодаря которому каждый трек диска, помимо собственной композиционной ценности, наследует флюиды корневых глубин восточно-европейского фольклора. Весьма к месту пришлись и бонусы - яркая образная зарисовка "Hullámok" и чумовая плясовая "Egeszséges optimizmus" с вокальными приколами в духе Samla Mammas Manna. Но главная изюмина первой части бокс-сета - монструозный эпик "Los Angeles 2026" в 23 с половиной минуты длиной. Вот где раскрываются истинные масштабы Solaris! Основная нагрузка здесь ложится на плечи органиста Роберта Эрдеша, чьи синтезаторы и клавишные буквально узурпируют звуковое поле величественной конструкции, одаривая слушателя широким спектром настроений: филармонические пианиссимо - бодренький рэгтайм - агрессивные техноидные поливы - призрачно-легкие "буравчики" электрооргана и много чего еще. Нельзя не отметить и дуэт гитаристов Чабы Богдана с Иштваном Цигланом, нашедших единственно возможные координаты для пересечения рафинированной деликатности с атакующим дисторшированным напором. Прекрасный подарок поклонникам умной инструментальной музыки.
На CD # 2 представлены пьесы разных лет и форматов: ударные радио-"боевики" и условно-философские симфоньетты перемежаются фрагментами довольно своеобразной сюиты, простирающейся от "кибернетических" мотивов до акустических пасторалей. Несмотря на столь пестрый характер этой части программы, воспринимается она с безусловным интересом.
Итог: крайне любопытный прогрессив-акт, в котором любой желающий при случае может обнаружить что-то свое.

25 дек. 2008 г.

Mike Batt "The Winds Of Change - Greatest Hits" (1992)

Если бы существовал британский аналог "великой американской мечты", Майк Бэтт вполне сошел бы за олицетворение оной. Человек, начинавший когда-то органистом в стрип-клубе, выросший со временем в маститого композитора - исполнителя - дирижера - продюсера, безусловно, достоен всяческого уважения. Данная компиляция прекрасно иллюстрирует многогранность таланта мистера Бэтта. Семнадцать звуковых дорожек призваны отразить важнейшие вехи пути маэстро. Большую часть диска составляют композиции периода семидесятых годов, и это понятно, ведь своего творческого пика Майк достиг именно во второй половине "золотого десятилетия". Посему наиболее яркие песни и инструментальные вещи в оркестровых тонах с альбомов "Schizophonia" (1977) и "Tarot Suite" (1979) при создании подборки учитывались в первую очередь. Особый интерес представляют комментарии в буклете от самого автора, из которых, в частности, можно узнать об автобиографичности "Railway Hotel", выяснить, что "The Ride to Agadir", оказывается, посвящена Марокканскому восстанию и повествует о воображаемой битве солдат Иностранного легиона с представителями местных племен. Другие плоскости сочинительского гения Бэтта освещены в темах 1980-1990-х годов. Это и блюзовая баллада английского розлива "Mona" (с концептуальной пластинки "Waves", 1980), и футуристический электронный диско-опус "Love Makes You Crazy" ("Zero Zero", 1982), и утонченно-романтическая элегия "Theme from Caravans", взятая из оригинального, коммерчески успешного саундтрека "Caravans" (1979), ставшего одной из несомненных удач Майка. Еще одна любопытная глава его артистической биографии - этюд "Children of the Sky", открывающий поп-роковую сюиту "The Hunting of the Snark" (1986), навеянную одноименной абсурдистской "агонией в восьми приступах" безудержного фантазера Льюиса Кэролла. Стилистически она наследует "Шизофонии" и "Сюите Таро", но с поправкой на восьмидесятые. Творения эпохи девяностых воплощены на релизе в виде двух экстрактов из 26-серийного телевизионного мультсериала "The Dreamstone", музыку для которого, как несложно догадаться, написал все тот же Майк Бэтт: это красивый умеренно оркестровый номер "Better Than a Dream" с партией фоно и вокалом вездесущего автора, и, конечно же, выразительный дуэт с великолепной Бонни Тайлер "Into the Sunset", до предела напичканный лирическими мотивами в лучших "хэппиэндовых" традициях диснеевских лент.
В общем, достаточно занимательная экскурсия в радужный мир одного из ярчайших представителей арт-роковой сцены Туманного Альбиона.

24 дек. 2008 г.

Galie "Galie 2" (1986)

Вторая по счету пластинка замечательной мексиканской команды - пример верности музыкальным идеалам. Со времен дебюта минуло пять лет. Мир вокруг окончательно сошел с ума. Но участников Galie, по видимости, это нисколечко не смутило. Повинуясь интуиции и внутренним философским установкам, они попросту решили продолжать делать то, что нравится. Таким образом, "Galie 2" явился логическим развитием генеральной линии, заложенной первым диском. По-хорошему старомодные полуакустические пасторали обрели еще большую выразительность и красоту. Сближение местных фольклорных мотивов с элементами европейского классицизма, кажется, достигло здесь своего апогея. Своеобразным "центром притяжения" в палитре выступает флейта Луиса Диаза Торре, чьи одухотворенные пассажи красной нитью пронизывают все треки релиза, получая максимальное воплощение в заключительной элегии "Lupulò y Malta". Клавишник Габриэль Теллечиа Сантамария на сей раз отважился на полный отказ от использования синтезаторов, оставив в рабочем арсенале лишь пиано в двух его ипостасях - обычной и электрической. Однако, не сказать, что звуковые структуры от этого обеднели. Исполнительское мастерство и композиционная продуманность искупают мнимую аскетичность инструментального набора. Бессловесные пьесы играют бликами настроений: от тонкого щемящего лиризма до бесшабашной легкокрылой радости. Парни из Galie являют себя не только талантливыми мелодистами, но и демонстрируют незаурядное полистилистическое мышление, искусно фланируя меж границами жанров. Желаете что-нибудь оригинальное? Пожалуйста. И пространство наполняется ритмичными аккордами "Capitulos", поразительным манером сочетающей заводной драйв с затаенной светлой грустинкой. Чуть больше джаза? И вот уже резвые пальцы гитариста Хосе Игнасио Портиллы рисуют виртуозные кружевные вензеля в композиции "Perfiles". Размеренная "Fronton" дышит предрассветной свежестью и покоем, заряжая слушателя позитивом и настраивая на последующий сеанс саунд-терапии в виде задорного монотематического этюда "Luego te Digo"...
Удивительно, но невзирая на солидный возраст работы, она по-прежнему сохраняет свежесть и колорит. Пленяет многое: сочность красок, выпуклость образов, латиноамериканский кураж, артистизм, наконец. Единственный упрек ансамблистам - малая продолжительность альбома: всего лишь полчаса. Хотя... "даже в эти пять минут можно сделать очень много". Galie сделали. За что гигантское им спасибо.
N.B. Запись произведена с LP.

20 дек. 2008 г.

Atlantis Philharmonic "Atlantis Philharmonic" (1974)

Несмотря на громкое название, в штате Филармонии "Атлантис" числятся лишь двое: Джо ди Фацио (клавишные, гитара, бас, вокал) и Ройс Гибсон (ударные, перкуссия, вокал). Однако производимого дуэтом шума и впрямь хватило бы на целый оркестр. Американское происхождение этих обитателей города Кливленд, штат Огайо, угадывается слабо. Ведь исполняемая ими музыка звучит очень по-английски. Шикарный симфонический прогрессив-рок в традициях клавишноориентированных ансамблей типа ELP композиционно продуман до мелочей. Практически каждый трек на пластинке несет в себе элемент здорового пафоса, однако ребята совершенно не стесняются оного. Полифоническое насыщение осуществляется при помощи стократ проверенных артовых агрегатов. "Первую скрипку" ведет, конечно же, орган "Хаммонд". Тщательная работа с регистрами и умелая ритм-секционная поддержка в принципе вполне позволяли достославным янки обойтись без соло-гитары. Однако многостаночник Джо нашел таки пару-тройку подходящих моментов, чтобы внедрить туда дисторшированные возгласы шести металлических струн. Достаточно послушать отдающие брутальными нотками хардовые риффы милой вещицы "Death Man" (кстати, данный любопытный этюд в вокальной части и некоторых инструментальных эпизодах походит на творческие экзерсисы потрясающей британской команды Fantasy). Высших проявлений академической пафосности Atlantis Philharmonic достигают в "Fly-The-Night", текстуры которой обладают свойствами рок-оперы и феерической торжественностью карнавального представления. Здесь наряду с синтезатором Муга и "бомбардирующими" аккордами "Хаммонда" маэстро ди Фацио вводит в палитру клавесин, отчего сама интерлюдия приобретает легкий привкус барокко. Элегическая "My Friend" - демонстрация богатства всех оттенков клавишного спектра: и мелодическая линия, ведомая чистым фортепиано, и маскирующийся под скрипку меллотрон, и уже привычный клавесинно-органный альянс. Заключительный эпик "Atlas", помимо великолепных певческих гармоний, отличается приличным креном в сторону утяжеления саунда. Джо и Ройс не упускают возможности избавиться от академического лоска, сбросить фраки, сорвать с шеи галстуки-бабочки, дабы облачиться в потертые штаны с кожаными куртками и вдарить по высоколобым любителям симфонизма вязкими "саббатоподобными" проходами электрогитары. Зловещий мистицизм дремлющих в клубах тумана английских деревень, населенных призраками, дееспособен и за океаном, что, несомненно, должно порадовать определенную категорию меломанов.
Итог: отличная находка для всех поклонников хорошо забытой, не теряющей очарования старины. Очень рекомендую.

17 дек. 2008 г.

Mike Batt and Friends "Tarot Suite" (1979)

После успеха диска "Schizophonia" (1977) Майк Бэтт взял небольшой тайм-аут. Удачно опробовал себя на саундтрековом поприще (музыка к фильмам "Wombling Free", 1978, и "Caravans", 1979), а после решил вернуться к синтезу крупных симфонических форм с рок-стилистикой. И вскоре вдохновенное перо маэстро начертало в пространстве волшебные ноты "Сюиты Таро".
В приложении к пластинке потенциального слушателя честно предупреждают: данный альбом не имеет ничего общего с оккультизмом и прочими мистическими штучками. Майк использовал символику 22 главных арканов карт Таро исключительно как средство для создания творческого настроя. Древние образы Отшельника, Императора, Мага и остальных аллегорических персонажей трактуются Бэттом с позиций психологии, по сути, весьма близких к юнгианской системе архетипов. Каждая из фигур - частичка целостной картины Вселенной, а все вместе они являют ключ к пониманию не только законов мироздания, но и непостоянства человеческого "я"...
Композиционно "Tarot Suite" развивает идеи "Schizophonia", доводя их до максимума. И тому немало способствуют приглашенные друзья и коллеги, среди которых хватает громких имен. Это и прославленный ирландский гитарист Рори Галлахер, и не менее знаменитый сессионный мастер шести струн Крис Спеддинг, и легендарный саксофонист Мел Коллинз (Circus, King Crimson, Camel etc.), и маститый перкуссионист Рэй Купер в компании с ударниками Гарольдом Фишером и великолепным Тревором Моруа (Quantum Jump). Филармоническую поддержку принял на себя стократ проверенный Лондонский симфонический оркестр под управлением Ирвина Ардитти. В качестве дирижера, аранжировщика и органиста выступает сам Майк. И хотя произведение большей частью инструментальное, нельзя не упомянуть двух заслуженных певцов, внесших свою лепту в общее дело. Номер один - конечно же, культовый Роджер Чэпмен (ex-Family), озвучивший несравненным, по-старчески клекочущим тембром песенки "Imbecile" и "Run Like the Wind". И совершенным контрастом на этом фоне выглядит небесно-чистый голос Колина Блунстоуна (Zombies, The Alan Parsons Project), благодаря которому нежнейшая элегия "Losing Your Way In The Rain" производит впечатление секретного опуса из репертуара ансамбля Алана Парсонса. Не отстает от старожилов и хваткий мистер Бэтт: романтический поп-мадригал "Lady of the Dawn" в его исполнении стал одним из наиболее востребованных британских радиохитов того времени. Что касается безвокального содержимого сюиты, то оно замечательно прежде всего многослойностью повествования - от ритмики диско и виртуозных прогрессивных парабол до серьезнейших филармонических этюдов, демонстрирующих недюжинные способности мастермайнда проекта.
Итог: во всех отношениях великолепная работа, безусловно стоящая Вашего внимания.

13 дек. 2008 г.

Mr Brown "Mellan Tre Ögon Med Mr Brown" (1977)

Мистер Браун – это не только персонаж фильма «Бешеные псы» культового режиссера Квентина Тарантино, но еще и симпатичная шведская симфо-прог-группа второй половины 1970-х. Единственная пластинка этих ребят, прикольно озаглавленная "Меж трех глаз мистера Брауна" (и не менее прикольно оформленная), у себя на родине давно почитается классикой и входит в символическую десятку лучших симфо-роковых альбомов местного значения. Несмотря на скандинавское название релиза, составляющие его треки поименованы по-английски. Большая часть материала принадлежит перу органиста Андерса Нильсона - безусловного лидера ансамбля. Вообще, Нильсона с полным правом можно причислить к сонму ветеранов-первопроходцев шведской прог-сцены. Его, начавшаяся в конце 1960-х, музыкальная карьера развивалась по нарастающей. И уже на рубеже десятилетий Андерс стоял у руля пауэр-трио Восточнее Солнца, Западнее Луны, где ведущим инструментом был электроорган. Таким образом, будучи мастермайндом Mr Brown, Нильсон, невзирая на наличие двух гитаристов (Бо Карлберг и Ларс Мединг), сдавать позиции не собирался. Посему композиционная составляющая полнится красивейшими фортепианными элегиями классического толка.
Альбом условно разбивается на две части: «космическую» с затяжными инструментальными проходами, и балладную, тоже, впрочем, не лишенную налета «планетарного мистицизма». В открывающей "Suicide" слушателя ожидает характерное флойдообразное настроение с пространственным звучанием клавишных, отрывистыми пиано-аккордами, гилмороподобными пассажами электрогитары и традиционно меланхоличным нордическим вокалом Хакана Андерссона. Несколько застенчивые саксофонные тембры обрамляются размеренным диалогом, разыгрываемым Hammond’ом B3 и синтезатором ARP. Эпическая инструментальная "Recall the Future" соединяет в себе отстраненную безбрежность космоса с протяжными напевами флейты. Постепенно нагнетаемый минор внезапно сливается с абсолютно земными фольклорного свойства призвучьями, а полифонические всплески энергии чередуются с уместными лирическими вставками. Во втором отделении программы выделяются "Kharma 74" – симбиоз пахнущих стариной маршевых ноток и разудалых сельских плясок в симфо-артовой обертке, а также замыкающая "I’ll Arise", своей незамысловато-песенной основой вкупе с проникновенной манерой исполнения навевающая воспоминания о Doors.
Итог: замечательный релиз, превосходное украшение любой прог-коллекции.

11 дек. 2008 г.

Nautilus "What Colours The Sky In Your World?" (2004)

Чтобы понять, какого цвета небо в мире Nautilus, достаточно послушать интро начальной композиции "Doors to the Dark Room". Сомнений быть не может: эти призрачные кучевые ретро-облака принадлежат иному месту и времени. Ностальгический привет из славной эпохи далеких семидесятых, когда наряду с кружевной легкостью и мелодичностью прото-прогрессива звуковое пространство бороздили мрачные мастодонты, клейменные всесильным Червонным Королем...
Творчество британского инструментального квартета Nautilus - наглядное подтверждение факта: родина арт-рока еще богата талантами. Этим джентльменам с весьма знаковой для жанра кентерберийской пропиской чужда политика компромиссов. К черту назойливый радиосиропчик, говорят нам гитарист Энди Чейлинор, органист Пол Блюитт, басист Роб Тайсон и ударник Дэррил Финч. Удалите вату из ушей, отбросьте шоры и зацените-ка вот что. Да, оно не шибко уютное, местами колючее и злое, напряженное и смурное, рассерженно-суетливое, сухое и резкое. Но, черт возьми, как вы не понимаете? Оно НАСТОЯЩЕЕ! И, ей богу, этому веришь. Стилистика? Вероятно, дарк-прог. Но отнюдь не в духе современников типа Anekdoten или Riverside. Саунд Наутилуса полнится живительной шероховатостью аналоговой эры. Есть здесь и отголоски психоделического ритм-н-блюза конца шестидесятых ("Ghosts In The Wind"), и беспросветная тьма египетская кримзоновского шедевра "Starless", и смешливая вычурность ранних Pink Floyd с ее подчеркнуто английской абсурдинкой. А впрочем, ну их, дурацкие привязки к конкретным примерам из разряда легенд. Композиционное поле у Nautilus свое собственное, да и взгляд на природу вещей также отличается своеобразной оригинальностью. Подобный подход к сольным партиям и аранжировкам ныне редко у кого встретишь. На ум приходят разве что американцы Kopecky с их нервозно-гениальным диском "Serpentine Kaleidoscope". Но то было единожды, да к тому же с уходом в металлические дебри. А тут старый, проверенный десятилетиями рок со знакомыми обертонами "Гибсонов" и "Фендеров", точнейшей эмуляцией звучания "Хаммонда" с меллотроном, слаженной ритм-секцией и поразительно правдоподобным колоритом картины мира прежнего, доселе волнующего и трогающего душу. Головоногий моллюск наутилус увлекает за собой, в пучину забытой реальности, в пусть неяркую, зато притягательную обитель таинственных видений, гонимых ветрами прошлого...
Резюмирую: отличный релиз, истинное пиршество для меломанов,тоскующих по емким образным работам с классической длиной в 37 минут.

8 дек. 2008 г.

Rousseau "Flower in Asphalt" (1980)

Появись они лет на шесть пораньше, и было бы в загашнике у Германии одним конкурентоспособным ансамблем мирового уровня больше. Но волею случая эти немецкие парни повстречались лишь в 1977 году, когда мощная арт-роковая волна уже схлынула. Впрочем, молодых бойцов из клана имени великого французского философа Жан-Жака Руссо обстоятельство сие нисколечко не смутило. За путеводный ориентир ребята взяли симфонический прогрессив, на первых порах безвокальный. И с романтическим пылом, свойственным юности, энергично принялись за дело. Таким образом, в октябре 1978 г. в студии Лангендреер был записан первенец команды - альбом "Flower in Asphalt", до сих пор остающийся их лучшим творением. В непростой обстановке, о которой говорилось чуть выше, издавать пластинку никто не торопился. И широкие массы слушателей сумели порадоваться замечательной музыке квинтета лишь в 1980 г. Положа руку на сердце, ожидание того стоило.
"Цветок на асфальте" явил почтеннейшей публике вполне сложившуюся, профессионально подкованную группу. Здесь фактически отсутствуют огрехи, зачастую преследующие дебютантов. Семь великолепных произведений демонстрируют потенциальной аудитории недюжинную фантазию, тонкое мелодическое чутье и высокий исполнительский класс инструменталистов. Кажется, что бравая пятерка арт-рокеров впитала лучшее из багажа европейского симфо-прога. Вдохновенные переклички электрогитары Йорга Шварца с умиротворенными флейтовыми пассажами Кристофа Хюстера воскрешают в памяти чарующие эпизоды из творческой биографии поразительных англичан Camel и современников Rousseau - бесподобных испанцев Gotic. Проникновенный лиризм, подернутый флером едва заметной сказочности, роднит их с маститыми соотечественниками - гамбургской формацией Novalis (еще одни любители философии). Весомую роль в саунд-палитре играют клавишные. Заправляющий ими Райнер Хофманн использует довольно значительный keyboard-арсенал: тут и рояль Yamaha, и синтезатор Roland вкупе со String Ensemble, и конечно же культовые аналоговые чудеса техники - меллотрон с "Хаммондом". Словом, полифония достигается изумительная. И при этом идеальное чувство меры. Композиции, несмотря на скромный по параметрам жанра формат (в среднем от 4 до 5 минут, за исключением финальной почти 9-минутной "Dancing Leaves"), отличаются законченностью мысли и полновесностью образов. Последние, кстати говоря, выходят у Rousseau на редкость яркими, кинематографически выпуклыми и на диво привлекательными. Посему успех релиза на родине в принципе закономерен, хотя и не совсем объясним с позиций общеевропейских музыкальных тенденций того периода.
Итог: абсолютно чудесный диск, без преувеличения - классика симфонического арт-рока. Настоятельно рекомендую всем и каждому.

7 дек. 2008 г.

Subterranean Masquerade "Suspended Animation Dreams" (2005)

"Suspended Animation Dreams" напоминает экстравагантное блюдо, приготовленное адептами различных традиций: жутко эклектичное, но при том довольно съедобное. Секрет в мастерстве исполнителей, каждый из которых обладает собственной системой музыкальных ценностей. И эти разнообразные взгляды удивительным образом сошлись в одной точке, оформившись в картину благодаря идейным соображениям гитариста Томера Пинка.
Говоря начистоту, творчество Подземного Маскарада весьма нетипично для Америки. Тем не менее, возник состав именно здесь, в Бруклине, в конце девяностых. Первую демо-пленку из двух пролонгированных треков ребята сумели реализовать только в 2004 г. в виде EP "Temporary Psychotic State". Абсолютно некоммерческая, наделенная свойствами хамелеона музыка пришлась по вкусу руководителям местного лейбла The End Records. В итоге был подписан контракт. И в следующем году увидел свет полнометражный диск Subterranean Masquerade.
Как уже говорилось выше, композиционные структуры альбома тяготеют к мозаичности. Что обусловлено в первую очередь смысловой подоплекой: просто автору материала Томеру Пинку хотелось отобразить в звуковой перспективе все хитросплетение человеческих переживаний, тьму эмоций, преследующих нас на протяжении жизни. Отсюда стилевая чересполосица в рамках единой концепции. Акустические меланхолические прозрения в духе неопсиходелистов Старого Света сменяются вкраплениями тяжелого металла, растягиваются в светлые и прозрачные арт-роковые пьесы с обилием чистого фоно и обертонами "Хаммонда", трансформируются в мажорный джаз-рок с массированной атакой духовых и невесть откуда залетевшими эпизодическими партиями гроулинга (!). Складывается впечатление, будто заводила Томер решить немножко поиздеваться над слушателем, ибо каждый из моментов пластинки несет в себе эффект неожиданности. В разноликой "No Place Like Home" внезапно проступают микрохроматические черты арабского Востока (отдельное спасибо специально приглашенным Кобби Фархи из израильской команды Orphaned Land и Ишаю Свирцу, украсившим голосовыми экзерсисами эту вещь). Щедрый на выдумку Пинк, помимо прочего, привнес в палитру серьезность камерной классики ("Kind of a Blur"), лихо скрестив ее с ритм-секцией. "Six Strings to Cover Fear" - уникальная по своим параметрам "мешанина": тут Вам и симфо-прог, и дэт-вокализы Пола Кюра, и элементы рок-оперы, и сдвинутая "поркьюпайноподобная" гитара - короче, сам черт ногу сломит.
Резюмирую: очень интересная работа с немалой порцией "изюма". Не факт, что понравится каждому. И все же, рекомендую ознакомиться.

3 дек. 2008 г.

Julian's Treatment "A Time Before This" (1970)

Лондон конца 1960-х. Музыкальная Мекка на карте Европы. Место, давшее жизнь сразу нескольким культурным пластам, полное осознание важности которых придет лишь десятилетия спустя. Английская столица того времени - желанная цель для многих молодых людей, настроенных на творческую волну. Один из них - Джулиан Джей Саварин, выходец с карибского острова Доминика. Атмосфера Туманного Альбиона пришлась ему крайне по душе, попутно вдохновив на мысль о создании собственного рок-коллектива. Дело в том, что в запасе у Джулиана имелась близившаяся к завершению литературная научно-фантастическая трилогия, которую паренек мечтал положить на музыку. И здесь, на берегах Темзы ему наконец-то предоставился шанс.
Для начала Саварин обзавелся клавишными (ну сами подумайте, что за sci-fi без синтезаторов?). А там настал черед созывать единомышленников. В таковые записались гитарист Дил Уоткинс, басист Джон Довер, ударник Джек Драммонд, а главное - певица Кэти Пруден. В июне 1970 г. первенец Джулиана и К°, озаглавленный "A Time Before This", увидел свет. Итак, чем же порадовали многоуважаемую публику доселе неизвестные ей артисты? Америки Саварин, конечно же, не открыл, однако его композиционные изыски вполне соответствовали веяниям, царящим на британской музыкальной сцене. Julian's Treatment практически сразу взяли быка за рога. Исполняемый ими прото-прогрессив, опирающийся на органную игру мастермайнда ансамбля, свидетельствовал о приличном уровне подготовки участников. В умелых руках, как известно, все средства хороши. Тут их было предостаточно. Инструменталисты активно ввели в общую канву покуда не утратившие своих позиций тенденции космической психоделии, соединив ее с элементами ритм-энд-блюза, энергетикой тяжелого рока, легкими вкраплениями джаза и отголосками эпохи барокко. Гитарреро Уоткинс ко всему прочему оказался неплохим флейтистом, посему его духовые пассажи украсили ряд треков пластинки. Весьма выразительно звучит ритм-секция, очень точно подчеркивая все тематические нюансы. Но основной козырь альбома - вокал Кэти Пруден. Богатый оттенками, сильный и пластичный голос этой милой девушки идеально раскрывает смысловое содержимое фэнтези-опусов Джулиана. Более подходящую кандидатуру на роль певицы Julian's Treatment представить сложно.
Итог: прекрасный образчик раннеанглийского арт-рока. Рекомендую.

30 нояб. 2008 г.

Kerrs Pink "Art of Complex Simplicity" (1997)

Каюсь, предыдущий релиз этой норвежской команды – "A Journey on the Inside" (1993) – дослушать так и не сумел: не хватило терпения. Тот самый парадоксальный случай, когда все вроде бы неплохо и в то же время, выражаясь словами героя Андрея Миронова из кинофильма "Три плюс два":
- Степа, грустно!
Ладно, дело прошлое.
В отношении "Искусства усложненной простоты" сыграла на руку ситуация. Изначально альбом замышлялся как сольник гитариста и основного композитора группы Харальда Лютомта. Однако в процессе производства были привлечены дополнительные силы в лице музыкантов прошедшего и текущего составов Kerrs Pink, а также приглашены участники группы Mantra, с которой Харальд баловался тяжелым металлом в незабвенные восьмидесятые. Таким образом, четвертая позиция в дискографии банды оказалась закрытой. Члены обширного братства Kerrs Pink решили обойтись без концептуальных наворотов, и, как показал конечный результат, совершенно правильно. Курс на тихую уютную мелодичность с оттенком ностальгии оправдал себя полностью. Ветераны скандинавской сцены доказали собственную боеспособность, выдав 67 минут несколько пасторального симфонического прогрессив-рока в лучших традициях Camel периода 1990-х. Струнные пассажи мастермайнда коллектива недвусмысленно намекают на его увлечение творчеством Энди Лэтимера. Что ж, факт похвальный. Большая часть содержимого пластинки - чистые инструменталы авторства Лютомта. Англоязычная лирика отдельных треков принадлежит отцу-основателю ансамбля басисту Юстейну Хансену. Надежным базисом "Art of Complex Simplicity" служат сочные партии гитары, однако засилья ее не наблюдается: у каждого из ансамблистов достаточно пространства для выхода к слушателю. Эмоциональная часть звуковых полотен включает как умиротворенно-гармоничные, осязаемо-хрупкие пьесы, так и драйвовые этюды, мотивы которых коренятся в исконном северном фольклоре. Воспевание сказочных уголков родной природы, неподдельные красота и нежность, меланхоличная мудрость и теплота - все это не может не трогать. Столько здесь души, человеской сердечности и настоящего искреннего чувства, что кажется, внимая этим глубоким обертонам, и сам становишься чище, освобождаясь от хлама повседневных забот и тревог. Консервативное сочетание электрооргана Hammond C3 с акустикой, флейта, скрипка, виолончель… Разнообразные, одинаково приятные вокалисты...
Старый добрый симфо-арт, без претензий, зато со стойким ощущением праздника. Welcome to the Greenest Forest.

28 нояб. 2008 г.

Nick Magnus "Inhaling Green" (1999)

Высшее благо для профессионала - максимальная отдача делу, которому служишь. Вне зависимости от стилистики: будь то глубокомысленный симфо-роковый опус или же собрание фоновых мотивов для аэропортов, ресторанов и свадебных церемоний. Не важно, ведь музыка - понятие общее. И все-таки в подобном умозаключении кроется немалая доля лукавства. Ибо систему личных приоритетов никто не отменял.
По роду своей деятельности Нику Магнусу приходилось работать в самых разных жанрах. Однако собственное предпочтение этот английский джентльмен всегда отдавал прогрессиву. Оно и понятно: тесное общение с The Enid и длящееся десятилетиями сотрудничество со Стивом Хэккеттом не проходят бесследно. И хотя в сольных пластинках маэстро Магнус старается избегать штампов, последнее слово в них всегда за арт-роком. "Inhaling Green" - не исключение. Несмотря на тот факт, что Ник в первую голову органист, здесь он самостоятельно ведет партии всех инструментов. Немного о структуре альбома.
Начальные такты открывающей "Velociraptor" (сэмплированная перкуссия, заводной синтезаторный драйв) способны отпугнуть серьезно настроенного меломана. Но первое впечатление порою крайне обманчиво, и это как раз тот случай. Уже на последующем треке "Free The Spirit" слушателя погружают в мистическую звуковую реальность с масштабными клавишными оркестровками и тонкими соло флейты от приглашенного Джона Хэккетта. Яркие мелодические качества "The Devil and the Deep Blue Sea" сделали бы честь самому Яну Хаммеру, тем более, что выдержана данная вещь в его характерной манере. Ритмичный поп-номер "Cantus" а-ля Gregorian/Enigma украшен великолепным меццо-сопрано Клэр Бригсток. Пафосный симфонический этюд "Conquistador" - явная отсылка к Вангелисовской "1492: Conquest of Paradise". Шикарная, мастерски воплощенная стилизация. "Dixon Hill" в меру "раздолбайский", ни к чему не обязывающий среднетемповый джаз: пустячок, а приятно. "Veil Of Sighs" - элегический шедевр, поразительной красоты полночный цветок на равнине Аваллона: симбиоз берущего за душу искусства Джона Хэккетта и композиционного гения Ника Магнуса. "Theme One" - клубный римейк одноименного хита Джорджа Мартина, более известного в интерпретации Van Der Graaf Generator: добро пожаловать на вечеринку! 16-минутный титульный эпик - по-мичурински причудливый гибрид развернутых оркестровых образов (большой привет The Enid), футуристического "техно" с вокодированными речитативами, космического прог-рока (гитарную поддержку обеспечивает Джефф Уайтхорн из Procol Harum) и торжественных оперных хоралов. Совершенно эксклюзивный звуковой коктейль от мистера М.
Итог: отличный релиз, рекомендую каждому поклоннику хорошей музыки.

25 нояб. 2008 г.

Inquire "Melancholia" (2003; 2 CD)

Немцы - народ серьезный, рационально озабоченный (несмотря на всю критику чистого разума). Любят, понимаешь, загнуть по-крупному. Вот и германское трио Inquire не ищет легких путей в музыке. Стартовали они в конце 1990-х с более или менее приличного неопрога. Однако уже к году двухтысячному выдали довольно крепкий альбом "The Neck Pillow", продемонстрировавший определенную зрелость идей и явственный профессиональный рост. Их третье творение "Melancholia" - пик творческих исканий ансамбля. Смысловой основой для этого мощного концептуального полотна послужили отдельные мотивы романа Жана-Поля Сартра "Тошнота". Впрочем, не только вышеозначенный корифей экзистенциализма вдохновлял группу. В числе инспираторов – Николай Коперник, Альберт Эйнштейн, Зигмунд Фрейд, Карл Ясперс, Платон, Новалис и масса других персонажей мировой науки. Как видите, все очень непросто. В музыкальном плане перед нами по-хорошему современный симфонический прогрессив-рок с легким оттенком ретро, вносимым клавишными. Английскую лирику, проникновенно и драматично пропетую гитаристом Дитером Кроменом (местами используется мелодекламация, сопровождаемая саунд-эффектами), удачно дополняют цитаты из Сартра на языке первоисточника, озвученные приглашенными чтецами. Крупные планы то фокусируются на вычурной работе электрогитары, исполняющей крайне замысловатые соло вперемежку с резковатыми риффами, то смещаются в сторону прозрачно-деликатных синтезаторных пассажей, чей интеллигентный рисунок отсылает к Marillion и отчасти Pink Floyd. Композиционно пластинка выстроена довольно-таки изощренно: симбиоз яркой мелодичности и частой "покадровой" смены ритмических линий привносит в общую палитру солидную порцию интриги, из-за чего релиз слушается с интересом до самого конца.
На втором диске Inquire еще раз доказывают слушателю, что не лыком шиты, и по примеру соотечественников Mekong Delta обыгрывают классическое произведение средствами рок-музыки. 18-минутная инструментальная сюита "Welcome to My Rock and Roll" являет собою переложение 3-й симфонии для органа французского композитора Луи Виерне (1870-1937). Работает троица на полную катушку, пересыпая унисонные полифонические разряды камерными моментами, где ведущая роль отводится чистому фоно. Особый шарм виртуозно воплощенной сюите придают эпизодические бархатные позывные "Хаммонда" и тонкая оркестровая аранжировка.
Вердикт: талантливо, симпатично, оригинально. Молодцы, тевтоны.

23 нояб. 2008 г.

Dogstar Poets "Off-Planet" (2002)

Попытка возвращения в музыку под надежным и почитаемым в среде меломанов именем Jade Warrior с самого начала не задалась. Хотя предпосылки к тому имелись. Все же басист/вокалист Глин Ховард - один из отцов-основателей JW, добровольно покинувший команду из-за несогласия со сменой репертуара, вызванной переходом под крыло лейбла Island Records. Гитарист Дэвид Дьюиг, родной брат покойного мастермайнда легендарной группы Тони Дьюига, с 1972 года периодически "светился" в рядах Нефритового Воина. Что касается исполнителя на табла Алана Прайса, то его духовная связь с JW возникла в 1973 г., на стадии подготовки пластинки "Eclipse". Тем не менее, исход дела решил отказ основного композитора ансамбля Джона Филда. То ли великолепного флейтиста смутило наличие уже готового материала, то ли какие-то иные обстоятельства... В общем пришлось-таки Воину обернуться в Поэтов Собачьей звезды (наименование Сириуса в культуре отдельных этносов). Укомплектованный ударником Дэйвом Льюисом и перкуссионистом Брайаном Имигом состав приступил к воплощению задуманного...
Музыка DP – бальзам на душу приверженцев полупсиходелической манеры JW. Убеленные сединами Дьюиг и Ховард, пользуясь достижениями современных технологий, устремляются в гипнотическое странствование по темным лабиринтам сознания с последующим вылетом в открытый космос. Хендриксоподобные электрические разряды гитары сталкиваются с протяжной певучей мелодикой баса и умиротворенным вокалом Глина. Множество звуковых эффектов придают картине, сотканной под влиянием Карлоса Кастанеды, Джона МакЛафлина, ирландских саг и буддистских сутр, дополнительные глубины с намеком на некие потайные измерения. Реальность дрожит и расплывается в сладком дурмане благовоний, воскуряемых английскими шаманами. Как всегда нашлось место и восточным мотивам, на сей раз индийским ("Karmakaze"," Passion Play", "Fare Thee Well"), и пространному блюзу ("Dear John"), симфоническим элементам, умело скрещенным с астральными веяниями и модерновым грувом ("Turn That Wave"). Альбом полнится разнообразными нюансами и в целом представляет собой интересный образчик современного и, что немаловажно, абсолютно оригинального прогрессива, сыгранного фактически без оглядки на семидесятые. Жаль, не хватает флейты Джона Филда, но тут уж… Любопытный релиз.

21 нояб. 2008 г.

Premiata Forneria Marconi "Stati di Immaginazione" (2006)

"Stati di Immaginazione" - превосходное подтверждение тезиса о нестареющих душой ветеранах. Покуда отдельные седовласые представители племени арт-роковых "динозавров" выжимают из себя последние соки, родоначальники итальянского симфо-прога умудряются черпать вдохновение из чудесного, но неведомого для прочих источника. Последнее на сегодняшний день студийное творение PFM во многом необычно по меркам самих музыкантов. Пункт первый: концепция. Восемь сочинений релиза задуманы как набор саундтреков к гипотетическому видеоряду. И с этой точки зрения название диска ("Используйте воображение") абсолютно оправдано (для тех, у кого с фантазией туговато, специально прилагается DVD, наглядно иллюстрирующий каждую звуковую фазу пластинки). Пункт второй: абсолютный отказ от вокального сопровождения. Это позволило бравой троице в лице Франца Ди Чоччо (ударные, перкуссия), Франко Муссиды (акустическая и электрическая гитары) и Патрика Дживаса (бас-гитара, безладовый бас, флейта) лишний раз блеснуть композиционно-исполнительскими талантами. Для полноты картины были приглашены скрипач/клавишник Лючио Фаббри и органист Джанлюка Тальявини, идеально вписавшиеся в ансамбль. Итогом такого сотрудничества явился удивительный по силе и красоте релиз, полный свежих мыслей, ярких и зрелых образов. Слушателя увлекают в пестрый событийный водоворот, где можно практически воочию лицезреть живописнейшие картины из далекого и не очень исторического прошлого (от великих открытий старика Архимеда и эпохи римских завоеваний до момента образования всемирно известного "Города на воде", то бишь Венеции, демонстрации провидческих изобретений гениального Леонардо и экскурса в Нидерланды начала двадцатого столетия). Музыкальные планы переливаются сложносоставными спектральными полосками. Участники квинтета на редкость убедительны в любых жанровых ипостасях - будь то камерно-пасторальная пьеса с чистым фоно, классическими скрипичными соло и трогательно-нежными обертонами флейты или же рапсодия в стиле рок с фьюжн-выкрутасами электрогитары, космическими тембрами синтезаторов и мощными ударными. Комплексная саунд-мозаика при этом отнюдь не мешает утверждаться выразительной мелодической составляющей любого из эпизодов, что в свою очередь подчеркивает опыт и мастерство ансамблистов, за которыми кроются годы упорной работы.
В общем, пороху в пороховницах у этих ребят хоть отбавляй; хватит на всех. Так держать, синьоры.

20 нояб. 2008 г.

Gordon Giltrap "Visionary" (1976)

"Visionary" - поворотный пункт в музыкальной карьере безмерно одаренного гитариста. Будучи закоренелым сторонником акустического звучания, Гордон всегда придерживался этой условно-консервативной манеры игры (если не считать короткого отрезка времени, проведенного в составе фолк-фьюжн группы Accolade). И так продолжалось до середины семидесятых, точнее, до осени 1975 г., ставшей для мистера Гилтрэпа моментом истины. Маэстро вдруг ясно осознал, что прежних средств в задуманной им работе вряд ли достанет. Тема требовала новых подходов - как композиционных, так и инструментальных. Возникла необходимость в помощниках; и они нашлись. В единомышленники Гордон позвал довольно опытных артистов - органиста/аранжировщика Рода Эдвардса, басиста Джона Джи Перри (Caravan, Quantum Jump, Aviator, соло) и ударника Саймона Филлипса. Симфоническое наполнение доверили камерному ансамблю под управлением Джорджа Хэймера. В столь замечательном окружении можно было приниматься за воплощение мечты, чем Гилтрэп не преминул воспользоваться.
Сквозная концепция "Visionary" - авторский взгляд на творчество Уильяма Блейка (1757—1827) - известного английского поэта и художника, натуры поистине ренессансной, чье духовно-эстетическое наследие, полное мистических озарений, продолжает притягивать к себе взоры пытливых исследователей. Логично было бы предположить, что основу альбома составят стихи самого Блейка. Но Гордон намеренно отказался от текстовой составляющей. Это его внутреннее, не обремененное словами видение тех процессов, о которых некогда писал гениальный уроженец английской столицы. В структуре треков мастермайнд проекта соединил сразу несколько стилевых приемов - средневековые барочные мотивы, фольклорную мелодику и полифонический арт-роковый драйв. В большинстве случаев Гилтрэп остается верен акустике. Его изысканные светло-минорные арпеджио удачно оттеняются окестровыми мазками и воздушными клавишными. Местами этот виртуоз-традиционалист все ж таки прибегает к использованию электрической разновидности инструмента (как, например, в "Lucifer's Cage"), и тогда в мир нисходит Его Величество Рок...
Заключение: оригинальный релиз, открывший серию тематических звуковых путешествий, продолженных лонгплеями "Perilous Journey" и "Fear of the Dark". Рекомендуется всем поклонникам прозрачно-кружевных этюдов с намеком на неоклассику.

19 нояб. 2008 г.

Sebastian Hardie "Four Moments" (1975)

Если проследить истоки этой австралийской формации, то окажется, что первым ее воплощением был ансамбль Sebastian Hardie Blues Band, созданный в 1967 году басистом Питером Плавсичем. Однако постоянством в рядах коллектива не пахло. Состав частенько менялся, в зависимости от обстоятельств, и Питер уже подумывал бросить все к чертовой матери. Но природная проницательность и железная логика в итоге одержали верх над необоснованными позывами. Плавсич решил начать с чистого листа. Для этого он сократил вдвое название группы и позвал новых лиц - родного брата Алекса (ударные, перкуссия), органиста Тойво Пилта и гитариста/певца Марио Милло. На дворе стоял 1974 год. Мир переживал арт-роковую лихорадку, отголоски которой, разумеется, проникали на просторы "зеленого континента". В общем, изрядно посвежевший квартет за основу взял как раз такого рода рода музыку в ее наиболее мелодичном ключе. И не прогадал.
Несколько слов о пластинке. Центральную часть занимает 20-минутный эпик "Four Moments". Автором этого масштабного опуса, равно как и почти всего остального материала стал маэстро Милло, довольно быстро вытеснивший с лидерских позиций старожила Питера. И в общем-то правильно. Без сочинительских талантов Марио Sebastian Hardie навряд ли добились бы успеха на родине и заслуженного международного признания. Можно сказать, что дебютный альбом австралийцев - своеобразный бенефис их харизматичного фронтмена. Вечный романтик Милло буквально расцветил каждую композиционную секцию лирическими тонами. Гармонические позывные его гитары красиво обрамляются клавишными Тойво Пилта, в палитре которого представлен практически полный спектр классического аналогового арсенала: Муг, меллотрон, орган "Хаммонд", фортепиано... Апофеозом чуткости и взаимопонимания обоих музыкантов, без сомнения, является инструментальная элегия "Rosanna" с ярчайшими соло Марио Милло, напоминающими разом Эндрю Лэтимера (Camel) и Яна Аккермана (Focus). Не случайно эта вещь победила в национальных чартах как лучший безвокальный трек. Пролонгированные звуковые ландшафты замыкающей 13-минутной "Openings" по целому ряду характерных деталей весьма близки к творениям мастеров голландского прога Finch, а легчайший астральный флер, создаваемый кудесником Тойво, наводит на мысли о флойдовской "Shine On You Crazy Diamond"...
Резюмирую: шикарный диск, истинный подарок для поклонников симфонического прогрессива. Рекомендую.

14 нояб. 2008 г.

Deadwood Forest "Mellodramatic" (2000)

Звуковая машина времени. Пожалуй, так можно обрисовать творчество парней из заштатного техасского городка Бэйтаун. Стремление воссоздать дух семидесятых увенчалось практически стопроцентным успехом. Стоит нажать кнопку "Play", и вот уже бурлит-переливается теплыми аналоговыми волнами бескрайнее арт-роковое море. Меланхоличные позывы меллотрона - кажется, сотни раз слышанные в совершенно различных вариациях; но, видимо, велика колдовская мощь этого инструмента, ибо всякий раз тембры его вызывают одно и то же чувство - неподдельную ностальгическую радость. Шестидесятнические россыпи перкуссии вкупе с переборами акустической гитары, балладной мелодикой и характерной вокальной манерой навевают воспоминания о гениальных The Beatles. И только расслабишься, погрузишься в негу, как внезапно обрушится на тебя бескомпромиссный шизоидный электрический напор а-ля King Crimson, встряхнет по-свойски, проберет до прожилок, и вновь окрасится горизонт в лирико-драматические тона, заворкует в колонках старенький да удаленький "Хаммонд", задаст драммер перчику, подбросит звукоинженер Крис Клайн горсточку шероховатости и станет на душе хорошо...
Несомненная удача ребят - приглашение на роль продюсера шведского музыканта Маттиаса Ольссона, участника великолепных Änglagård. Уж кто-кто, а он-то не понаслышке знает, как придать записи тот или иной оттенок, реанимировать атмосферу отшумевшей эпохи. "Mellodramatic" - абсолютное воплощение задуманного, ювелирная работа по оживлению культурного слоя тридцати-сорокалетней давности. И тут уж отдельное спасибо исполнителям - Райану Гидри (вокал, гитара, клавишные, терменвокс, перкуссия), Курту Кобурну (бас, вокал), Митчу Минано (клавишные, гитара) и Энди МакУильямсу (ударные, программирование, гитара). Композиционные структуры подчеркнуто непредсказуемы. В рамках одной темы бесчисленное множество настроений: от мрачноватых полу-психоделических штормов до нежнейших лазоревых рассветов. "Спотыкающиеся" ритмические прогрессии запросто переходят в приятную мотивность, и наоборот. Хрипловатый органный наигрыш то дразняще-несерьезен и мил, а то вдруг окрысится, обернется колючками наружу да подпустит нервозности в общий саунд-котёл не хуже, чем какие-нибудь Gargamel. Так что, дорогие друзья, с Deadwood Forest надо держать ухо востро: уж больно хитры на выдумку.
Итог: отличный релиз. Сорок восемь минут тотального ретро в традициях британского прогрессива прошлых десятилетий. Рекомендую.

13 нояб. 2008 г.

Erkki-Sven Tüür "Crystallisatio" (1996)

Основной структурный принцип своих музыкальных исканий композитор Эркки-Свен Тюур (р. 1959) определяет словом "архитектоника", то есть комбинация различных пластов (звуковых текстур, исторических форм, джазовых элементов), лежащих в фундаменте единого здания. В собственном развитии этот удивительный человек прошел долгий тернистый путь от художественного руководителя легенды эстонского арт-рока In Spe до одного из грандов современного мирового академического авангарда. Данная программная работа – пять сочинений для электроники с оркестром. Синтезаторами ведает сам маэстро (вторым исполнителем выступает Айн Вяртс), а симфоническое наполнение обеспечивают Таллиннский камерный оркестр и Эстонский филармонический камерный хор. Характер произведений разнится: начальная "Architectonics VI" вполне отвечает внутренним установкам Тюура. Несколько угловатая, постоянно меняющая фокусировку пьеса уподобляется шарику для пинг-понга, движущемуся по весьма замысловатой траектории: нервические метания струнных, едва заметная монотонная плоскость электронных подкладок, чехарда темпо-ритмов - точно иллюстрация сумятицы и напряжения, в коем пребывает среднестатический обыватель новой эры. Этюд "Passion" - полная противоположность предыдущему опусу. От вкрадчивых осторожных маневров виолончелей в нижнем регистре слушателя постепенно ведут к напоенному светом возвышенному скрипичному крещендо. "Illusion" - собрание вывернутых наизнанку барочных мотивов, уложенное довольно интересным манером. Оригинальность авторского мышления Эркки-Свена тут проявляется во всей красе. "Crystallisatio" для трех флейт, колокольчиков, струнной секции и электроники - мистическое путешествие вглубь природы вещей. Столкновение заряженных частиц порождает хаотическую размытость картины, однако и в ней находится место для воздушных романтических пассажей. Завершающая 28-минутная "Requiem" - посвящение Пеэтеру Лилье, дирижеру Эстонского Государственного оркестра и близкому другу Тюура, умершему в 1993 году в возрасте 43 лет. Величественная и печальная фреска на текст католической заупокойной мессы сопровождается торжественными хоралами, поражающими мрачной «готической» красотой, приковывающей внимание меломана и погружающей его в абсолютно неземные сферы за гранью реальности.
Подлинная классика ХХ века.

11 нояб. 2008 г.

Karfagen "The Space Between Us" (2007)

"А кроме того, я утверждаю, что Карфаген должен быть разрушен", - некогда настаивал упрямый Марк Порций Катон. Минули века, всесильная Римская империя обратилась в прах. А Карфаген, как ни странно, обрел второе рождение. Правда, местом его дислокации ныне является территория Украины, конкретнее - славный город Харьков. Как такое может быть, спросите? Да очень просто: Karfagen - название музыкального проекта, основанного в 1994 году 13-летним Антоном Калугиным. С тех пор много воды утекло. Юноша вырос, изменился и характер его сочинений. Несмотря на тот факт, что мастермайнд коллектива является самоучкой, под своим крылом ему удалось объединить профессиональных исполнителей, за плечами которых серьезное консерваторское образование. Комплексные звуковые полотна харьковчан пришлись по вкусу руководству канадского прог-лейбла Unicorn Records, в 2006 году издавшего их диск "Continuum". Пластинка получила хорошую прессу и теплые отзывы меломанов из разных стран. Годом позже команда неутомимого Антона выдала на гора второй "магнум опус" - "The Space Between Us". В композиционном отношении творчество карфагенян являет собою прилично сбалансированный коктейль, состоящий из элементов игрового арт-рока, эпизодов клавишноориентированной нью-эйдж стилистики, оркестровых вставок, изящных джазовых выкрутасов, этнических влияний Малой Азии и много чего еще. Пластичные инструментальные линии мелодико-ритмическими арабесками растекаются по палитре, бесконечно умножая ипостаси, обнаруживая себя то в слоистых, воздушных, наполненных светом пасторалях, то в плотных фьюжн-структурах; из прогрессивных лабиринтов трансформируясь в пряную экзотику Востока или же напротив - погружаясь в окрашенные торжественными хоралами глубины европейского симфонизма.
В общем, достаточно занимательная экскурсия, наглядно показывающая, что и в нашу пеструю эпоху можно быть вполне оригинальным артистом, черпать вдохновение из разных источников, никого не копируя при этом.

10 нояб. 2008 г.

Gordon Giltrap "Troubadour" (1998)

Человек, похожий на Мерлина, вдумчиво взирает с лицевой стороны CD-буклета на потенциального слушателя. Знакомьтесь: Гордон Гилтрэп; ветеран британской сцены, авторитетный музыкант и одна из ключевых фигур мирового фолк-арт-рока. Простим художнице Сью Мартин маленькую вольность: вместо привычной гитары пальцы артиста сжимают гриф лютни, более подобающей изображенному антуражу. Как бы там ни было, а в своем жанре маэстро действительно достиг волшебных высот. И "Troubadour" - блестящее тому подтверждение.
Диск, посвященный памяти Альберта Манчестера, - родного дяди и близкого друга Гордона, включает четырнадцать пьес для гитары с оркестром. Стилистический охват их весьма широк: от средневековых мадригалов до околоджазовых прогулок и гармонических подражаний манере игры на арфе. Исполнитель Гилтрэп данной работой отдает должное практически всему, что вдохновляло его на протяжении долгого звукового странствия. И первой ласточкой оного становятся две романтические баллады Джона Фаррара и Тима Райса, по воле инициатора действа, объединенные в единое композиционное целое, - "A Misunderstood Man / Be With Me Always". За бессловесный вокализ здесь отвечает специально приглашенный кумир английской публики 1950-60-х Клифф Ричард. Другое воздаяние вышеозначенному авторскому дуэту - номер "Isabella's Wedding (Heathcliff's Wedding Song)". Остальные мотивы (если не считать заключительного традиционного наигрыша "The Kerry Dancers") принадлежат перу самого Гордона. Наслаждаясь четким струнным рисунком, подспудно сознаешь: подобные мелодии не могли появиться за пределами Соединенного Королевства. Творчество Гилтрэпа подчеркивает национальный колорит своей страны. У каждого трека собственная история, связанная с воспоминаниями детства ("On Camber Sands"), имеющая географическую привязку ("A Dublin Day", "Down the River") или навеянная определенными явлениями природы ("Rain in the Doorway"). Гитара при поддержке симфонического оркестра сродни мастерице, виртуозно ткущей изысканный гобелен, чья поверхность демонстрирует удивительные пейзажи Туманного Альбиона. Эти красочные созвучия напоены какой-то поразительной гармонией, чистотой и давно забытым покоем. Бесконечно земные по сути, насыщенные нюансами полотна. Тонкая вязь Ренессанса в сумасшедшем электронном мире поколения Х.

8 нояб. 2008 г.

Ole Lukkøye "Zapara" (1993)

Этно-транс, психоделик-фолк, биохэк... Каких только ярлыков не вешали на музыку петербуржского ансамбля щедрые на выдумку журналисты. Бесспорно одно: творчество Оле Лукойе уникально, самобытно и совершенно не имеет аналогов ни у нас, ни за рубежом. Создатели коллектива - Борис Бардаш (клавишные, программирование, перкуссия, акустическая гитара, голос) и Андрей Лавриненко (бас-гитара, акустическая гитара, перкуссия, флейта, голос) прошли хорошую школу в рядах не менее загадочной формации Сезон Дождей. И свойственная последним тяга к эксперименту и оригинальности звучания получила очередной виток развития уже на новой, крайне благодатной почве. Группа, названная в честь персонажа известной сказки датчанина Ганса Кристиана Андерсена, несет слушателю весьма замысловатое послание, основная цель которого - распахнуть глубинные полумифические пласты подсознания, заложенные поколениями предков. Словом, участники Оле Лукойе (а помимо Бардаша и Лавриненко, это гитарист Георгий Стариков, фаготист Александр Фролов, виолончелист Петр Акимов и перкуссионисты Валентина Сидорова и Павел Литвинов) выступают в качестве своеобразных регрессивных гипнотерапевтов. Напевные речитативы Бориса, основанные на фольклорном наследии различных культур (старославянская, испанская, полинезийская), пропущенные сквозь призму его поэтического миросозерцания, - важнейшая составляющая тканевой структуры композиций пластинки. Русскоязычное шаманское камлание в треках типа "Все правильно" ("Everything is Right") или "Хорошие волны" ("Good Waves"), несмотря на кажущуюся смысловую парадоксальность, благодаря удивительному мелодическому строю, воспринимается на редкость гармонично. Музыкальные разработки Оле Лукойе - это комплексные саунд-путешествия вглубь эпох и традиций. Однако, характер их отнюдь не условно-иллюстративный. Каждая из вещей на альбоме - своего рода акт познания, скрепленный печатью откровения. Средства же, избираемые для оного, могут быть какими угодно: от медитативного электронно-ритмического наполнения с акустическими добавками до прогрессивного симфонизма (как, например, во вступительной фазе "Анкаракарачи"); главное, чтобы форма не довлела над содержанием (и наоборот).
Итог: релиз, незаурядный во всех отношениях. От общих рекомендаций воздержусь, однако, поклонники небанальных творческих актов, несомненно, оценят его по достоинству.

7 нояб. 2008 г.

Ketil Bjørnstad, David Darling, Terje Rypdal, Jon Christensen "The Sea" (1995)

Произнесите мысленно: Н о р в е г и я. Какие ассоциации приходят на ум? Снег? Фьорды?
Море?
В точку.
Бескрайнее северное море под угрюмыми небесами. Источник жизни, пропитания и вдохновения. Истинный норвежец никогда не устанет любоваться этим первозданным сокровищем. И нет ничего удивительного в том, что именно морю посвятил свою тональную поэму в 12 главах композитор и пианист Кетиль Бьорнстад. Воспеть национальное богатство страны во всей красе он позвал лучших из лучших - виолончелиста Дэвида Дарлинга, гитариста Терье Рюпдаля и перкуссиониста Йона Кристенсена. В итоге квартет ярчайших визионеров-импрессионистов от музыки произвел на свет подлинный шедевр, исполненный невероятной красоты, глубины и мощи. Четыре различных настроения в рамках единой стихии, четыре противоположных темперамента лежат в основании совершенной скандинавской рапсодии. Академические рубато и пианиссимо Кетиля олицетворяют лирическую созерцательность, предвечернее штилевое спокойствие. Его игра - тот необходимый цементирующий слой, что является залогом успешного сопряжения разноликих элементов, вносимых коллегами. Струнные пассажи Дарлинга сродни подводным течениям, всякий раз меняющим курс. Нарочито тягучие, обманчиво расслабленные они внезапно наливаются тревогой. Мнимая циклическая стройность оборачивается вспышками молний, скрипом переборок терпящего бедствие суденышка, рискнувшего поспорить с прожорливой темной пучиной. Однако настоящее буйство природы, его бесшабашный разгул воплощает на альбоме гениальный маэстро Рюпдаль. Каждое движение пальцев по грифу отвечает за определенный образ. Предельная точность фразировки, абсолютно ничего лишнего. Скользящее арпеджио - и вот уже устремились вперед пенные барашки волн. Неуловимый пасс - и в воздухе повисает тоскливый крик альбатроса. В финале, после серии хаотических штормовых атак Терье и вовсе выдает нечто щемяще-гилморовское, будто пытаясь обуздать собственную авангардную сущность, облагородить блюз-роковыми кружевами. Вечный джазмен Кристенсен, на первый взгляд, работает достаточно контрастно по отношению к прочим. Перкуссионные постукивания и перезвоны рассыпаны спорадически по палитре и, вроде бы, возникают сами по себе, произвольно. Но в оном вся соль. И спустя некоторое время начинаешь понимать: "импровизационные" изыски дядьки Йона на деле хорошо продуманы, семь раз отмерены и отрезаны там, где нужно. Не знаю, что еще добавить. Слов катастрофически мало. Да и проку в них...
Лучше сделайте звук погромче, закройте глаза и насладитесь величественной картиной, созданной Мастерами.

5 нояб. 2008 г.

Ezra Winston "Ancient Afternoons" (1990)

Когда говорят о ренессансе европейского прогрессива в эпоху 1990-х, обычно поминают шведов. А между тем в Италии, к примеру, существовало внушительное количество арт-роковых коллективов, образовавшихся на излете предшествующего десятилетия. Одни из самых интересных представителей прог-сцены Апеннинского полуострова тех лет - квартет Ezra Winston. Своим чудаковатым именем парни обязаны аргентинской серии комиксов с аналогичным названием, издававшихся в 1960-е. Однако, никакого легкомыслия, свойственного рисованному жанру, в музыке итальянцев вы не услышите. Напротив, уже дебютная их пластинка "Myth of the Chrysavides" демонстрировала определенную зрелость идей и при этом придерживалась канонов классической сонатной формы. "Ancient Afternoons" укрепил позиции ребят на ниве интеллектуального рока и вдохновил отдельных тамошних прогеров на создание собственных шедевров (влияние стилистики Ezra Winston угадывается в творчестве современников последних - ансамбля Eris Pluvia и оформившихся позднее Finisterre). Опираясь на находки ветеранов типа Campo di Marte и PFM, эта четверка бойцов выстраивает на редкость привлекательные, тщательно продуманные номера с пролонгированными инструментальными пассажами. Великолепнейшее сочетание пасторальных акустических этюдов, в которых ткут воздушные гармонии гитара и флейта, и изобретательных электрических пьес с прекрасно воплощенной клавишной оркестровкой, деликатными тембрами и образно-сказочными соническими ландшафтами. Трогательные интонации поющего органиста Мауро ди Донато лишь подчеркивают хрустальную нереальность происходящего в колоритном звуковом пространстве. Поклонникам The Flower Kings рекомендую внимательно ознакомиться со второй частью трека "Verge of Suicide" - маршевые ритмы ударных в связке с синтезаторами вызывают вполне однозначные ассоциации. Духовик Паоло Лучини не ограничивает себя флейтой, поочередно подключая к действию саксофон и трубу, а также применяет разномастные электронные примочки. Гитарные соло Стива Помтани явно вдохновлены элегантной манерой Стива Хэккетта, но, ей богу, более уместный расклад в контексте данного альбома придумать сложно. "Ancient Afternoons" насквозь пронизан лирической атмосферой, отголосками старомодного романтизма, коего сейчас и не сыщешь.
Итог: бесконечно изящная работа, к великому сожалению, замкнувшая дискографию Ezra Winston. Искренне рекомендую всем любителям хорошей музыки.

4 нояб. 2008 г.

Dawn "Loneliness" (2007)

Удивительно, сколь обманчивым порою бывает оформление альбома. Глядя на легкомысленное, будто бы наспех состряпанное изображение с обложки, вряд ли придет в голову соотнести данных артистов с таким мудреным направлением, как симфонический прогрессив. И тем не менее, швейцарский квартет Dawn принадлежит к означенному лагерю. "Loneliness" - дебютное творение ребят, но воплощено оно на редкость профессионально. Впрочем, ничего удивительного здесь нет. Ведь работе в студии предшествовала достаточно продолжительная концертная деятельность. И недаром именно участникам Dawn выпала честь открывать выступления грандов типа Kansas и Фиша на различных прог-фестах.
По словам музыкантов, в основе тематики диска - размышления о человеческой жизни со всеми ее взлетами и падениями. Комплексное звучание группы выстраивается засчет богатого использования "винтажного" арсенала клавишных: органист Николас Гербер - убежденный ретроград, посему палитра расцвечена брызгами "Хаммонда", массивными меллотроновыми подкладками, классическими пианиссимо. Засилья вокала не наблюдается. Выступающий в качестве певца гитарист Рене Дегюмуа ведет себя крайне деликатно, четко сознавая, что его голос - отнюдь не главный козырь пластинки: приятно, мотивно, но не более того. Длина композиций варьируется от вещей "форматных" на 4-5 минут до громоздких эпических пьес, в которых прослеживается влияние легендарных Genesis (тяга к максимальной драматизации повествования). На лицо также определенное разделение обязанностей: если ритм-секция (Жюльен Вуатаз - бас, Патрик Дюфреснэ - ударные) работает в достаточно ровной, практически неопроговой манере, то остальная двоица исповедует условно-консервативный стиль игры. Треки "Rain on the Moon" и "Loneliness" словно процежены малиновой полоской заката, тончайшей светлой грустью. Обманчивые россыпи авангардных призвучий в интроспективной части 18-минутной "The Story of Nobody" легко переходят в развернутые мелодические картины, где есть место и напористым риффовым атакам гитары, и струящимся аналоговым каскадам, и гипнотическому шепоту фронтмена... В сочетании энергетической рок-подачи с пространной меланхолией как раз и проявляется собственный уникальный почерк Dawn.
Весьма любопытный коллектив, несомненно, достойный вашего внимания.

3 нояб. 2008 г.

Triangulus "Triangulus & Björn J:son Lindh" (1985)

Покинувши Ragnarök, неугомонный Петер Брюнгельссон ввязался в очередную историю. На сей раз под названьем Triangulus. Для затравки маэстро позвал коллегу по старой группе - ударника Томаса Вигерта. Там и остальные бойцы подтянулись: гитарист и клавишник Дан Йонссон, перкуссионист Ханс Брюньюссон (Samla Mammas Manna), басист Хенрик Седерберг, органист Ларс Лильегрен, скрипач Раймо Юнтунен и виолончелист Ове Карлссон. С жанровым вопросом служители Треугольного культа разделались просто: музыкальный эксперимент. А для солидности и подстраховки украсили свои ряды ветераном шведской сцены Бьорном Джейсоном Линдом. И этот любопытный состав записал не менее интригующую пластинку, полную самых неожиданных решений. По открывающей композиции "Exquisite" сложно судить о содержании диска, ибо здесь нас подстерегает замысловатый синтез идей прогрессивного рока с электро-попом 1980-х. Идущая следом "Wasteland" – красивейший клавишный этюд с атмосферными партиями духовых от именитого гостя и всяческими звуковыми эффектами. В "Ursus" ритмичные нововолновые тенденции перемежаются "разбойничьим" посвистом дядюшки Бьорна. Несмотря на явно дискотечную направленность данной вещицы, в ее структуре можно различить отголоски фольклорных напевов. Центральное место всего альбома – космическая сюита из двух частей, вдохновленная живописью Манса Россандера. Классифицировать "Sirius A" чертовски непросто. Нео-психоделия? Авангард? Электронный арт-рок? Что? Наверное, всего понемногу + традиционные северные мотивы, скрещенные с аналогичными восточными веяниями. "Sirius B" уравновешивает хаотичные метания альтер-эго волшебными интонациями, где меланхоличное накрапывание акустической гитары и струнных перетекает в электрические прогрессии с характерными эскападами сопрано-флейты старины Линда. В исполненной скрытого драматизма "Digitaria", основанной на поэзии американских индейцев, слушателя ждет симпатичный вокальный дуэт Ингилы Трюльссон и Раймо Юнтунена, а замыкающая "Red Square" – скандинавский взгляд на зимний московский пейзаж, рисуемый виолончелью, синтезаторами, духовыми и вкрадчивой гитарой. Крайне небанальный релиз, имевший весьма интересное продолжение.

Сезон Дождей "Альбом трав" (1993)

Девяностые стали серьезной проверкой на прочность для многих российских рок-коллективов. Командам из числа "некоммерческих" пришлось в те годы весьма несладко. Кто-то поспешил "прогнуться под изменчивый мир", сменить, так сказать, артистический имидж на более доступный, а кто-то и вовсе расстался с музыкой. Совершенно далекий от чартов "Звуковой дорожки" МК и прочей ереси Сезон Дождей, подобно гордому бастиону, сопротивлялся из последнего засилью "дрыгоножных" ритмов, но слишком уж неравны были силы. Да и оскудение рядов (выбывшие Борис Бардаш и Андрей Лавриненко сколотили другой небезынтересный ансамбль - Оле Лукойе) изрядно осложнило жизнь лидеру питерских арт-рокеров Максиму Пшеничному. Тем не менее, упрямый худрук Сезона решился на продолжение. Благо, в его распоряжении была не только гитара - основной инструмент Макса, - но и клавишные с блок-флейтой. Ответственным за ударную установку и перкуссию стал Алексей Петров. В таком вот малом составе и был записан "Альбом трав" - жемчужина развитого психоделического прогрессива, рожденная на постсоветском пространстве. Стилистически композитор/исполнитель Пшеничный взял за основу курс предыдущего шедеврального диска "Возвращение" и довел его до абсолютного логического завершения. Треки по своим характеристикам напоминают хорошо структурированные саундскейпы. Рисунок мелодических линий сделался предельно оригинальным, не поддающимся аналогиям. Исчезли ассоциации с Pink Floyd: замысловатый арт-эмбиент Сезона полностью отмежевался от каких бы то ни было сопоставлений. Больше атмосферности звучания, осторожного движения воздушных синтезаторных айсбергов. Электрическая составляющая делит место с акустическим наполнением. Астрально-авангардные поползновения и мягкое журчание фольклорно-этнического толка на удивление мирно уживаются рядом. Эпические конструкции, невзирая на хронометраж и обилие нюансов, струятся естественно, да и воспринимаются без особого напряжения. В треке "По ту сторону холма" партию баса ведет Дмитрий Гусаков. Полночной свежестью дышит монотематический этюд "Легкие травы", украшенный присутствием гитариста Олега Дегтярева и программиста Алексея Рацена. Замыкающая постлюдия "Вверх" - ода гармонии и покою.
Хотя контрастов в материале хватает (ощущение душной замкнутости перемежается со свободным парением в эфире), все это звенья одной цепи под общим названием "Альбом трав". Словом, уникальная пластинка, закрывшая историю Сезона Дождей.

2 нояб. 2008 г.

Lunatic Soul "Lunatic Soul" (2008)

Стремительная поступь технологического прогресса, долженствующего нести пользу людям, на деле породила эффект отчуждения. Тотальная медийность, кричащие рекламные слоганы и бесконечная массированная атака на умы потенциальных потребителей заставляют ищущего спасения от пустопорожнего гвалта homo sapiens нового тысячелетия все больше замыкаться в себе. И ответным ударом чумному засилью попсы становится неприкрытый пессимизм современных рок-драматургов. Мариуш Дуда - яркий представитель этих последних. После напряженной гастрольно-студийной деятельности своей основной команды фронтмен польских дарк-прог-героев Riverside взял тайм-аут, который использовал с толком, подарив жизнь любопытному проекту Lunatic Soul. Принимая в расчет состав участников, можно без обиняков заявить: перед нами супергруппа. Помимо самого Мариуша (вокал, акустическая гитара, бас, клавишные, перкуссия), это мультиинструменталист Мацей Шеленбаум, бесподобный ударник Вавржинец Драмович (Indukti), органист Михал Лапай (Riverside) и гитарист Мацей Меллер (Quidam). Такой вот неслабый квинтет мастеров восточноевропейского арта, получивший прописку на набирающем призовые очки британском лейбле KScope Music. Естественно, заинтригованные фэны означенных коллективов вправе были надеяться на нечто необычное. И поляки не подкачали.
Композиционно Lunatic Soul - молочные братья Riverside. Дуда, основной автор материала, сознательно сделал ставку на полный отказ от тяжести и каких бы то ни было намеков на металл. Звуковое пространство избавили от лишней плотности, наполнили атмосферой, легким мистическим флером. Концептуалист Мариуш по-прежнему заставляет слушателей размышлять на не самые простые темы - волнующие загадки жизни и смерти, проблемы предопределения и свободы выбора пути. Саунд-ткань альбома умеренно прозрачна, много акустических красок, астральных проекций, разбавляемых электронными эффектами. Тонкие оркестровки, этнические вкрапления, всполохи флейты, эпизодическое включение Хаммонд-органа - все это увязано в единое гармоничное целое, неотъемлемой частью которого, его высшим смыслом является проникновенно-печальный голос инициатора меропрития. Быть может, именно благодаря призрачной лирике маэстро, его артистическому чутью картина обретает вторые и третьи планы...
Не ждите от Lunatic Soul технической изощренности, виртуозных головоломок. Здесь иные перспективы. Это музыка, уходящая вдаль, за пределы линии горизонта, туда, где бьется рубиновое сердце заката. И если Вы готовы последовать за ней... желаю удачи.

William Ackerman "Past Light" (1983)

Есть на свете редкая категория художников, у которых даже мимолетное движение души становится основой для творческого акта. Таков Уильям Аккерман. Умозрительные пейзажные панорамы он привык воплощать в акустике, и, как несложно догадаться, с гитарой в руках. Позиционировать инструментальные зарисовки альбома «Свет прошлого» можно несколько странноватым термином chamber new age. И здесь мы имеем дело с шедевром жанра. Изысканным, одухотворенным, мелодичным. Во многом состоявшимся благодаря приглашению великолепных артистов, что признает и сам мастермайнд проекта: "Зачастую коллеги, работавшие со мной над пластинкой, претворяли в реальность нечто большее, чем изначально предложенная базовая форма. Поэтому не будет ошибкой сказать, что многие из представленных в записи композиций - результат полнейшего взаимопонимания, единственно возможного только в дружеской среде". По сути, "Past Light" - коллекция пьес разных лет. Но уложены они крайне искусным манером, рождающим иллюзию целостности и, если хотите, даже некоторой концептуальности материала. Прославленные академические авангардисты Kronos Quartet ткут совершенно волшебные струнные аранжировки на треке "Garden", сочиненном Д. Эткинсоном в 1979-м. Известный сессионный музыкант Майкл Мэнринг, в будущем участник прогрессивных трио Attention Deficit и McGill/Manring/Stevens, извлекает из своего безладового баса почти что арии – певучие и протяжные. Уникальный духовик Чак Гринберг, лидер культовых Shadowfax, при помощи woodwind-синтезатора "Лирикон" вносит элемент невесомой тайны. Впрочем, каждый из исполнителей достоин отдельной похвалы. Совершенными жемчужинами на диске, помимо упомянутой "Garden", выглядят очаровательная "Ventana" с партией скрипки от Дэрола Энджера; рефлексивная "Threes", где вторым гитаристом выступает именитый Майкл Хёджес; ниспадающая прозрачным каскадом "Synopsis II", наполненая фортепианными пассажами Айры Штейн и воркованием гобоя Расселла Уолдера; поэтичнейшая "Rain to River" - эталон чистой красоты. Да и остальные композиции ничуть не слабее.
Распахнутый веер образов, незамутненных и загадочных, естественных как сама природа. Истинный подарок для умеющих мыслить сердцем.

31 окт. 2008 г.

Kosmos "Tarinoita Voimasta" (2005)

В отношении участников Kosmos – команда-дублер замечательной группы Viima. Образованы они практически тем же составом: Пяйви Килмянен - вокал; Киммо Ляхтинмяки - ударные, орган, пиано, меллотрон; Микка Юси-Укари - гитара, флейта, меллотрон + гости: скрипач Юкка Аалтонен, гитарист/клавишник Исмо Вирта, исполнитель на конгах Яапо Хилениус и басист Кари Вайнионпяа. Тем не менее стилистически оба коллектива находятся в разных весовых категориях. Музыка финских "космонавтов" ориентирована не на родственный англо-саксонскому образцу вариант симфо-прога, а, скорее, в большей степени опирается на традиционную лапландскую напевность, коренное скандинавское мифотворчество. Да и с названием ансамбля мелодическая часть как-то не слишком вяжется, ибо суть ее бесконечно земная: мшистые глыбы гранита, пенные волны залива, мертвые сумерки темных лесов… Фольклорная составляющая прочной нитью связывает все композиционные построения программы. Если говорить о диске в целом, то перед нами арт-рок, немного напоминающий опусы шведов Landberk. Север, грусть, прекрасный женский голос, плачет флейта, вторит меллотрон… Отдаленные параллели возникают с норвежским ансамблем White Willow, однако, чересчур неявные для устойчивых ассоциаций. Гитара в большинстве случаев акустическая. И, в общем-то, правильно. Структурно эти произведения не сильно нуждаются в электричестве. Сочетание аналоговых клавишных с духовыми, гитарой и скрипкой создает атмосферу уютно-камерную и в то же время предельно-образную. И в этих тончайших эфирных гармониях хрупким белым аистом парит вокал Пяйви Килмянен, выступающей в роли певицы-сказительницы. Нет здесь центростремительных хардовых марш-бросков, драйвовых завихрений, ломаных ритмических выкрутасов. Это другая сторона прогрессива, умудренно-печальная, открытая тем, кто, устав от бессмысленно-бесконечной сумятицы мира, жаждет припасть к незамутненным истокам, ощутить себя частичкой таинственной созидающей субстанции...
Ребятам из Kosmos не к лицу самовлюбленная виртуозность. Заручившись поддержкой вдохновения, они распахивают окно в неведомое, туда, где сказка неотделима от яви. Маленькое живописное пространство, доступное взору каждого. Стоит лишь захотеть и... Добро пожаловать в ностальгию.

30 окт. 2008 г.

Viima "Ajatuksia Maailman Laidalta" (2006)

История этой замечательной финской банды началась в городе Турку (между прочим, до 1812 года именно здесь находилась столица государства). Двадцатый век близился к завершению. Однако, молодые люди, объединившиеся под именем Viima, казалось, абсолютно не замечают признаков современности. Основные их интересы лежали в двух плоскостях: традиционный фольклор края и рок-музыка семидесятых. И в собственном творчестве участники ансамбля постарались гармонично свести воедино означенные фундаментальные категории. Минуло несколько лет прежде, чем сформировался постоянный состав Viima: Пяйви Килмянен - вокал; Киммо Ляхтинмяки - клавишные, ударные; Микка Юси-Укари - гитара, флейта; Ярмо Катайя - бас. Они-то и воплотили в жизнь данный альбом. А теперь от присказки перейдем непосредственно к сказке.
Судя по звучанию материала, писался он старинным манером, на многоканальный магнитофон. Следствием такого подхода стал ностальгический теплый саунд, придающий немалое очарование композиционным структурам пластинки. Сочинения квартета сотканы на редкость интересно и в целом профессионально. Проблема жанровых рамок (ежели таковая вообще существует) решается ансамблистами играючи. К примеру, вступительный номер "Leijonan syksy" поначалу выдержан в стилистике ритмичного фолк-рока, где преобладают флейта, ударные и голос милой девушки Пяйви; но к середине трека слушатель погружается в объемно-глубинные сферы симфо-арта с мелодическим рисунком, до боли напоминающим "Never Let Go" англичан Camel. Заглавная вещь - мозаика из элементов прога, харда, брасс-рока и даже классики (маэстро Киммо под занавес выдает совершенно шикарные клавесинно-органные пассажи). "Ilmalaiva Italia" несет в себе пресловутую скандинавскую меланхолию, периодически захлестываемую волнами ураганного электрического драйва. "Meri" - квинтэссенция исканий ребят из Viima, истинное блаженство для любителей ретро. "Luuttomat" можно условно охарактеризовать как прогрессивный джаз-фолк, своего рода бенефис приглашенного саксофониста Киммо Альхо. В завершение - эпический опус "Johdatus", в котором есть все, чего душа пожелает.
Итог: превосходный релиз. Высший балл + самые настоятельные рекомендации.